1967 • artista de Copenhaga, Dinamarca
Olafur Eliasson não é uma artista tradicional. Seus trabalhos mais conhecidos não podem ser pendurados em uma parede e não envolvem tinta ou uma câmera ou esculpir materiais. Eliasson cria o que é conhecido como arte de instalação. Esta forma de arte moderna não convencional pode ser descrita como a arte que os telespectadores devem andar através de ou em torno de experimentar. Arte de instalação geralmente é criada para um espaço particular, dentro de um museu ou fora em um campo e para um determinado período de tempo. Isso não pode ser possuído por colecionadores ou museus: existe por um tempo, e então é levado para baixo. Isso não pode ser preservado para as gerações futuras, exceto através de palavras e fotos. Eliasson trabalha faz uso de elementos naturais, incluindo a luz, água, fogo e madeira e ele frequentemente combina estes elementos para re-criar o ar livre para dentro, produzindo efeitos como uma cachoeira interna ou um arco-íris. A artista tem sido exibindo suas obras para o público desde meados da década de 1990, ganhando um seguimento cada vez maior entre os amantes da arte. Com The Weather Project Eliasson (2003) encontrou seu maior público ainda, capturando a imaginação de milhões. A exposição abriu no Museu Tate Modern Turbine Hall de Londres, em outubro de 2003. No primeiro mês, 600 mil visitantes participaram; em final de dezembro, esse número aumentado para 1 milhão. De acordo com Sebastian Smee do Daily Telegraph, Eliasson "criou algumas das obras de arte mais emocionantes, instigante e vívidas em qualquer lugar do mundo nos últimos anos."
Northern Lights
Eliasson nasceu em Copenhague, na Dinamarca. Ele passou sua infância na Dinamarca, retornando para a Islândia, país natal de seus pais, para o verão. A paisagem do Norte gritante de sua juventude informou sua sensibilidade artística, dando ao artista uma apreciação afiada para que P. C. Smith da arte na América chamado "o drama de mudança de luz natural." Eliasson frequentou a Royal Academy of Arts, em Copenhaga de 1989 a 1995. Na Academia, ele estudou as formas tradicionais de criação de arte — pintura, escultura, desenho — e aprendi sobre os velhos mestres do mundo da arte. Durante esse tempo, ele também voltou sua atenção para o assunto dos seres humanos, pesquisando sobre Neurologia, o estudo do sistema nervoso e psicologia da Gestalt, uma maneira de analisar a percepção e o comportamento humano. "Eu acho que muitas vezes há uma discrepância entre a experiência de ver e o conhecimento ou a expectativa de que o que estamos vendo." Trabalhos de Eliasson incluem fotografia e escultura, mas ele é mais conhecido por suas instalações. A partir de meados da década de 1990, participou em um número de exposições em todo o mundo, com suas obras em destaque tais proeminentes museus como o Museu Solomon R. Guggenheim em Nova York, o Museu de arte contemporânea em Los Angeles e Tate Modern Londres. Ele teve uma série de exposições individuais, bem como, no Musée de L'Art Moderne de la Ville de Paris, em França; no ZKM (centro de arte e mídia), em Karlsruhe, Alemanha; e no Kunsthaus Bregenz na Áustria. Eliasson representou a Dinamarca na Bienal de Veneza de 2003, uma exposição de arte internacional prestígio realizada a cada dois anos em Veneza, Itália. A exposição de arte é apenas uma parte da Bienal, que conduz a uma matriz de eventos anuais, celebrando, cinema, dança, arquitetura, música e teatro. Eliasson fez Alemanha sua base para grande parte de sua carreira, vivendo em Colónia e, mais tarde movendo-se para Berlim.
Pretérito imperfeitos ilusões
Muitos dos trabalhos de Eliasson têm a qualidade de uma ilusão, com o artista criando no interior do espaço tais fenômenos naturais como uma nevoeiro névoa ou a luz do sol. A artista toma conta, no entanto, que suas ilusões não são perfeitos. Eliasson sempre torna óbvio o mecanismo para produzir a ilusão: a bomba de água e mangueira perfurada que criam uma bruma efeito, a fiação elétrica que alimenta as luzes do seu "sol". Ao descrever a beleza, uma instalação em que Eliasson criou um arco-íris interior, crítico Daniel Birnbaum da Artforum International elogiou a decisão do artista, para não esconder as ferramentas, que ele usou para criar o efeito: "não há segredos, apenas um fenómeno óptico fascinante para se contemplar. Em vez de ser tentados a procurar algumas engenhocas velada, o espectador, portanto, é confrontado com a coisa em si: o fato de que a luz e água em combinação produzem cor. " Exibindo seus elementos naturais re-criados em configurações onde tais elementos não são geralmente encontrados — como em uma galeria ou em uma cidade movimentada rua — Eliasson incentiva o público a refletir sobre a relação entre o mundo natural e o mundo urbano e entre natureza e seres humanos. Vendo uma névoa nebulosa encher um quarto em uma galeria de visitantes experimentam nevoeiro de um jeito diferente do que se fosse lá fora. Mary Sherman do Boston Herald reconheceu que, embora seja óbvio que uma ilusão é criada pelo artista, "nossos sentidos são aumentados, nossa mente é enviada a corrida, o mundo parece transformado e, por um breve momento, a ilusão é real." Para trabalhos de Eliasson, o público sempre desempenha um papel importante, indicado em parte por sua tendência a usar o pronome possessivo "seus" em muitos de seus títulos. Enquanto a artista produz o trabalho, seu impacto vem da forma como o público reage. Em 1996, Eliasson teve sua primeira instalação de Nova York, sua estranha certeza ainda manteve. Ele apresentava uma cachoeira artificial construída dentro da galeria. Eliasson pendurou uma calha de chuva, esvaziada muitas vezes, do teto e bombeava água para a calha, que então choveu através dos inúmeros buracos. As gotas caindo foram iluminadas pelo piscar luzes estroboscópicas, criando a ilusão de que cada gota foi momentaneamente suspensa no ar. Sua máquina Sun, criado em 1997, consistia de um quarto desencapado com um grande círculo que cortou fora o telhado. Ao longo do dia — pelo menos durante os dias de sol — o sol brilhou em através do orifício, suas vigas atravessando a parede, como passou o dia. O movimento do sol ao longo do dia constituía uma parte importante do trabalho; outro aspecto importante foi a auto-consciência do espectador, conforme descrito pelo site da Tate Modern: "o espectador foi lembrado de sua própria posição como um objeto, localizado na terra, girando através do espaço em torno do sol real."
James Turrell: Luz artista
Como Olafur Eliasson, James Turrell usa luz e espaço como suas ferramentas para a criação de arte ao invés de pincéis ou uma câmera. Trabalhos de Eliasson muitas vezes são disse ter sido influenciado por aqueles de Turrell, que tem sido dado muitos rótulos diferentes, incluindo artista ambiental, artista da terra e luz do artista. Como Eliasson, Turrell estudou arte e psicologia, com especial interesse no tema da percepção humana, como as pessoas interpretam o que ver ou sentem. Suas obras explorar o conceito de luz como um objeto, um físico e material, não apenas algo que ilumina outras coisas. Com obras como Gard Blue e Danae, Turrell criaram esculturas geométricas fora da luz. À primeira vista, essas esculturas parecem ter uma forma física, para ser tangível, mas um exame mais detalhado revela que eles são pura luz. Nascido em 6 de maio de 1943, em Los Angeles, Califórnia, Turrell tem exibindo suas obras para o público desde o final dos anos 1960, com instalações em importantes museus em todo o mundo. Ele ganhou vários prêmios de prestígio nos Estados Unidos, incluindo um MacArthur Foundation Fellowship, uma bolsa do National Endowment for the Arts e um Guggenheim Fellowship, bem como ganhar vários prêmios no exterior. O trabalho mais significativo de sua carreira é a Cratera Roden, um projeto que começou na década de 1970 e que custou mais de US $ 10 milhões. A data de conclusão projectado para a Cratera Roden deslocou-se nos últimos anos, de 1999 a 2004, por volta de 2006. Criado a partir de uma cratera vulcânica extinta em forma de cone no deserto pintado perto de Flagstaff, Arizona, a Cratera Roden consiste em vários túneis e câmaras subterrâneas, com aberturas para o exterior. Em sua base, tem um diâmetro de uma milha, e a distância da base até a borda é sete cem pés. Trabalhando com os astrônomos, Turrell tem criado um Observatório das sortes, uma maneira para as pessoas a observar as maravilhas do céu e o jogo de luz natural em vários pontos do dia. Como Paul Trachtman explicado no Smithsonian, "alguns dos espaços são precisamente, matematicamente orientadas para capturar eventos celestes raros, enquanto outros são em forma de e iluminados para fazer todos os dias-do-sol e nascer do sol olha extraordinário." Trachtman descreveu sua experiência de assistir a um pôr do sol de dentro de uma das câmaras, chamado olho da cratera, que tem paredes brancas lisas que se inclinam em direção a circular, abre o teto, fazendo o quarto aparecem como "um ovo cósmico". A maneira que Turrell tem iluminado o interior olho da cratera altera as percepções dos visitantes do céu noturno acima, como explicado por Trachtman: "estranhamente, como aprofundar as cores, o céu parece cair sobre a cratera. Ele perde seu sentido comum de ser em algum lugar 'lá' e acaba por 'para baixo aqui.' " Turrell tem ido a coisas extraordinárias para tornar a sua visão da Cratera Roden realidade. Quando que for concluído, ele terá gasto algo como trinta anos dedicados a este projeto. Ele brincou ao Trachtman que o preço da cratera Roden teve um elemento humano, bem como monetário, custando-lhe "algumas esposas e vários relacionamentos." Turrell obteve concessões de pastoreio para muitos hectares de terras ao redor da cratera e tornou-se um fazendeiro, em parte como uma fonte de renda, mas principalmente para evitar a construção de novas casas no terreno, casas que usar luz artificial e alterar o céu à noite. O tempo, esforço e dinheiro gasto com a Cratera Roden parecem inconsequentes, no entanto, quando são considerados objetivos do Turrell para o projeto. Ele espera que vai sobreviver por milhares de anos, e ele planejou com astrônomos para os espaços dentro de maravilhosamente exibir eventos celestes previstos para ocorrer em um futuro distante. Seu agora é meu entorno, exibido no final de 2000, na cidade de Nova Iorque, composta por duas partes. O primeiro era uma sala pequena, construída de drywall, com um piso de concreto. O vidro tinha sido removido de uma clarabóia no teto, resultando ocasionalmente em chuva coletando no chão. Espelhos alinhados as paredes do nível de olho até a abertura no teto, refletindo o sol, céu e nuvens. Sua opinião repetitivos, parte da mesma exposição, consistia de uma rampa de madeira de trinta e três-pé-longo que se estendeu por paredes interiores da galeria, através de uma sala e em linha reta através de uma janela para o exterior. Os telespectadores podem olhar através de uma extremidade quadrada para ver ao ar livre, uma visão que Eliasson tinha transformado a partir de ordinário para "bastante mágico", como descrito por Eleanor Heartney em arte na América: "o interior do eixo foi forrado com espelhos que parecia desenhar em luz e cor de fora, e fratura-los ao longo de seu comprimento." Frances Richard da Artforum International descrito exploração do artista de conceitos aparentemente opostos nesta instalação: "estabilidade interior e exterior e reflexão, arquitetura e vazio." A tensão entre interior e exterior é um tema freqüentemente encontrado em trabalhos de Eliasson: a noção de escapar da azáfama e confinamento de uma cidade, mesmo quando no meio da cidade, através de um encontro com o mundo natural. Heartney concluiu que, com esta instalação, "a experiência foi surpreendente, como o mundo cotidiano tornou-se um espaço tão desconhecido como era hipnotizante". Enquanto alguns dos trabalhos de Eliasson podem parecer simples no efeito global, eles envolvem cálculos extensos e preparações. Johanna Burton da Artforum International sugeriu que processos criativos do artista "são compostos por partes iguais de arquitetura e de ficção científica e complementados por uma dose gigantesca de matemática avançada." Sua sugestão é exato: para ajudá-lo com o planejamento e a execução de suas instalações, Eliasson emprega especialistas em vários campos, incluindo arquitetura, carpintaria, para metais, projeto estrutural e engenharia e matemática.
O projeto do clima
O projeto do clima, Instalação de 2003 – 2004 descontroladamente popular do Eliasson Londres Tate Modern, consistiu principalmente em versão do artista, do sol e do céu. Após andar no corredor enorme, visitantes viram um disco de brilhante gigante suspenso do teto, uma representação inconfundível do sol. A luz do "sol" brilhou através de uma névoa nebulosa, gerada por umidificadores colocados ao longo do comprimento do corredor. Um olhar sobre o teto revelou que ele tinha sido rebocado com espelhos, refletindo os muitos visitantes reuniram-se muito abaixo. Após uma análise mais aprofundada, visitantes podem ver que o "sol" não era realmente circular; a artista tinha pendurado um semi-círculo de luzes, que, quando refletida nos espelhos no tecto, dava a impressão de um círculo completo. As centenas de espelhos, aplicadas de forma irregular, em vez de deitado perfeitamente, deu as bordas superiores do "sol" uma aparência áspera, irregular, fazendo com que pareça assustadoramente real. Para aqueles que só entrando no salão, as pessoas já dentro foram silhueta, aparecendo como figuras escuras contra a luz amarelo-alaranjado brilhante. Com O projeto do clima, como acontece com muitos de seus trabalhos, Eliasson explorou suas opiniões sobre a relação entre o mundo natural e a cidade. Independentemente de como isolado um morador da cidade pode ser de natureza, alguns aspectos necessariamente intrometer, nomeadamente sob a forma de tempo: chuva, vento, sol, neve. Com esta instalação, Eliasson criou a ilusão da natureza e do tempo em ambientes fechados, dando aos espectadores um sentido da beleza e tranquilidade de uma névoa de ensolarado. Mas ele também permitiu que as pessoas vejam a natureza artificial da sua criação. Os participantes a instalação pudessem caminhar as várias partes da instalação, observando a fiação elétrica alimentando a "luz do sol" e os humidificadores criando a névoa. Quando perguntado por Fiona Maddocks do Evening Standard que o trabalho é sobre, Eliasson respondeu, "é definitivamente sobretudo sobre as pessoas. As pessoas estão olhando para si mesmos como arte." A instalação provocado comportamento incomum entre muitos visitantes, comportamento que não é normalmente visto em museus. Visitantes passaram horas no salão de turbina, deitado no chão, olhando os espelhos na tentativa de localizar suas reflexões. Alguns até mesmo agrupados juntos para criar formas interessantes com seus corpos que se refletiria acima. Outros tiveram piqueniques no piso da galeria ou sentado em meditação silenciosa. Maddocks informou que "há beijando muito séria." Na opinião de Richard Dorment do Daily Telegraph, as reações dos visitantes adicionou uma camada de significado e importância para o trabalho: "o que o artista começou, o público completa. É os visitantes que fazem O projeto do clima inesquecível."