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Pinturas de Francisco de Goya | Goya. Pintor no estilo rococó

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A obra de Goya é notável não só porque ele aparece como um documento vivo dos eventos e das idéias de seu tempo, mas também porque pode detectar preocupações que sobreviveram até hoje. Além de extraordinário pintor, ele também foi um criador capaz de vislumbrar novos caminhos que foram explorados exaustivamente por artistas posteriores.
Corajosamente independente e altamente original, Goya foi um pintor no estilo rococó quando moda rococó tornou-se extinta na Europa. Ele era um pintor ilustrado, mas refratário ao neoclassicismo. Ele era um pintor de personalidade vigorosa, mas em um tempo em que a pintura espanhola não tinha personalidade. Era um pintor decorativista em suas origens, acadêmico, quando foi incentivado suas cortesãs e ambições expressionistas com um século de antecedência, em obras como comer dois anos de idade. Foi também considerado por alguns críticos como precursor do Impressionismo, por trabalhos como a leiteira de Bordéus (1828, Museo del Prado), ou o simbolismo, o colosso ou pânico, mas, em qualquer caso, é decididamente inclassificável pelo conjunto incomum de suas impressões (caprichos, touradas, catástrofes, absurdo) e os desenhos que se proliferam em seus álbuns. A exposição seguinte anotada permite acompanhar a evolução, em ordem cronológica, da rica e variada carreira.


O pilão e os homens mascarados

1777
Lona. 2.75 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.
A produção de Goya é enormemente rica e diversos. O Prado, que tem uma incrível quantidade de obras, quase inteiramente mostra a evolução lenta e pessoal da sua sensibilidade. Os principais marcos da vida artística de Goya estão aqui representados, da pintura seu início Madrid - caixas para tapeçarias que dão a sua aparição ao vivo, sensível e popular, por vezes tingida com ironia e humor, mesmo com alguma graça rococó em seu tratamento - até sombrias e dramáticas "pinturas negras" na sua velhice, que parecem anunciar a tantas direções de pintura contemporânea através de retratos oficiais, fotos da história e alguns dos seus melhores esforços acadêmicos, retratos de privada, assim como muitos praças menos de caráter muito variadas, recolhida através de vários canais e não relacionados com seu trabalho oficial.
Seu trabalho como um fornecedor de embalagens de cartão para a fábrica de tapeçaria real, que foi sua primeira ocupação de Madrid, armazenados no Prado, quase em sua totalidade. Pode ser visto como longitudinalmente dos quase vinte anos que durou esta atividade, de 1775 até 1792, que Goya foi aproveitando-se desta obrigação quase artesanal para testar, harmonizar, variam de composições, observar e interpretar a realidade; ou seja, como a escola de pintura pura.
As primeiras obras, mesmo desajeitadas, medíocres, sem qualquer sucesso pessoal que os distinguem da de seus cunhados a Bayeu, passa logo a perícia segura que avisa as caixas que entrega em 1777. Essa data é o pilão e os homens mascarados, bota decorativa engraçada, já pintado com considerável riqueza de tons quentes e uma segurança do pincel.

O homem cego

1788-1789
Lona. 2,69 x 3,50
Museo del Prado, Madrid.
Cartunista tardorrococo divertido Goya, no início, a humanidade como um teatro de fantoches. Sua alegre nas caixas para tapeçarias nas pinturas da década de 1970 e 1980, suas figuras mantêm um equilíbrio frágil, movimentos descreveram as ações pendentes e representadas rostos são máscaras de porcelana. Note, se não, o círculo sorrindo e lúdico do homem cego (1788-1789), preservado no Museo del Prado.

O vendedor de louças

1779
Lona. 2.59 x 2,20
Museo del Prado, Madrid.
Pintado em 1779, o vendedor de louças ou O borne de China, como ele é designado nos documentos, já é uma obra-prima pintada com uma riqueza e refinamento que excedem, de longe a simples intenção decorativa que se destinava. Tais caixas tão sutis e refinadas, sua técnica, tão rica de termos e nuances, são aqueles causados em alguns protestos de casos dos tecelões que avisou quase, dificuldade, incapacidade de passar tantas sutilezas no tecido. Do ano anterior, 1778, Goya teve acesso a coleções de Royal, e o estudo e a meditação sobre os velhos mestres, especialmente de Velázquez, dê seu fruto em umas caixas destes anos, com seu afastamento cinzento, atestando o arrefecimento gradual da sua paleta.

Retrato de María Teresa de Borbón y Vallabriga

1783
Lona. 0,80 x 0,60
Galeria de Uffizi, Florença.
María Teresa de Vallabriga casou-se com o infante Luis Antonio de Borbón, filho de Felipe V e irmão de Carlos III. Esta tela é talvez o esboço de uma obra maior. Vestida de figura de envarada Amazônia azul, cavalo de madeira, paisagem montanhosa e a terra árida em primeiro plano tem a frescura e o imediatismo do esboçado e rapidamente preparado. O trabalho pode ser datado por volta de 1783.

O pedreiro ferido [detalhes]

1786-1787
Lona. 1.10 x 2.68
Museo del Prado, Madrid.
1786 ou 1787, com o pedreiro ferido, Goya faz uma das obras mais conhecidas deste período. Formato muito estreito e alto, condição imposta por motivos decorativos, representando dois maçons que se mudou para um companheiro provavelmente ferido depois de cair de um andaime.
A imagem também tem um considerável interesse temático, que se torna o pintor (como ele assinalou em diversas ocasiões) em um precursor da "pintura social". Deste período data um decreto real de Carlos III para antecipar acidentes de construção trabalham e habilitar a ajuda para os feridos. O decreto que ele exigiu danos ao mestre de obras, no caso de acidente, estabeleceu normas para andaimes levantamento prudente, ameaçou com prisão e multas pesadas em caso de negligência e apontou ajuda económica aos sobreviventes e suas famílias.
Por conseguinte, Goya coopera com esta pintura em uma nova política para o desenvolvimento e a dignidade do trabalho, assim, Tuning com sentimento mais progressista para o seu tempo. Para pintar este patético tapeçaria ecoou um comum e grave problema social.
É curioso, no entanto, observar como, para repetir mais tarde nos anos de composição para o gabinete da Duquesa de Osuna, mudou o drama por ironia, para substituir o lesionado por uma cara bêbada inchado e mecânica rindo. Sem dúvida, o tema da versão inicial não era apropriado para o quarto da Duquesa.

O nevada

1786-1787
Lona. 2.75 x 2,93
Museo del Prado, Madrid.
Pintado em 1786, feliz ano para o pintor, como ele recebeu a designação de pintor do rei e afirma o seu prestígio entre intelectuais e homens de negócios Madrid, esta bela tapeçaria é parte de uma série de ideais das quatro estações, em que o floreras encarna a primavera, época, verão, outono, colheitae o nevada , inverno. Goya tinha-se tornado, e com razão, muito satisfeito com eles, então anos depois repetido, em pequeno, para a decoração de um armário da Duquesa de Osuna, na sua quinta da Alameda. O nevada é excepcional como um estudo em tons de cinza e branco de refinada harmonia, em que há evidência de estúdio de Velázquez.

Os Duques de Osuna e seus filhos

1788
Lona. 2,25 x 1,74
Museo del Prado, Madrid.
Goya foi o pintor de retratos por excelência do meio burguês, culto e intelectualizada, do fim do século XVIII Madrid progressivo. Amigo de escritores, arquitectos, banqueiros e políticos, conclui-se também pelo contato com a aristocracia; proteger as duquesas de Osuna e Alba, e finalmente, como um pintor do rei, ele me faz retratos da família real.
Sua capacidade de análise do modelo, sua penetração psicológica e sua mestria técnica, que resolve a profundidade com uma prodigiosa facilidade, torná-lo um das maiores retratistas da história da pintura. O mais cruel também, porque seu olhar implacável penetradora canto implacável da consciência e nos deixa, as pessoas que colocam antes, verdadeiros retratos morais, raios-x do pensamento, que expresso, juntamente com toda a aparência do personagem, o conteúdo de sua alma e o julgamento, muitas vezes amargo, que ele merece.
Por isso são duplamente agradável com aqueles retratos que adverte que o artista se aproximou de seu modelo com agrado ou simpatia. Isto é verdade nos Duques de Osuna e seus filhos. Os duques, protetores de Goya, abram as portas de sua intimidade e Goya, em 1790, retrata-los com afeição óbvia que é extrema, especialmente em crianças, o mais verdadeiramente infantis, mesmo em sua melancolia sonhadora, muitos Goya pintados, que sempre manteve uma ternura de honda por crianças.
O menor dos filhos, sentados em almofadas, que, ao longo do tempo, diretor do Museu do Prado, de 1821 a 1823. A gama de cores, refinado e concordou em cinza prata, é magistral delicadeza. A caixa foi dada para o Prado em 1897 pelos descendentes dos retratados.

Retrato da Condessa de el Carpio (La Solana)

No sentido de 1794-1795
Lona. 1,81 x 1.22
Musée du Louvre, Paris.
Como gênio variado de Goya destaca-se particularmente no gênero do retrato, muitas vezes tratados com uma crueldade surpreendente satírica. No entanto, neste trabalho, legado em 1942 por Carlos de Beistegui, adicionado à distinção do modelo uma harmonia de cores, com tons de cinza, preto e branco, rosa e lilás, que reforça ainda mais.
O retrato retrata María Rita Barrenechea e Morante, casou-se em 1775 com a contagem de Carpio, que adquiriu o título de Marquês de la Solana, pouco tempo antes da morte de sua esposa, em 1795. Tecido, tão misteriosamente simples, talvez evoca o sentimento da proximidade da morte de uma mulher sensível e culta; em qualquer caso, parece ser propor a superação da realidade, a arte ou o espírito, que pode ser encontrado em outras obras do período"cinza" imediatamente antes da crise de 1792 e a surdez de Goya; ou, se preferir, antes de 1794, ano em que o pintor retomou a sua actividade.

Don Andrés de el Peral [detalhes]

1795-1798
Tabela. 0.95 x 0,66
National Gallery, Londres.
Retratado, Andrés de el Peral, trabalhou como pintor e dourador da família real espanhola de 1770-1820 e, portanto, era um colega de Goya, nomeado pintor do rei em 1786. Peral era famoso como um colecionador de pinturas, especialmente de artistas espanhóis dos séculos XVII e XVIII, entre os quais havia um grande número de pequenas pinturas de Goya touradas temas ou cenas de gênero.
Sentado em uma posição ereta na cadeira e olhando o espectador, pêra aparece como uma pessoa severa. Goya expressa algo do caractere da retratada através da paleta sombria e o Tom cativante da imagem. A obra de Goya como um pintor, sua habilidade em criar efeitos brilhantes com meios limitados e sua observação penetrante das babás estão admiravelmente presentes neste retrato austero.

O pintor Francisco Bayeu

1795
Lona. 1.12 x 0,84
Museo del Prado, Madrid.
Goya pintou em 1795 para serem exibidas na Academia de San Fernando, por ocasião da homenagem póstuma à sessão, deixou aqui um dos seus retratos mais bonitos, sóbrios e expressivos. Francisco Bayeu, seu cunhado, era bem conhecido por ele. Em 1786 ele tinha interpretado-lo já numa tela soberba do Museu Valencia, pintado em um intervalo diferente, escuro e denso. Neste retrato aparece que seguiram fielmente um auto-retrato do próprio Bayeu e estendido no fundo uniforme e luminoso de Pearl Grey sua excepcional mestria no manuseio da prata gama e frio.
O difícil e pouco caráter compassivo dos aragoneses autoritário significa versão provas de Goya, longo anos chateada com ele por razões económicas e família. A imagem foi adquirida em 1866 para o Museo de la Trinidad, onde veio ao Museu do Prado.

Retrato de Maria Teresa de Borbón Godoy, Condessa de Chinchón

1797-1800
Lona. 2,20 x 1,40
Galeria de Uffizi, Florença.
O retratado é a filha de Luis Antonio de Bourbon e María Teresa de Vallabriga. Casou-se em 1799 Manuel Godoy, o Ministro e o favorito de Carlos IV e rainha María Luisa, mas o casamento tinham que separar após a expatriação do Ministro.
Figura princesa se destaca do fundo escuro com um lindo vestido azul muito pálido, quase mudou para a rosa. Seu rosto, ligeiramente desdenhoso e caprichoso, é emoldurado por alguns cachos avermelhados, fitas azuis e verdes e enfeites de penas, onde a artista transformou sua paleta e seu mestrado. A atenção de Goya torna-se exato também jóias - pulseira, colar, os brincos..--cujo objetivo é mostrar a faixa dos jovens retratados. Na peça características pictóricas do grande artista podem ser vistas: gosto pela cor tratados sutilmente e estudo sobre o caráter da personagem, que é colocado em evidência a expressão do rosto.

A maja vestida

1797-1798
Lona. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.
Famoso pela lenda que queria ver na que Duquesa de Alba, a Majas são, talvez, a mais conhecida na obra de Goya e certamente mais extraartistica literatura produziu. Paradoxalmente, são também obras que têm menos informação documental. Assumiu, por razões técnicas, que foram pintadas a 1797-1798, mas não é seguro ser contemporâneo, e nada na verdade é conhecido sobre eles até que eles apareçam em 1808 na coleção de Godoy, qualificado de "Cigana". Desde 1808, eles foram para o Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, com mercadorias apreendidas Godoy e em 1901 foram para o Museu do Prado.
Mesmo que o modelo parece a mesma e a posição e atitude são idênticos, algo que não é só o contraste entre o vestido e o nu distingue duas Majas. A maja vestida é tratado com uma técnica solta, vibrante e livre: mais "Goya", aliás, que a maja nua.
Muito menos acadêmico em seu acabamento, a maja vestida se comunica ao espectador um sopro de vida com malícia, que fez o escritor Emilia Pardo Bazán descreveu-o como "mais de nu", em contraste com seu companheiro "aporcelanada". Fragmentos de pintura pura, como a jaqueta amarela com guarnição preta ou panfletos do travesseiro estão entre os sucessos mais retumbante da escova do seu autor.

A maja nua

1797-1798
Lona. 0,97 x 1,90
Museo del Prado, Madrid.
Isso foi pensado que ambos majas formam um díptico, para que o vestido poderia descobrir como retornar uma página para o nu. É muito plausível hipótese, tais 'cheatings' eram freqüentes, embora em menor grau, na França e no ambiente dos cultos. Em qualquer caso, a maja nua é um estudo delicado e acabado de tons perolados, perfeitas como uma pintura neoclássica, transformando e polir o nu como uma porcelana. Talvez, precisamente por causa de sua perfeição e seu peso de academia, o menos "goyesco" de toda a produção do pintor. Ambos trabalhos estavam juntos na Academia, a partir de 1808, Godoy apreendidos os bens e em 1901 foi para o Museu do Prado.

Prisão de Cristo [desenho]

1798
Lona. 0,40 x 0.23
Museo del Prado, Madrid.
Na mesma época em que cultivou com retrato de assiduidade e participa ativamente da vida social em Madrid, até surdez primeiro e os eventos do Napoleônico guerra ofuscar-lhe, em seguida, isolado, Goya também cultivado pintura religiosa para usar, pagando tributo em mais de uma ocasião para o neoclassicismo de Mengs, prevalecendo mesmo. Por este motivo tem mais interesse e quase excepcional qualidade, este esboço de soberbo.
Em 1788 o Conselho Municipal de Toledo acusá-lo de uma lona para a sacristia da Catedral: a Prisão de Cristo (à direita). A caixa, concebida como uma cena noturna iluminada por uma lanterna, foi realizada com grande vivacidade e força expressiva (limpeza recente mostrou), qualidades que são o extremo em um esboço preparatório (à esquerda), que mostra uma leve vibração, um gosto para os violentos contrastes e um pincel à liberdade quase duplos com as obras de sua maturidade.
Certamente, o sentimento de Goya já era nesta direção de excitação brilhante e dramática, que há necessidade de desenhar com Rembrandt. As exigências da moda e o desejo de também executar o nobre 'estilo arquitetônico' seus amigos iluminados, admirando, fez-lhe imobilizar esse impulso poderoso, que escapa com incrível em tão pequeno esboço frescor e intensidade.

A família de Carlos IV

1800
Lona. 2,80 x 3.36
Museo del Prado, Madrid.
Na grande tela intitulada a família de Carlos IV, Goya procurou evocam de alguma forma Las Meninas de Velázquez. A primeira pergunta que você deve perguntar ao olhar para este quadro conhecido é de onde e para quem concebeu esta imagem que envolve e inclui o próprio pintor. Em qualquer caso, a técnica de pintura de Goya, nesta foto é a perfeição e riqueza excepcional.
Pintura apresenta sombras cinzas e transparentes (colocadas em destaque graças a restauração que foi realizada fora da tela) que ricos vestidos, sedas, jóias e a Brocade família espumante mistura real (as senhoras levar bandas da ordem de Maria Luisa e os machos de Carlos III). Também com a restauração da tela recuperou a profundidade e transparência original.
Para a família de Carlos IV, Goya fez notas do natural, dos quais cinco são preservados no Museo del Prado. O pintor impressos em tecido, com surpreendente simplicidade e segurança de toque, características dos retratados. Na tela final dessas características, mas não apenas mudar, no entanto, são, um pouco atenuadas. No ponto da infanta Doña María de Josefa, Goya mostrou pouco afeto que ele sentia por ela. Starkly, representou um aspecto brujesco e cara feia. Na tela de desenho definitivo Goya colocou em um segundo mandato, como corresponde a um caractere de cinza, que vivia à sombra do monarca.

A infanta dona Josefa María [detalhes]

1800
Lona. 0,74 x 0,60
Museo del Prado, Madrid.
A produção extensiva de retratos que Goya realizou deve ser dentro de um contexto europeu geral em que este tipo de pintura de gênero, em detrimento das grandes composições foi imposto (embora o tópico histórico pintá-la iria recuperar, em parte, como resultado da Revolução francesa). Com efeito, no meio do retrato do século XVIII dominou a arte na Europa. A ascensão do gênero foi tal que mesmo o termo "retrato" foi usado para se referir a qualquer pintor que não escova gorda.
O espectador espera principalmente o retrato que representava uma semelhança justa com o modelo, mas o retrato verdadeiro ultrapassa a representação física de uma pessoa. O pintor de esquerda e direito com boas habilidades interpretativas sabe também captura na lona o estado de humor, moralidade, características pessoais ou categoria social do modelo, então o resultado final é um retrato muito mais real e verdadeiro.
Retratos de Goya devem ser analisados precisamente nesta linha. Aliás, Goya foi uma retratista revolucionária e um agudo observador. Capaz de um estudo psicológico notável e completo do modelo, ele conseguiu graças a sua mestria técnica para expor as características do personagem representado mais característicos e relevantes. Isto faz dele, sem dúvida, um das principais retratistas da história da pintura.
No entanto, também ele é considerado um do retrato mais cruel, uma vez que as habilidades de observação implacável lhe permitiram fazer retratos morais verdadeiros, genuínos radiografias do pensamento. Não só representados em suas telas e tintas para a aparência do modelo, mas também o conteúdo da alma e julgamento, muitas vezes amargo, que o personagem merece-lo. A família de Carlos IVé um exemplo eloqüente disso. Neste trabalho, que reúne todos os membros da família real, o mestre não tentar, afinal, esconder sua falta de simpatia para a maior parte do que o representado.
Para a grande tela da família de Carlos IV, Goya preparado cuidadosamente nas notas do natural, cheio de vida, cada um dos personagens. O Museu do Prado mantém cinco desses estudos maravilhoso, em que, sobre o primer de tecido avermelhado, traços da retratada, que lona definitiva, com pequena modificação, no entanto um pouco esmaecido sua imediatez é coagular com surpreendente simplicidade e segurança de toque.
Doña María de Josefa, filha de Carlos III e irmã de Carlos IV, que morreu solteira no ano seguinte, não deve ser qualquer modo figura agradável. Goya tem extrema crueldade nesta feio e cara de brujesco, que na final da lona nos examina, desde o segundo mandato na sombra ele sempre viveu, desagradável avidamente de harpia.

Infante de Antonio Don Francisco de Paula

1800
Lona. 0,74 x 0,60
Museo del Prado, Madrid.
Na tela grande, a família de Carlos IV se destaca essa criança que, por sua delicadeza e a fragilidade das crianças, parece ter ganho todas as simpatias do pintor. Talvez ainda mais, neste estudo do nativo, conseguiu-se à captura de Goya e comunicar o encanto, ingênuo e desonestos ao mesmo tempo, criança animada, que exala graça, ternura e salva no aspecto humano, o triste espetáculo "ridículo", como bem disseram Alberti, deste tribunal. Observadas, como pura pintura, leveza e segurança de toques, mal restregados, sugerindo a cintura e a banda no esboço muito leve.

A mulher do ventilador

1805-1807
Lona. 1,03 x 0,83
Musée du Louvre, Paris.
Como uma retratista da corte, Goya não mostrou é mais acomodados do que Velázquez; suas imagens sarcásticos põe em evidência os modelos taras físicas e morais, como se fossem modelos de toda a humanidade em declínio. No entanto, no caso de retratos femininos como o de la Solana, a Duquesa de Alba ou a Condessa de Chinchon, o desespero cede antes uma busca vital e pictórica realizada sob o signo, não tanta angústia e melancolia, e em que a cor dominante e estilo são estreitamente relacionado com o significado.
Este retrato, adquirido pelo Museu do Louvre, em 1858, é uma representação do busto de uma jovem desconhecida, talvez a Nora de Goya. O trabalho deve datam dos anos de 1805-1807, mas nos que encontramos, se não o sentimento do sobrenatural que emanava de La Solana, pelo menos as harmonias cinzas que mais tarde amado Edouard Manet, reforçado pela sugestão de transparência pérola de carne.
A atitude convencional e tratamento Dan um fundo liso muito simples, na verdade, oportunidade para uma obra-prima que define uma diferença notável entre o "acabamento" do rosto e a modernidade das pinceladas no tratamento do vestido.

Dona Isabel Cobos de Porcel

1806
Lona. 0,82 x 0,54
National Gallery, Londres.
Esta bela mulher é Maja vestida, de acordo com as mulheres da moda popular existentes no final do século XVIII e XIX cedo. O marido Antonio Porcel foi também retratado por Goya no mesmo ano (1806), como uma expressão de gratidão do pintor pela hospitalidade recebida do casamento, certamente em sua casa em Granada. Porcel foi protegido de Godoy, favorito da rainha María Luisa e sócio de um amigo de Goya, escritor e político liberal Jovellanos.
Goya deve se sentir satisfeito com este retrato, porque expôs no Academy real de San Fernando. A beleza e a vivacidade da retratada e vestes-recurso, que não esconde o brilho da seda sob o manto, são combinados com a capacidade de Goya na fatura. Goya incluiu mulheres em algumas de suas obras para satirizar a insanidade e a vaidade do sexo, mas o artista também foi capaz de responder à visão de uma mulher deslumbrante que sua beleza e posição.

O colosso ou pânico

1808-1812
Lona. 1.16 x 1,05
Museo del Prado, Madrid.
Com a chegada do novo século, Goya tornar-se um cronista lúcido, que descreveu como ninguém o esperpento, violência e, finalmente, a terrível realidade à sua volta. É a expressionista "Pinturas negras" de Goya. Um preâmbulo desta série de pinturas é a tela que carrega o título do colosso ou pânico, feitos no sentido de 1810-1812 e preservado no Museo del Prado.
Esta pintura enigmática (que ainda, sem dúvida, os pesadelos da guerra) anuncia, quanto a sua técnica e o ambiente, as visões que eles alcançarão seu ponto de máxima expressividade nos últimos anos da vida do pintor. O real significado e intenção temática desta tela é ainda vago. Algo enorme e assustador fica contra a humanidade indefesa e coloca-lo na corrida. Só uma bunda, quadro de ignorância e inconsciência, permanece quiescente e destemido.
Tem sido expostos a múltiplas interpretações e significados do gigante. Existem aqueles que querem ver uma alusão a Napoleão, outros vêem um símbolo de guerra, fome, crueldade ou simplesmente medo do desconhecido. Em qualquer caso, a caixa introduz-ao mundo sombrio, em que são nove Goya nos últimos anos. E por outro lado revela também iguarias e sabedorias da execução, com recheios de luz dados com espátula e vigorosos traçados de pincel, modernidade magistral. Imagem inserida no Museo del Prado em 1930 com o legado Fernández Durán.

O Duque de Wellington

1812-1814
Tabela. 1,64 x 0,52
National Gallery, Londres.
O Duque de Wellington (1769-1852) foi um general sob o comando das forças britânicas que lutaram na Espanha durante a guerra da independência e derrotaram as tropas francesas de José Bonaparte na batalha de Vitoria em 1813. Goya pintou este retrato em Madrid, durante a breve estada do Duque na cidade. A artista acrescentou o Velocino de ouro, as medalhas de ouro cruzadas militares, a ordem do banho, a ordem portuguesa da torre e espada e a cruz espanhola de San Fernando.
As medalhas são pintadas com a facilidade típica das últimas obras de Goya. Quando a caixa da direita mostra a espessura da tinta. Acredita-se que esse pigmento de Goya aplicado com nada que tinha uma mão: escova, esponja, dedos ou mesmo o punho de uma colher. Rosto do Duque é pintado com grande precisão, mas com a liberdade característica, tornar este filme um dos melhores retratos do pintor.

Os tiroteios de 3 de maio

1814
Lona. 2,66 x 3,45
Museo del Prado, Madrid.
A lona dos tiroteios de 3 de maio em montanhas de Príncipe Pio do Madrid é uma das maiores conquistas da pintura espanhola e, provavelmente, um dos marcos da pintura universal. Certamente, além de sua excelência artística, pode ser considerada uma das mais dramáticas fotos histórico-temático de história da arte.
A intensa paixão que inspirou a composição tem esta pintura de Goya foi mais do que uma lembrança de um fato e muito mais do que um simples também arengas ou um manifesto como resultado o fervor patriótico do autor. O pintor, pela intensidade dramática dos fatos que conta, foi capaz de expressar, em toda a sua violência, mas com sobriedade e extrema eficiência, a crueldade implacável de homem para homem e ao mesmo tempo, seu desejo exasperado e rebelde de liberdade.
Mas o sucesso da obra reside não só no seu significado, mas também no seu extraordinário sentido de antecipação. Nele, Goya sabia como destilar o mais pessoal de sua técnica, que leva a uma linguagem visual de força desconhecida até agora e abre o expressionismo mais recente de portas (mesmo no início do século XIX).
É conhecido que Goya observados estes episódios sangrentos da sua quinta e ele tomou notas na mesma noite que aconteceu os fatos, que de onde vem o realismo extraordinário de sua pintura e sua sinceridade profunda. Assim, ele testemunhou seu servo Isidro, quem deixou para a posteridade uma curiosa narrativa dos fatos, ao mesmo tempo vibrantes e emocionais: "desta mesma janela meu mestre viu o tiroteio com um telescópio em sua mão direita e um bacamarte carregado com um punhado de balas à esquerda. Se atingirem os franceses vem cá, meu mestre e eu somos outro Daoiz y Velarde."
Isidro disse também que, quando se aproxima da meia-noite Goya ordenou que ele leve o bacamarte e segui-lo: "fui para a montanha de Príncipe Pío, onde o tiro pobre foram ainda não enterrado. Foi numa noite de luar, mas como o céu estava cheio de nuvens negras como logo ficou claro como escuro. Os pêlos, que eu vim dar gorjeta quando vi que meu mestre, com o bacamarte em uma mão e a carteira no outro, guiei para os mortos (...). Em seguida, sentado em um barranco, ao pé dos mortos, foram meu mestre abriu a carteira, colocá-lo em seus joelhos e esperei a lua através de uma nuvem que escondi. Sob o aterro pairou, rosnou e ofegante algo (...), mas meu mestre ficou tão calmo preparando seu lápis e seu caixa. Finalmente a lua iluminada como se fosse dia. Em meio a poças de sangue que vimos um monte de cadáveres, algumas viradas para baixo, outro de cabeça para baixo, esta é a posição que, enquanto ajoelhado, beija a terra, com a mão erguida."
A solução pictórica incorporada nesta pintura traduz um verdadeiro drama, o que parece, sem dúvida, capturada diretamente da realidade. Contemplando a pintura é, portanto, a narrativa de credibilidade de Isidro, servo. Goya provavelmente testemunhou os acontecimentos trágicos que recolhem seus pincéis e fazia anotações no mesmo palco onde ocorreu o tiroteio.
Na tela, os soldados responsáveis pela execução são como autômatos impessoais, sem rostos e perfeito e disciplinado de treinamento. As vítimas, por outro lado, constituem um grupo difícil e doloroso, cujos rostos expressam o horror. Os corpos dos mortos são empilhados, torcido, uma descrição no chão ensangüentado. Uma enorme lanterna ilumina violentamente uma figura ajoelhada, vestida com camisa branca e com os braços levantados, que está prestes a ser tiro e é o ponto principal de atenção da caixa. Por trás desta figura outros personagens testemunham o drama; alguns Tapem os ouvidos para não ouvir os tiros, os outros esconde o rosto nas mãos para não testemunhar o terror.
A cena é para financiar uma montanha desolada, traseiro que se ergue a silhueta escura de Madrid. O grupo de soldados, transformado em carrascos, cumpre sua missão sem Sanaa, com a fria precisão de uma máquina inexorável para matar, mas a linha branda e uniforme composta encarna com uma crueza de partir o coração, todo o escuro e cruel da condição humana.

O dois de maio ou a carga dos Mamelucos

1814
Lona. 2,66 x 3,45
Museo del Prado, Madrid.
Após a guerra da independência, em março de 1814 recebeu o Goya do governo da regência (ainda não havia retornado Fernando VII) encomendado para perpetuar-se, passando-os para a tela, as notáveis ações da heróica insurreição popular contra as tropas de Napoleão.
Os frutos desta iniciativa foram duas obras que praticamente por unanimidade, considerado o melhor da sua produção: a tela de de mayo, também conhecido como a carga dos Mamelucos na Puerta del Sol em Madride o intitulado o massacre em 3 de maio em montanhas de Príncipe Pio do Madrid. Ambas as fotos foram realizadas no mesmo ano e são preservadas no Museo del Prado.
O tela plasma mestre modo toda a violência do foco popular da de Mayo, em resposta ao apelo contra o invasor. Sua técnica e sua paixão era deixar marcas profundas em toda a pintura patriótica do romantismo, antecipando o Delacroix liberdade guiando o povo. Com grande habilidade, o foco da luta do povo das tropas africanas (mamelucos), que acompanhou o francês, get, juntamente com uma melhor celebração da cor, evocam ancestral violência espanhola contra o moro, o que sem dúvida teve que contar com esses tempos de violência.
Análise historiográfica sempre identificou estágio com a Puerta del Sol, apesar de nenhum dos prédios coletados por Goya escova permite afirmar isso. Talvez seja lógico pensar que o grande edifício retangular é Monteleon Park. Durante a guerra civil espanhola (1936-1939), quando a lona foi transferida de Madrid a Barcelona para subtrai-lo dos perigos a que a proximidade da frente a expus, o caminhão que transportava caiu e a pintura foi rasgado. Responsável pelo processo de restauração não decidido restabelecer o fragmento de lona deteriorou-se, como testemunho para as vicissitudes que sofreu.

Touradas: Infortúnio ocorrido nas arquibancadas

1816
Água-forte. 0,25 x 0.36
O pessimismo da obra de Goya vai ser crescente da guerra e depois da morte, em 1812, sua esposa, Josefa Bayeu. Já septuagenario, em 1816, ele publicou sua famosa série de impressões, touradas, trinta e três impressões não isentas de crueldade, como o número 21, intitulado infortúnios em postura.

Absurdo: O cavalo de raptor

1816-1824
Água-forte. 0,25 x 0.36
A série de disparates (18 gravuras publicadas em 1864) foi criada entre 1816 e 1824. Goya trabalhou também nesta fase nos últimos álbuns de desenhos. Ambas as produções foram, sem dúvida, a fase final criativa do pintor.
Assim, o simbolismo presente no absurdo galopante ou cavalo raptor (as montanhas no horizonte olhar como animais monstruosos ou ratos) não é fácil de interpretar, mas o impacto visual criado pela imagem é excelente. Representado garota detém um escorço tortuosas e debate no ar antes da corrida do cavalo, que é a imagem de uma estátua monumental do romântico.
Após o retorno de Fernando VII de Espanha como rei absoluto, Goya mudou-se para Bordeaux e, apesar de sua saúde precária, antiga mas lúcido professor continuou pintando incansavelmente. É admirável, neste sentido, um dos desenhos do Álbum G que, acompanhando a figura de um idoso decrépita barbudo e suportada por duas varas, se pode ler "até eu aprender". Nenhuma moeda melhor resume o espírito iluminado da época, cujo slogan era: "ouse saber!."

Saturno devorando um filho

1820-1823
Pintura mural passou a lona. 1,46 x 0,83
Museo del Prado, Madrid.
O mais velho e com sérios problemas de saúde, durante o breve reinado de José Bonaparte, Goya comprou uma casa de campo nas margens do Manzanares, com a intenção de transformá-lo em seu repouso final. Por volta de 1820, começou a decorar as paredes da casa e, em seguida, conhecido como o "quinto dos surdos", com as pinturas de parede, que recebem o nome de "pinturas negras", ambos pela sua variedade de cor, reduzido quase a branca, a preta e determinado marrom esverdeado ou Golden tons, quanto por sua significância preta de pessimismo sombrio.
Interpretação em detalhe tem ainda muitas manchas escuras, mas a idéia geral do mal do mundo, a crueldade cega e esperança fútil, eles parecem ser suficientemente explícita. Talvez todas estas atormentador visões, o mais terrível é a pintura intitulada Saturno devorando um filho. O mito, como é sabido, alude ao tempo devorador de suas próprias criaturas. O velho Goya, assombrado por sua visão desolada do mundo, sentiu-se com bobagens de etapa dolorosa intensidade da época que ele conheceu a morte.
Esta tela é, portanto, uma de suas visões mais cruel e um dos pontos de partida do expressionismo moderno. Portanto, ele pode qualificar um expressionista avant a lettreGoya. Todas as pinturas da casa (em que Goya mal habitada, como em 1823, a marcha para a França, deu a seu neto) foram adquiridas em 1873 pelo Barão belga Émile d'Erlanger, que lhes deu a lona e deu-lhes para o Prado em 1881.

Dois velhos comendo

1820-1823
Pintura mural passou a lona. 0,53 x 0,85
Museo del Prado, Madrid.
Dentro da so-called "pinturas negras" são obras diferentes que, como dois velhos comendo, autorizados a se qualificar para precursor de Goya do expressionismo. A visão angustiante da velhice como maldição suprema, tanta tradição em literatura espanhola, manifesta-se aqui com uma dureza cruéis da veia expressionista mais profunda. Gula, nas bocas desdentadas desses velhos monstruosos, adquire uma expressão quase diabólica.

O coven

1820-1823
Pintura mural passou a lona. 1.40 x 4.38
Museo del Prado, Madrid.
Tendo livrado já temas anedóticos, "pinturas negras", lastragem essencial e matérias-primas, eles são corrosivos, similar à maneira em que atua o ácido essa preparação de ovas de água-tinta, ou placa de gravação. Assim, na pintura mural intitulado o Aquelarre (inicialmente localizado em uma das paredes da sala de jantar do quinto) Goya expressou sua visão do mundo tão chocante. Uma multidão deformada e sombria ama mal, que, como um bode e o hábito de fraile, recebe a homenagem de que a humanidade. Somente no lado direito, um pouco além da composição, a figura feminina, jovem, enroladinhos com mangas, abre uma pergunta sobre o seu significado.

Leia a biografia completa de Francisco de Goya

Publicado para fins educacionais com permissão de: Biografías y Vidas
Biografias de personagens históricos e personalidades

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