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Visão geral das obras de William Shakespeare

Visão geral e Resumo: a comédia dos erros

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi provavelmente escrita em 1591-92 e publicada na infolio de 1623. Sua origem, directa ou indirecta, são o Menaechmi , de Plauto, mas provavelmente a primeira cena do terceiro ato baseia-se no hospedeiro. Adicione a isso um thriller trágico, deve ter sugerido pela história de Apolônio, rei de tiro, que Shakespeare teve de usar mais tarde para seu Péricles, Príncipe de tiro. Existem analogias, pouco notáveis, com o conto"o cavalheiro", dentre os Contos de Canterbury de Geoffrey Chaucer (1340-1400/45) e a Arcádia , de sir Philip Sidney (1554-1586). Enquanto Plauto estava satisfeito com um par de gêmeos, Shakespeare, com exuberância barroca, adiciona um segundo, assim, multiplicando as possibilidades de mal-entendidos, mas também aumentar a intriga incrível, que só pode encontrar justificação no sucesso de qualquer farsa do episódio.
Ter Syracuse condenado à morte, alguns mercadores de Éfeso, que não tinha dinheiro para o resgate, Ephesus adota uma medida semelhante em relação a quando os comerciantes. Egeon, velho comerciante de Siracusa, é condenado a sofrer este destino e explica para o Duque de Éfeso porque situa-se na cidade. Ele tinha tinha dois gêmeos da esposa Emilia, exatamente idêntica e chamado ambos Antifolo. Dois escravos, também gêmeos e ambos Dromio chamado, nascido ao mesmo tempo como os outros dois, foram dedicados a seu serviço.

Prisão de Antifolo de Éfeso
Em um naufrágio, Egeon, com o gêmeo nascido em segundo lugar e com um do Dromios, é separado de sua esposa com outro filho e mais outro escravo e não foi ouvido sobre eles. Venha até o vencimento do segundo dos gêmeos, Antifolo de Siracusa, deixada junto com seu Dromio em busca de seu irmão e sua mãe. Ele não era realizado mais do que eles, então Egeon, há cinco anos, estava faltando em sua busca e chegou a Éfeso.
O Duque, comovido com a história de Egeon, dá-lhe tempo até a noite para encontrar o dinheiro do resgate. A primeira nascida dos gêmeos, Antifolo (Antifolo de Éfeso) com sua Dromio (Dromio de Éfeso), salvou do naufrágio situa-se em Éfeso. Antifolo de Éfeso viveu lá muito tempo e casada, Adriana. E acabou de chegar naquele mesmo dia Antifolo de Siracusa e Dromio de Siracusa. Cada gêmeo era uma perfeita similaridade com os outros e há um número de erros incríveis.
Dromio de Éfeso deve pedir Antifolo de Éfeso para ir à sua casa para comer e em vez disso, pediu para Antifolo de Siracusa. Adriana reivindica seus direitos de mulher ao Antifolo de Siracusa, enquanto ele experimenta a maior simpatia por sua irmã Luciana. Dromio de Siracusa, que tem ido com ele, é objeto de solicitações de Adriana MOP desagradáveis, como Dromio de Éfeso é mais tarde, juntamente com seu patrono, que você feche a entrada de sua casa, porque acredita-se que os dois já estão lá dentro.
A aventura é complicada com o dom de uma cadeia, a intervenção de uma cortesã dos hóspedes, um credor, até Antifolo de Éfeso e seu servo são anexados como louco; Antifolo de Siracusa e seu Dromio, tomadas pelos prisioneiros loucas suposições escapados, sofrem agressão e refugiar-se num convento, cuja abadessa é Emilia, também salvou do naufrágio, mas separados pelos marinheiros cruéis de Corinto das gêmeas comprometida a ele (e depois para Antifolo e Dromio de Éfeso).
Enquanto isso termina o termo menos que Egeon encontrou o dinheiro do resgate, então é conduzido à tortura, acompanhada pelo Duque. É apresentado para o Duque de Antifolo de Éfeso, que, tendo quebrado os laços com os dentes, fugiu e chamadas para justiça contra sua esposa, que saiu de sua casa e então feita amarrando como um louco. Finalmente, a abadessa faz deixando o convento para o outro casal e frente de postos de trabalho, cada um dos quais é reconhecido como o que é. Então Egeon é ao mesmo tempo, sua esposa e filhos e o Duke permite que liberar.
Eles queriam assumir em Adriana, mulher litigiosa e ciúmes, um indireto retrato de Anne Hathaway, esposa de Shakespeare, e essa foto da vida doméstica do marido foi removida da experiência do poeta. Mas além deste pressuposto curioso e um traço cômico ou sentimental (a declaração de amor do Antifolo de Siracusa para Luciana), o drama é um dos menos atraentes de Shakespeare. No entanto, ele contém então muitos donaires e situações grotescas, aceitou a premissa absurda, nem dá pra ver o que mais poderia ser feito melhor: no seu tempo deve ter diversão ao público como o atual astracanadas.

Visão geral e Resumo: Titus Andronicus

Esta tragédia em cinco actos em verso é devida em parte à William Shakespeare, que deve iniciá-lo em direção a 1593-94; em 1595, 1600 e 1611 no quarto , foi publicado e infolio no ano de 1623. Edward Ravenscroft, em 1687, falou de uma tradição teatral que este drama foi devido a um autor externo à empresa, e Shakespeare "deu apenas alguns refinamentos mestre de dois dos principais personagens". O autor desconhecido revela a influência de Thomas Kyd (1558-1594) sobre a utilização do horror, cúmplice e episódios de loucura; de Christopher Marlowe (1564-1593) na concepção do personagem de Arones reminiscente de Barrabás, o protagonista de O judeu de Malta; e George Peele (1558-1598) no estilo.
É difícil reconhecer os toques de Shakespeare. W. W. Greg imaginado uma engenhosa hipótese, segundo a qual a versão corrigida de Shakespeare, quem autorizou a inclusão do drama na lista de suas obras está localizada em Palladis Tamia em Francis Meres (compilado antes do de setembro de 1598), foi destruído no incêndio do teatro Globe (1613) e foi substituído pela versão primitiva, adicionando memória a segunda cena do ato III onde não havia traços de Shakespeare.
Apenas distantemente relacionados ao terreno das questões drama, encontrado, embora seja provável que sua origem é uma interpretação errada de bizantino crônicas relacionadas com o Imperador Andronikos Komnenos (século XII) e a rainha da Geórgia, Thamar, mais ou menos contemporâneo seu.
O romano Titus Andronicus geral, depois de derrotar os godos e capturar a rainha Tamora juntamente com seus filhos, Alarbus, Demétrio e Chiron, bem como a moro Aaron, amante da rainha, retorna a Roma ao trono imperial, eles estão disputando Saturnino e seu irmão Bassiano. Os romanos gostaria de optar por Titus Andronicus, mas ele convence-los que eles nomear Saturnino.

Anthony Hopkins em Tito (1999),
filme baseado em Titus Andronicus
Bassiano Lavínia, filha de Andrónico, seqüestra Saturninus fingindo de mulher. Mais tarde Saturninus, caindo no amor de Tamora, ela se casa com o ron. Mutius, irmão de Lavínia, frequentou o seu rapto e, portanto, seu pai, Tito mata-lo. Este é o começo dos infortúnios que se acumulam em sua cabeça, pela sede por vingança de Tamora, quem quer punir o andronicos pela morte de seu filho Alarbus, sacrificadas no túmulo dos filhos de Andrónico matou na guerra e a maldade do moro Aaron.
Durante uma caçada, persuadida pelo moro, Demétrio e Quíron matar Bassiano violarem a Lavinia e cortaram a língua e as mãos. Acusado de assassinato de Bassiano Quintus e Martius, filho de Tito, e eles são condenados à morte pelo imperador. Aaron Titus joga uma brincadeira sinistra: diz que se você corta uma mão e envia-lo ao imperador, este concedeu graça aos seus filhos; Mas eles voltaram a Tito as cabeças de seus filhos, juntamente com sua mão corte. Lúcio, outro filho de Tito, é expulso e sai para recrutar um exército entre os godos, enquanto Tito, sedento de vingança, simula enlouquecer.
Enquanto isso, Tamora dá à luz a uma criança negra, Aaron é forçado a levar longe de Roma; Captura-o Lúcio e Aaron, sendo feito para prometer que nada vai acontecer com seu filho, revela todo o mal que eclodiram em detrimento da sua família com prazer sádico. A notícia da chegada do exército gótico de Lúcio, Tamora com seus dois filhos, vai para casa de Tito, ela acredita, dizendo que é vingança e tentando persuadi-lo a fazer para que Lúcio realizou uma entrevista com o imperador.
Tito, que descobre o engano, simula mimar e mantida em sua casa, como reféns, os filhos de Tamora. Ele então mata-los e suas cabeças para preparar pratos oferecidos no banquete em honra do Imperador. Em uma matança final, Titus mata Lavinia, como Virginio matou sua filha, fala cuja honra foi manchada; Tamora vir pratos inconscientemente macabro que Tito lhe ofereceu, Saturninus mata Titus, Lúcio mata Saturnino e finalmente só ele proclamar imperador. Aaron moro é condenado à vara.
Todos os horrores do Seneca e Ovídio são acumulados e misturados neste drama sensacional, nos versos que muitas vezes têm inchaço retórica de Tamerlane de Marlowe; um toque da atmosfera, como o sinistro zarzal onde jogar o corpo de Bassiano, também recorda e repete sombrias descrições de Sêneca. O drama parece desenho animado e desumano, embora seja típico de Elizabethan gosto sob a influência de Sêneca. Os personagens são perfilados rudemente e são bastante pueril; as situações dramáticas são tratadas sem delicadeza.

Visão geral e Resumo: a vida e a morte do rei João

Este drama histórico em cinco actos e em verso foi revisto por Shakespeare de um drama pré-existente, o turbulento reinado do rei João, publicado em duas partes, em 1591. Revisão, Shakespeare marcado com seu gênio superior dramático e poético, talvez feito em 1596-97 e não foi impresso até a infolio de 1623.
O drama, que não segue tudo também com precisão os acontecimentos históricos (estranho é, por exemplo, que não é citar a Carta Magna de 1215), é os principais episódios no reinado de Nero inglês tirânico e astuto, especialmente a eliminação de seu jovem sobrinho, Arthur; em uma das cenas mais extenuantes (a terceira no terceiro ato), o rei ter despertado por Humberto de Burgh para removê-lo no meio, porque cruza seu caminho ao poder.
Humberto se prepara para privar Arthur dos olhos com ferros quentes, mas o jovem, em uma cena patética (IV, 1) consegue tocá-lo; No entanto, mais tarde, Arthur é morto quando ele pulou os muros do castelo. A dor de Constança, mãe de Arthur, depois que a notícia da prisão de seu filho é refletida com grande eficiência e os últimos momentos do rei João, em Swinstead Abbey, são pintados para que eles atenuar o odioso do protagonista.
Mas o personagem mais notável do drama é, talvez, o bastardo, Felipe Faulconbridge, que resume o espírito de intriga, aventura e ganância pelo poder que domina o drama. Seu irmão Robert tenta promover um processo por ocasião de sua herança, e faz-nos reconhecer precisamente como um filho natural de Ricardo coração de leão.
O drama, embora pouco notável do ponto de vista literário, sempre tem gozado de muito êxito no palco Inglês, particularmente por causa do conflito entre a monarquia inglesa e o papado e oferece momentos dramáticos de efeito e possibilidades para colocar na alfândega pitoresca cena. Seus principal interesse crítico mentiras na possibilidade que oferece-nos intimamente estudar a técnica de Shakespeare, como é o único drama que manteve o texto anterior a Shakespeare.

Visão geral e Resumo: Richard III

Este drama histórico em cinco actos, em prosa e em verso foi escrito por Shakespeare de 1593 e impresso em -cuarto , em 1597, 1598, 1602, 1605, 1612, 1622 e eu, Folio em 1623. Os fatos históricos são quase todas as tomadas das Crônicas de Edward Hall ou Halle (a União das duas famílias nobres e ilustres de Lancaster e York, 1548) e de Raphael Holinshed, ambos baseados em simultâneo, em Anglicae Historiae (1534) de Polidoro Virgili Universidade de Urbino (1470-1555?) e a incompleta história da terceira rey Ricardo (1513), atribuída a Thomas More.
No centro do drama é o personagem do usurpador Richard, Duque de Gloucester, já apareceu em Henrique IV. Ricardo, escondendo sob aparências benignas seus planos diabólicos, faz seu irmão Eduardo IV suspeito de outro irmão, George, Duque de Clarence e colocá-lo na prisão; Em seguida, ele faz seus capangas para matá-lo e soltar em um TONEL de malvasia. Ricardo Woo Anne, viúva de Eduardo, Príncipe de Gales, que ela siga o caixão de seu falecido marido, episódio que faz pensar sobre o famoso local da matrona de Éfeso no Satyricon , de Petrônio, porque Ana, depois de ter insultado o Ricardo, rende-se a seus pedidos de amor.
Morto IV Eduardo, Ricardo, tornar-se protetor do Reino durante a menoridade de idade de Eduardo V, conspirou para usurpar o trono. Ele segurou que o jovem rei, com o seu irmão Ricardo na torre de Londres e com a ajuda do Duque de Buckingham é proclamado rei. Mata filhos de Eduardo IV, e remove médio pares não são a favor na torre: Hastings, rios e cinza.

Lawrence Olivier em Richard III (1955)
Para reforçar a sua posição, o usurpador repudia Anna para casar com sua jovem sobrinha, Isabel de Iorque, filha de Eduardo IV e, em uma cena semelhante à conquista da Ana, convence-se de Eduardo IV, rainha Elisabeth, viúva de consentimento para o casamento. O Duque de Buckingham se rebelando contra a ingratidão de Ricardo, declarando pelo Conde de Richmond, mas é capturado e condenado à morte. Finalmente, as tropas do usurpador lutando com os rebeldes em Bosworth (1485) e Ricardo, depois de uma noite assombrada pela visão macabra de suas vítimas que aparecerá (uma cena que não acredita que Shakespeare), é morto na batalha. Richmond sobe ao trono com o nome de Enrique VII.
Entre as melhores cenas que figuram em que amaldiçoa a velha rainha Margaret, viúva de Enrique VI, outros personagens do drama, culpado da perda de seu marido e de seus próprios; suas maldições, conforme mostrado no desenvolvimento do drama, cumpridas, então a figura da velha cobrado quase uma categoria Erinia. O estilo é educado e retórica, com repetições dos primeiros versos e outros dispositivos, tais como a invectiva e imprecações. De um lado para o outro a palavra "sangue" executa-lo como um motivo dominante. O personagem de Ricardo, embora pouco sutil, é muito vigoroso.
Psicologia e estilo tem parecido demasiado elementares para ser de Shakespeare, mas o trabalho pode muito bem ser seu, se você acha que não em grandes tragédias de Shakespeare, a maturidade, mas nas primeiras tentativas, ainda influenciadas pelos seus predecessores, especialmente por Christopher Marlowe (1564-1593). O episódio da morte dos jovens filhos de Edward, narrado por um personagem que age como o mensageiro da tragédia clássica, é famoso e sugeriu uma notável imagem de Paul Delaroche (1797-1856). A exclamação de Ricardo, buscar um cavalo novo na batalha de Bosworth é também famosa: "um cavalo, um cavalo, meu reino por um cavalo".

Visão geral e Resumo: Henry IV

Este drama histórico em verso e prosa, de William Shakespeare consiste de duas partes de cinco atos cada; Estas festas foram representadas em 1597-98 e publicadas em 1598 e 1600 respectivamente. O drama é baseado no Chronicle de Holinshed e, para peças em quadrinhos, Oldcastle e Falstaff, em um drama pré-existentes, as famosas vitórias de Henrique V.
A primeira parte é a revolta de Percy, assistida por Douglas, com o concurso de Mortimer Glendower e sua derrota pelo trabalho do rei e o Príncipe de Gales em Shrewsbury (1403). O Príncipe de Gales está associado com Oldcastle (mais tarde substituído pelo nome de Falstaff) e fellow Pointz, Bardolp e Peto em sua vida selvagem. Faça Pointz e Príncipe outros agrediram alguns viajantes em Gadshill e roubar e por sua vez são roubados por eles. Falstaff, para justificar a perda do saque, finge ter sido agredido por 100 rogues; Então você está reduzindo gradualmente o número de atacantes, até que o príncipe explica como as coisas foram e em seguida, Falstaff confessa que não reagiu porque nunca poderia matar o herdeiro ao trono.
A parte séria do drama é formada pelo contraste entre os dois jovens heróis, Príncipe Henry e Percy Hotspur. Enrique é adornado com as qualidades mais sedutoras: suas travessuras mais loucas parecem apenas traços maliciosos em que explode seu espírito ativo, relutantemente forçado lazer, até, ofereceu ocasião, ele exibe toda a sua ferocidade cavalheiresca. Hotspur em vez disso é uma mistura de grosseria, de orgulho e teimosia infantil; Mas seu impetuoso queimando resgata suas falhas, até que ele caia na batalha de Shrewsbury. Falstaff, verdadeiro "miles gloriosus", encontra o corpo no campo e se gaba de matá-lo.
O segundo argumento de parte é a rebelião do Arcebispo Scroop, Mowbray e Hastings, enquanto no enredo cômico continua as façanhas de Falstaff, com o Príncipe, do fanfarrão pistola Pointz, da senhora rapidamente, boneca Tearsheet (ou Rompesabanas), como podemos traduzir em espanhol. Falstaff, chamado para suprimir a rebelião, durante as quedas de recruta na justiças raso e silêncio, encontra-se neles e rouba milhares de libras para o primeiro. (No raso caricatura tem queria avisar uma alusão ao senhor Thomas Lucy, com quem Shakespeare tinha que fazer por ter roubado quando jovem um veado na sua terra; de acordo com os outros, isso seria uma alusão ao juiz Gardiner).
A morte de Enrique IV, Falstaff pensa que a ascensão do Príncipe ao trono será sua fortuna: mas o novo rei lança sua presença e coloca-lo na cadeia. Enquanto o drama heróico plotar definhando após a morte de Hotspur, o enredo cômico (gesta de Falstaff e seus companheiros para a catástrofe e o repúdio, pelo Enrique V, dos companheiros de seus erros juvenis) manteve vivo o interesse de uma ponta a outra e é o obra-prima comic Shakespeare, ao invés da farsa de as alegres Comadres de Windsor pelo brio dos achados e rabelaisiano gosto da frases grotescas.

Visão geral e Resumo: o mercador de Veneza

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi escrita, segundo alguns, em 1594 (alusão no ato IV, cena I, a execução do judeu Rodrigo López de 17 de junho de 1594, sob a acusação de ter tentado envenenar a rainha Elizabeth); De acordo com os outros, principalmente pelas considerações de estilo, no outono da 1596. Duas datas podem ser reconciliadas, assumindo uma revisão de Shakespeare. Foi publicado em quarto lugar em 1600 e em folio em 1623.
As duas principais razões para o argumento, de que do empréstimo feito por um judeu cristão por uma libra de carne e uma escolha entre valores aparentemente diferentes, são velhas e recorrentes. O primeiro veio ao conhecimento de Shakespeare através de Il Pecorone de Giovanni Fiorentino (escrito cerca de 1318 e publicado em 1558) e para o detalhe do rapto da filha do usurário, através de Zelauto (1580), história de Anthony Munday (1553-1603).
A segunda razão veio a ele através da versão de Richard Robinson da Gesta Romanorum (publicado aparentemente em 1517). Os dois motivos poderiam ser reunidos em um drama pré-existente, O Hebraico (1578), que nós sabemos apenas indiretamente (o argumento dele foi "a ganância daqueles que preferem bens terrestres" e alma sedenta de sangue de agiotas). Shakespeare provavelmente reformulação deste drama, mantê-lo de qualquer parte, talvez os versos contidos os caixões.
Basanio, um nobre veneziano que desperdiçou seu fluxo, pede o rico comerciante Antonio, seu amigo, três mil ducados para continuar com dignidade seu noivado com a rica herdeira Portia, que vive no continente, em Belmonte. Antonio, que usou todo seu dinheiro em especulação no exterior, pretende ser emprestando o dinheiro por Shylock, um judeu usurário que anteriormente tinha insultado por usura exercida. Agiota concorda em emprestar o dinheiro sob uma condição: se a quantidade não é pago o dia fixo, Shylock tem direito a levar um quilo de carne do corpo do Antonio.

Al Pacino interpretou Shylock
em o mercador de Veneza (2004)
Porcia, por disposição testamentária de seu pai, ele se case com o pretendente que entre três caixões (um ouro, uma de prata, outra pista) escolher que contém o retrato dela. Em todos os lugares se tornam ilustres candidatos; falhar o Príncipe de Marrocos e Aragão, que respectivamente, abra o baú de ouro e prata; Mas Basanio, com uma reflexão sensata, escolha a caixa boa, o chumbo, e casou-se Porcia, que ama ele e seu amigo Graciano com Portia, elbson solteira.
Enquanto isso, vem a notícia de que Antonio navios afundaram, sua dívida não foi paga dentro do prazo acordado e Shylock pede sua libra de carne. O assunto é levado perante o Doge. Portia disfarces de advogado e notário elbson e, sem saber de seus maridos, apresentados no tribunal para defender o Anthony.
Depois de ter tentado em vão obter o perdão de judeu, oferecendo três vezes o montante em dívida, Portia solicitações que são concedidas a pedido do Hebraico, mas avisa-o que você vai perder a sua vida se você derramar uma única gota de sangue, desde que a obrigação só dá-te a carne. Ele argumenta que depois que Shylock deve pagar com a vida o crime de ter feito uma tentativa, sendo estrangeiros, a vida de um cidadão de Veneza.
Dux poupa a vida de Shylock, mas atribuído metade de sua riqueza ao Antonio e a outra metade para o estado. Antonio renuncia sua parte se Shylock torna-se um cristão e deixa seu fluxo, quando você morrer, Jesica (filha de Shylock), que fugiu, após tirar dinheiro nos cofres do pai, casar com um cristão, Lawrence, e por este motivo tem sido deserdado. Agiota aceitar; Porcia e Everaldo, que não foram reconhecidos, pedem todos os anéis de pagar Basanio e Graciano recebeu suas esposas e dos quais não prometeram nunca separar. Eles desistem após ter resistido em vão. Retornando para suas esposas casa censurar-lhes essa ação, mas finalmente revelar-lhes o seu produto. Finalmente, sabe-se que três dos navios Antonio voltaram em segurança.
O drama é entre o mais famoso e o mais sortudo de Shakespeare, especialmente pela personagem de Shylock, desenhado com robustez e precisão, e que sempre se mudou para os grandes jogadores para representá-lo. Tem cenas que estão entre o mais dramático e mais brilhante do que Shakespeare escreveu: a cena do contrato (I, 3); um em que Shylock reclama pelo vazamento de sua filha com o dinheiro dele (III, 1); da escolha dos caixões por Basanio (III, 2); a cena no Tribunal de Justiça (IV, 1); e a música ao luar (V, 1). Finalmente, a habilidade com que Shakespeare combinou vários e jardins pitorescos e a conclusão do drama, que celebra a vitória da caridade na justiça rígida (por que Shakespeare retorna em medida por medida), ter colocado seu feitiço na platéia teatral de todas as idades.
Algumas inconsistências e prolijidades do drama quase desaparecer a verdadeira construção do complexo. Chamou a atenção para a atmosfera da obra, que tem caráter italiano, não só pelos nomes dos personagens e alguma alusão preciso (menção do Rialto, pontão que liga Veneza para o continente e a distância exata entre Belmonte, ou seja, Montebello e Pádua), mas também pelas qualidades mais gerais que fizeram ao ver um crítico (r. Quiller-Couch) os dois aspectos do renascimento o mundo dos ricos comerciantes e refinamento artístico dos costumes, simbolizado por Veneza e Belmonte; uma atmosfera italiana que faz não de forma alguma a qualidade sinistra do drama isabelina.
Embora o tema central (a remoção da libra de carne) é tão cruel e trágico, Shakespeare habilmente distrai os telespectadores através de cenas que ocorrem na vila de Porcia; Então, por exemplo, após a cena clímax do processo, que vai deixar uma impressão forte e amarga, podemos apreciar a sublime poesia da noite lunar, com música e diálogo dos amantes.

Visão geral e Resumo: a megera domada

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, foi escrita por William Shakespeare em 1593-1594, representada em 1594 e publicada em 1623 infolio. É baseado em uma comédia anterior título ligeiramente diferente (um Taming do musaranho). Shakespeare serviu como um colaborador, que virou-se para a fonte dos pressupostos de Ludovico Arlosto e sua versão inglesa supõe (1566) de intriga secundária George Gascoigne (fazer 1525? - 1577). Foram Shakespeare prólogo ("indução") e uma série de fragmentos: ato II, SC. 1, VV. 1-38, 115-326; Ato III, SC. 2, VV. 1-129, 151-254; Ato IV, CES. 1, 3, 5; Ato V, SC. 2, VV. 1-181. Ele provavelmente também colaborou para a cena 2 do ato I, VV. 1-116. No total, cerca de três quintos do drama, com todas as cenas relacionadas com Sly e Petrúquio-Katharina plotar.
O contribuinte escreveu a cena de Bianca cortejamiento; É menos vigoroso do que Shakespeare, embora perfeitamente capaz. Não le foi identificado com abordagem plausível: foram citados os nomes de Thomas Lodge (fazer 1558? - 1625), por Robert Greene (1558-1592) e George Chapman (1559-1634), mas sem alicerce seguro. Ele precede o drama de um prólogo em que um Coppersmith, Cristóbal Sly, é pego bêbado por um homem que está voltando de uma caçada, antes de uma pousada no campo.
Sly é levado para o castelo e fazê-lo tratá-lo, brinco quando acordado, como se ele fosse um cavalheiro que, depois de longo tempo, recuperou-se o uso da razão. Assim, surge uma situação extremamente curiosa, que teria merecido um desenvolvimento diferente daquele que recebeu: Sly é forçado a escutar um drama representado especialmente para ele, por uma empresa de scenesters; Este drama é precisamente a megera domada.
Alguns versos e no final da primeira cena do primeiro ato, Sly e personagens do prólogo desapareceram. Grêmio e Hortensio Woo branca, jovem filha de Batista Minola, rico senhor de Pádua; Mas, tendo decidido que os brancos, sua segunda filha, casar somente quando marido encontrou a filha mais velha, a Catalina intratável, os pretendentes a mão branca se reúnem para encontrar um homem adequado para ele casar com a Catalina.
Finalmente decide ser Petrúquio noble (ortografia Inglês para dar a pronúncia italiana de Petruccio), de Verona, lucidez e imperturbável. O Petrúquio tribunais Catarina, Hortênsio e Lucencio (filho de Vicente, rico mercador de Pisa), aderir ao grupo de amantes de brancos, são introduzidos em sua casa disfarçada como professores da donzela. Entre eles é Trânio, servo de Lucencio, que é passado através do próprio Lucencio.
Petruccio faz o corte de Catalina, a domesticação do título, fingindo que encontra mais doce e amigável mais maltratados; e depois levá-lo para o altar e Catalina no casamento, como na casa do sogro ou sua cerimônia, submetidas a humilhação e ofensas. Que priva-la de comida e sono, fingindo que os alimentos não são dignos dela e que a cama mal feita; Impede que você aquela vista elegantemente, espancando o alfaiate e o Chapeleiro e rejeitando seus ornamentos requintados; Isso obriga-o a aceitar e repetir suas afirmações mais absurdas (por exemplo, que a lua é o brilho do sol, que é de manhã quando é de tarde). Finalmente, devolvê-lo para casa de seu pai completamente domesticado.

Petrúquio (Richard Burton) atrás fechada até
Catalina (Elizabeth Taylor) na versão
filme de Franco Zeffirelli
Branco é conquistado pelos Lucencio, enquanto o falso Lucencio, Trânio, beat outros candidatos antes do pai de branca prometeram a arras mais rica e tornando-os seguro por um pedante, fazem que, sob o pretexto de um perigo imaginário, roupas de Vicente. Quando se trata do Vincent real ocorre uma série dramaticamente grotesca de mal-entendidos, que finalmente são resolvidos alegremente. Hortensio é casado com uma viúva e, no banquete final dos casais (Petruccio-Catalina, branco-Lucrécio, Hortênsio-viúva) cônjuges estão empenhados que dele esposas serão o mais gerenciáveis; Petrúquio, ganha a aposta. O trabalho termina com um discurso sobre a obediência devido a maridos.
Rasgado vulgares motivos da comédia italiana do século XVI e, através dele, do teatro latino, o trabalho acrescenta fresca invenção de domar a Taming, em que a misoginia medieval (Jean de Meung, Eustache Deschamps) é aguda na caracterização psicológica. A comédia, que em nenhum momento adquire antidramatica verbosidade do teatro italiano do século XVI, ainda mantém a sua frescura e é um dos mais freqüentemente representadas obras de Shakespeare.
Farsa bem realizado, é, no entanto, mais do que uma farsa, mesmo se você tiver motivos que tinham sido capazes de trazê-lo para desenvolvimentos mais complexos: como o Sly, coletados em nosso tempo por Gerhard Hauptmann em Sehluck und Jau (1900) e Giovacehino Forzano em Sly. Mas o tema central, a submissão das mulheres aos homens, que sempre entreter o público, eterno como os provérbios.

Revisão e Resumo de: Romeu e Julieta

Escrito de acordo com alguns em 1591, esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare, foi publicada "in quarto" em 1597, em 1599, em 1609 e outras datas imprecisas e em "no fólio" em 1623. As relações entre os vários textos têm sido cuidadosamente estudadas.
O tema do "mortos vivos", para encontrar sua mais alta expressão neste drama (de acordo com o estudo, H. Hauvette, morte vivante), chega de Shakespeare através do italiano, especialmente através da obra de Matteo Bandello (1485-1561), relatado no exterior por Pierre Boisteau. A versão deste último foi por sua vez traduzida para o inglês no Palácio de recreio do William Painter e livremente interpretada por Arthur Brooke no poema a trágica história de Romeu e Julieta, 1562, em que Shakespeare se inspirou.
Uma tentativa de estabelecer uma relação entre o drama de Shakespeare e outros derivados da mesma fonte, a Lope de Vega (Castelvines e gatos selvagens) e Adriana (1578), de Luigi Groto, que contém frases e imagens que são também no drama de Shakespeare, mas que são apenas clichês do petrarquismo; Além disso, ambos os dramas são completamente diferentes no modo de tratar o argumento e no estudo dos personagens.
O Montecchi (Montéquios) e o Cappelletti (Capuletos), as duas principais famílias de Verona, são inimigos. Romeu, filho do velho Montecchi, assiste a uma festa na casa dos Capuletos mascarados e, se antes eu acreditava no amor com Rosalina, agora descobre que sua verdadeira paixão é Juliet. Depois da festa, os jovens estão inchados no amor mútuo. E, enquanto sob a janela de Julieta, Romeu ouve ela confessar o seu amor por ele à noite e obtido seu consentimento para um casamento secreto.
Com a ajuda de frei Laurence casaram-se no dia seguinte. Mercúcio, amigo de Romeu, só OCist, bisneto de senhora Capuleto, furioso por ter descoberto a presença de Romeu na festa; Mercúrio e OCist brigando. Romeu intervém, e o desafio de OCist responde com palavras que eles estão escondendo o novo link de parentesco e se recusa a lutar. Mercúcio é indignado com tal submissão e desenha a espada. Romeu tenta, em vão, para separar os contendores, ficando apenas dar ocasião OCist ferida de morte de Mercúcio. Romeu é arrastado para lutar e matar para OCist.
Ele é condenado ao exílio, e no dia seguinte, depois de passar a noite com a Juliet, embora Verona para Mântua, sendo chamado pelo Frei Lourenço, que entende que é o momento de tornar público seu casamento. Juliet, forçado por seu pai para casar com o Conde de Paris e aconselhou a fazê-lo por sua mãe, que tinha anteriormente favorecido União com Romeo, é convencida por fray Lorenzo de que o consentimento, mas beber a véspera do casamento um narcótico que vai fazê-la aparecer morto por quarenta horas. O mesmo frade vai lidar com informar Romeu, que irá removê-lo do túmulo de seu despertar e levá-lo para Mântua.

Romeu e Julieta (1968), de Franco Zeffirelli
Julieta coloca em prática o Conselho. Mas a mensagem não atinge Romeu porque o monge quem deveria entregá-lo é detido sob suspeita de infecção; por outro lado, se a notícia da morte de Julieta. Compre um veneno poderoso de um boticário e vai ao túmulo para ver sua amada pela última vez; na entrada é Paris e mata-lo em um duelo. Em seguida, Romeu, depois de ter beijado a Juliet última bebe o veneno. Julieta vem a e encontra mortos Romeu, com o copo ainda na mão. Ele percebe o que aconteceu e ser esfaqueado. Esta morte trágica é narrado pelo frade (que veio tarde demais para evitar isso) e a página do Conde de Paris. Inimigo, tocado pela catástrofe causada por sua inimizade, os chefes das duas famílias se reconciliam.
Ele foi avisado muitas vezes pelos críticos que se trata de não uma tragédia, no sentido de que vai ser das grandes tragédias de Shakespeare, desde que não molas do caráter, mas isso é devido a uma combinação fortuita de circunstâncias externas, de tal forma que poderia alterar o resultado do drama no século XVIII tornando-se feliz. No entanto, a concepção de Shakespeare é trágica para as mesmas imagens com essa ópera, no-los mostra sua visão da história de dois amantes em sua beleza rápida e fatal, quase como um relâmpago, também de repente e desligar logo.
Essa concepção é projetada no fundo de "Italianized" artificial, que é o mesmo que os primeiros dramas de Shakespeare (os dois cavalheiros de Verona, trabalhos de amor perdido). Todos teatro de Shakespeare, Romeu e Julieta é o mais rico em trabalho de metáforas; nas palavras de Romeu, ainda mais do que nos sonetos de Shakespeare, encontramos a influência dos conceitos convencionais dos precursores do barroco. Mas a artificialidade, em vez de ser apenas uma decoração agradável, como os dramas de John Lyly e Robert Greene, dá um acento mais patético a história humana que a rodeia, e a angústia e a morte são não menos real e comovente ocorrer em um exigente jardim italiano e estar rodeados de doçura.
Grande é a variedade das notas jogado neste drama, que resume o período inicial e antecipar na maturidade de Shakespeare: maquinado costumes, estranha e foragida acuidade, pureza de coração, ardente fantasia, apoteose do amor e sua pompa funeral. Por esta mistura de elementos, o drama fascinado os românticos, não só por causa de suas notas mais altas (que irá inspirar John Keats, cuja Véspera de Santa Inês é uma variação sobre um tema deste drama), mas também por determinados motivos macabros, como a cena do Panteão (que pode ter influenciado em algumas histórias fantásticas de Edgar Allan Poe) e o Parlamento de Julieta na primeira cena do acto IV ("Diga-me que me onde esconde o ninho o") cana do leme... "(, v. 79 y SS), que parece ter sugerido muitas situações de"romances pretos"do final do século XVIII."
O drama é, talvez, entre a Shakespeare, o mais difundido e popular, e imitações e derivações em todas as línguas, são numerosas, embora o valor destes muitas vezes é muito baixo.

Visão geral e Resumo: sonho de uma noite de verão

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi escrita por volta de 1595 e representada na mesma época; no quarto em 1600 e 1619 e Folio foi publicado no ano de 1623. Shakespeare parece ter bebido na maioria de fontes díspares para este drama: a descoberta de bruxaria, Reginald Scot (fazer 1538? - 1599) poderia ter encontrado notícias sobre Robin Goodfellow, enquanto a história da transformação na bunda vai voltar para o asno de ouro de Apuleio, mas você tirá-la do Chaucer ou Plutarch.
Hérmia, apaixonada por Lisandro, recusa-se a casar com Demétrio, assim, contrariando o desejo do Egeu, seu pai. Demétrio, por outro lado, é amado por um amigo de Hérmia, Elena, que deixou para se casar com Hérmia. De acordo com a lei ateniense, Duque Theseus dá Hérmia quatro dias tempo para obedecer a vontade do pai, após o que lá vai ser a morte.
Hérmia e Lisandro concordam abandonar Atenas secretamente e casar onde a lei não pode alcançá-los. Eles planejam estar em uma floresta de algumas milhas da cidade. Hermia revela plano para Elena, que informa a Demétrio. Demetrio continua a Hérmia, a floresta e Elena para Demetrio; para que os quatro estão na floresta naquela noite.
Oberon e Titânia, rei e rainha das fadas, que vivem na floresta, lutaram por causa de uma página. Oberon pede duende Puck, símbolo da inconstância do amor, que asseguram-lhe uma flor mágica cujo suco, derramado nos olhos de Titânia enquanto você dorme, vai fazer o que é cair no amor com sendo o primeiro para quem vê quando acorda. Oberon ouve na floresta, a culpa de Demetrio Elena você está seguindo-o e ansioso para reconciliá-los, para sequências de Puck que despeje um pouco do que filtro amoroso nos olhos de Demétrio, quando Elena está ao lado dele.
Puck, levando para Lisandro por Demétrio, dá o filtro e como Elena é que a primeira pessoa a Lisandro vê ao acordar, dirigi-lo palavras de amor; Mas você não pode irritá-la, porque ela acha que Lisandro zomba dela. Oberon, descobriu o erro de disco, despeje o suco nos olhos de Demétrio, que agora são dois que Elena Woo. As duas mulheres lutam como os homens preparem-se para desafiar para Elena.
Enquanto isso, Oberon colocou filtro nas pálpebras de Titânia, que, ao acordar, só o Weaver de fundo com um burro em vez de sua própria cabeça a seu lado: de facto, parte inferior, com uma companhia de artesãos atenienses, encontra-se em ensaiar um drama que tem de representar para celebrar o casamento do Duque e Puck colocou a cabeça de um burro. Titania cai para ele quando ela o vê-lo e requiebra por sua beleza. Oberon, que se compadece de Titania, surpreendê-los e depois de se recuperar a página seqüestrada, esfrega os olhos de sua esposa com uma erva que libera-la do feitiço.
Puck, por ordem de Oberon, envolve os amantes humanos e reúne-os: enquanto eles dormem alguns outros, squeezes em sua grama de olhos que revertida o charme, então acordar novamente antes do amor. Teseu e mar Egeu; surgem os fugitivos são perdoados, e os casais são casados. O drama termina com uma cena de Píramo e Tisbe recitado de forma grotesca pela parte inferior e seus companheiros para o casamento de Teseu e Hipólita, rainha das Amazonas.
Vários segmentos do drama (o casamento de Teseu e Hipólita, a disputa entre Oberon e Titânia, a fuga dos quatro amantes, a representação dos artesãos) estão ligados como mais ágil em uma tapeçaria sumptuosa de cores vivas em um fundo de floresta mágica. O mundo clássico e o mundo das fadas fundir-se como um "Triunfo" do final da Renascença: em pares de Oberon – Titania é um reflexo da velha disputa entre Júpiter e Juno, e aqueles dois seres parecem participar a beleza serena dos deuses da Grécia, enquanto Puck pertence ao mundo escuro e mítico dos nórdico superstição.
A encantadora leveza do mundo dos concertos elfos com a vicissitude humana; até os movimentos e as paixões dos amantes parecem se desdobram de acordo com arabescos de sonho, prosperam em dificuldades absurdas e se dissipam no charme como uma dança abstrusa e elegante governada pelos caprichos do amor. Uma metamorfose alegre e absurda assume de artesãos humildes, que não são fantoches marginal na caixa, eles são empacotados em uma mesma atmosfera mágica; e inferior, com a cabeça de um asno e a representação grotesca de "Píramo e Tisbe", não parecem tão relacionadas com o mundo clássico de Luciano e Ovídio como com as invenções únicas de fantasmas absurda do que pintor, chamados o Hieronymus Bosch. O fantástico mundo das alegorias do renascimento e o mundo amoroso de cavalheiresco romances com suas fontes que acendem ou gelo amam, aqui são a sua expressão mais perfeita e poético.

Visão geral e Resumo: as alegres Comadres de Windsor

Esta comédia em cinco actos, em prosa, com algumas peças em verso, de William Shakespeare, foi escrita provavelmente em 1598, publicado em edições "in quarto", em 1602, 1619 e 1630 e na edição "Fólio", em 1623. O texto de 1602 é incompleto.
Segundo uma tradição, a obra foi escrita em quinze dias, a pedido da Rainha Elizabeth, que desejavam ver no palco a Falstaff no amor. No entanto, parece não ser uma mera improvisação, por Shakespeare usou uma comédia já existentes no repertório da sua empresa. É a comédia o ciumenta, representado em 1593 e baseado em uma narração italiana (o segundo do primeiro livro do Il Pecorone), onde a razão para o amante escondida em uma peça de mobiliário, comum no romance italiano, assume a forma de homem "escondida sob uma pilha de roupa suja".
Em vários de seus personagens têm queria ver caricaturas de pessoas realmente existentes. Assim, retratos de Abraão superficial e estúpido juiz Delgado sobrinho poderia ter por modelo de Sir Thomas Luey de Charlecote, perto de Stratford, o que, acredita-se, que tenham exercido a Shakespeare quando era jovem por tem caçado furtivamente em suas terras, cuja veracidade é questionável.
Comédia é o link para duas razões: a Falstaff que corteja dois ricos burguês de Windsor que zombar dele e Anne Page, que os pais querem se casar. Falstaff, sendo a falta de dinheiro, decide cortejar as mulheres da Ford e Page, burguês de Windsor, uma vez que eles governam o fluxo de seus maridos.
Falstaff envia cartas galantes idênticas às duas esposas, que decidem vingar-se dele. Por outro lado, Nym e pistola, os cúmplices de Falstaff, despechados porque é tem sido removido, por favor, informe sobre os maridos. Página não está se movendo, e Ford é feliz com a possibilidade de captura "em flagrante" sua esposa.
Falstaff é primeiro visitado pela senhora rapidamente, servo do doutor Cajus, responsável por interpretar o papel de parede festa de duas senhoras; Isto assegura a Falstaff que ambas as mulheres não querem, mas por favor. Ele então recebe a visita de Ford disfarçado com as roupas do Ribeiro, que está fingindo ser louco amor pela Sra. Ford e Falstaff promete uma recompensa esplêndida se isso te ajuda a conquistá-la. Falstaff revela que ele tem um compromisso com a Sra. Ford e promessas, em seguida, atribua o site para Brook. Durante a simulação citação Ford é apresentado com uma multidão de amigos para testemunha o adultério e Falstaff para escondê-lo rapidamente e correndo em uma grande cesta de roupa suja e em seguida é lançada com todas as roupas para os sedimentos do rio.
Em uma segunda nomeação Falstaff está vestida como uma mulher gorda e como tal fortemente espancados pela Ford. Também o marido ciumento é gozado duas vezes, mas finalmente eles descobriram a trama e dar um Falstaff citado ontem na floresta de Windsor, onde afirma que ataque ele e pitada empacotados e Pixies e, finalmente, que ele é desmascarado por Ford e página.
O enredo secundário representa o namoro de Anne, filha da página, por três pretendentes, o médico Camilo, médico francês; Delgado (um nome que poderia ser traduzido por "Emagrecido" ou "Enclenque"), sobrinho de bobo do juiz superficial (cujo equivalente seria "Light"); e Fenton, um jovem extravagante, amado por Anne. Madonna rapidamente (como dizem Lady "rapidamente e funcionando"), fazer de mediador entre os três e isso incentiva-los iguais. Sir Hugh Evans, Galês padre, fica em favor de Delgado e é desafiado por Caius, mas as hostilidades são reduzidas que maltratam o idioma inglês, um galês e francês.
A última nomeação dada a Falstaff na floresta, Page, favorecendo Delgado, tem este raptar sua filha, o que vai vestir branco, enquanto a página de Lady, que protege o médico, tem sua filha vista verde, e ser sequestrada pela. Mas quando chegar a hora os dois pretendentes são mãos um disfarçado como um menino, enquanto a real Anne fugiu com Fenton, com quem ele quer casar.
Alguns têm queria ver nesta comédia, uma espécie de "fabliau" encenado com todas as características do gênero um pouco Shyamalan: retratos realistas, desajeitados maneiras, falta de respeito para o casamento, prazer burguês em maltratar um Patrício mulherengo... Talvez porque estes elementos mais continentais do que o inglês e, sobretudo, a base do tema sensual e a caricatura de corno, esta comédia que não há muita contrariedade entre os críticos de inglês do século XIX; Enquanto em nossas cenas, desenvolvendo temas brilhantes do romance italiano, é divertido e fácil cuidado. Peça hábil, porém sofre sua composição apressada, muitas vezes compensada com um brilho extraordinário.

Visão geral e Resumo: está bem quando acaba bem

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, também traduzido como bem sucedido, que não há nenhum princípio ruim, provavelmente foi escrita para 1602-1603. De acordo com os outros, que levam em conta as desigualdades do texto, ele teve um primeiro rascunho durante a juventude de Shakespeare, no período de 1590-1594 e, dez anos mais tarde, foi refeita pelo mesmo autor com a ajuda de um colaborador. Foi publicado no infolio de 1623.
Não há notícias que tem sido realizado antes do mês de março de 1714, durante uma turnê para o fervor das comédias de Shakespeare, ou que tiveram sorte na cena. O enredo é retirado o nono dos desenhos animados do terceiro dia do Decameron de Giovanni Boccaccio, traduzido no Palácio de recreio do William Painter (I. 38). É que a conhecida história de Giletta de Narbona cura o rei de França de uma fístula que pede o marido para Beltrán de el Rosellón.
Beltran, o jovem Conde de Roussillon, chama-se a corte do rei da França após a morte de seu pai, e folhas no castelo herdaram de sua mãe e Elena, filha do famoso médico Gerardo de Narbonne, que tem sido educado em detrimento do velho conde. O rei da França (Carlos V, nome não citado no drama de Shakespeare) está doente com fístula incurável. Elena, que está apaixonado por Beltran e te ama, concebeu o ousado plano de se mudar para Paris e tentar curar o rei por meio de uma receita que o seu pai deixou. A mãe de Beltran, que descobriu que a Elena amor pelo seu filho, secunda seu projeto.
A cura vai bem e Elena obter como recompensa do rei para escolher um marido entre os senhores do Tribunal; Então, deixe-se de ser a sua escolha em Beltran, que, apesar de irritada por ter que se casar com uma mulher de classificação mais baixa, é rápido a obedecer a ordem do rei. Mas, instigado em parte pelo fanfarrão Parolles, Beltran está pronto imediatamente ao serviço do Duque de Florença na guerra contra o Siena e escreve a Elena acho que para não considerá-lo o marido enquanto ele não conseguiu obter o anel que carrega no dedo dele, e ele não tem intenção de livrar já, e até que você tenha um filho a , mas não tem qualquer intenção de compartilhar sua cama.
Elena, vestida de Peregrino vai para Florença e encontra que Beltran é apaixonado por Diana, filha do acolhimento dos peregrinos. Diana, no entanto, se recusa a suas propostas. Elena é dado conhecer a garota e sua mãe como a esposa de Beltran e obtém, prometendo para direcionar um dote, que ela finge aceitar um acordo do amante para dar-lhe o anel; Então, quando você tem que verificar a nomeação, Elena irá substituir Diana.
Logo em seguida, espalhar a falsa notícia da morte de Elena, e tendo terminado a campanha que distinguiu-se extraordinariamente, Beltran retornou ao Rossilhão. Enquanto isso, seu amigo Parolles foi desmascarado como um traidor covarde e hediondo. O Castelo de Roussillon é o rei, vendo no anel de dedo Beltran que ele próprio tinha dado a Elena, e que ela não estava se espalhando ao invés para enviá-lo sob demanda para assistência em caso de necessidade, você suspeita que Beltran fez desaparecer a sua esposa. Diana é apresentada com um apelo, acusando Beltran de ter seduzido e dizendo que ele foi forçado a dar o anel para Beltran. Finalmente, o enigma é resolvido com a aparência de Elena, que, mostrando Beltran outro anel que ele tinha acreditado para dar a Diana, e tendo sido grávida dele, finalmente é recebido como uma esposa de seu marido se arrependeu e perdoado pelo rei.
Não podemos dizer que conto bem plotado de Boccaccio fora melhorado no drama de Shakespeare; Talvez para fornecer um papel brilhante para um ator cômico, Shakespeare introduziu os episódios relacionados com Parolles, que provavelmente colocou à tona o drama com prejuízo para a trama principal. Mas esses episódios são uma parte essencial da atmosfera do drama, da mesma forma que a linguagem de bordel e as críticas venenosas por Lucio são inseparáveis da medida por medida, comédia amarga que tem estreita afinidade com está bem quando acaba bem.
Elena tem um pouco de Isabel (especialmente em seus discursos para convencer o rei da eficácia da cura) e um pouco de Mariana em medida por medida. O resultado no último ato vem através de estágios bastante semelhantes em ambos os dramas e a semelhança do estilo, do diálogo, da geral pessimista colorido, convidar você para sustentar que está bem quando acaba bem é um gêmeo de medida por medida, mas não tão vital. Dos dois personagens principais, Elena pode parecer ambíguo e odioso Beltran; é mais nobre, o rei e a Condessa, mas secundária; o jester Larache está solto, e Parolles só pode mover-ao riso, mas como uma farsa amarga, sem simpatia humana que desperta em nós um bluffer como Falstaff.
Mas principalmente não nos drama como Elena, abominada por Beltran, alcançada no último fez amor: conclusão, este último, que devem ser verificados se realmente tudo "deve acabar bem". Deficiência de justificação psicológica é complementada pelo caso prodigioso, por registro hábil com que Elena chega para atender as duas condições colocadas por Beltran, embora esse registro funciona então também mecânicas para produzir convicções. Também visto no qual Beltran não ser um marido desejável, por sua forte posição social.

Visão geral e Resumo: Julius Caesar

Esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi provavelmente escrito em 1599, lançado no mesmo ano e publicado "no fólio" em 1623. Suas fontes são as vidas de gross, César Antonio das vidas paralelas de Plutarco, na tradução inglesa do senhor Thomas North (1579), muitas vezes seguido por Shakespeare literalmente. Algumas passagens foram comparadas com a Pharsalia , de Lucano, com as epístolas de Cícero, com a história natural de Plínio, com guerras civis da história romana de Dión Casio, com as vidas dos doze césares de Suetônio, Appiano e César El de Pescetti, mas nós não posso dizer o que Shakespeare tem tirado diretamente dessas fontes , desde que outros dramas inglês anteriores sobre o mesmo assunto foram perdidos.
As ambições de Julio César provocam uma conspiração entre os defensores da liberdade romana, especialmente Casio e Casca, que persuadir bruta. Odeia bruta César ambições, mas César não é a mesma, então todo o seu desempenho é acompanhado por repulsa pelo ato que deve ser. Gross defende a insistência de sua esposa Porcia, que quer descobrir o segredo dele, enquanto a esposa de César, Calpúrnia, aconselhada por um sonho, defende com César para não ir ao Capitólio, nos idos de março. Mas um dos conspiradores, Decio, convence-lo.
O sofista Artemidoro falha em seu esforço para impedi-lo, e César é assassinado. Suplicou fazer gritar para a cidade: "liberdade e independência!", acreditando que as pessoas com eles, mas Antonio, com uma hábil elegia sobre o corpo de César, erguido para a aldeia, enquanto discurso duro forçado deixa indiferente em massa. A insurreição obriga a fugir para os conspiradores; formulários do governo dos Triúnviros, Antonio, Octávio e Lépido, mobilizaram-se contra o exército de Brutus e Cássio.

Contra o cadáver de César, Mark Antony
(Marlon Brando) incita as pessoas a rebelião, em
o excelente filme de Mankiewicz (1953)
A véspera da reunião os dois amigos têm uma briga, mas depois reconciliado e bruto Casio dá a notícia da morte de Portia. Este assim chamado "diálogo de arma" ("meia-espada Parlamentação") foi uma das cenas mais admiradas do teatro de Shakespeare por seus contemporâneos. O espectro de César aparece a bruto. Na planície de Filipos, Brutus vencer as forças de Octavio, enquanto Casio é espancado por Antonio. Acreditando que também bruto foi derrotado, Casio comete suicídio; o fiel Titinio segue a pista dele. No segundo combate, Brutus, desencorajado pela morte de Casio, é derrotado e também é morto.
O problema da interpretação deste drama, que o prelúdio do período das grandes tragédias de Shakespeare, é complicado pela confusão que existe entre a função dramática da cena central (a morte de César) e o objetivo muito trágico. A maioria dos críticos, com base no fato de que a morte de César acontece em estado prematuro de ação, nega que este é o protagonista da tragédia e argumentam que essa qualidade é difícil. Além disso, eles reconhecem que o espírito de César domina toda a tragédia, mesmo depois de sua morte, e chama-se nos lábios de Casio e bruto quando cometem suicídio.
À primeira vista pode parecer que o verdadeiro protagonista é muito mais bruto, para que, no final do drama, isto é lembrado por Antonio com palavras que, por analogia, podem ser aplicadas para o mesmo de Shakespeare: "Este foi o mais nobre entre todos os romanos... Sua vida foi gentil; "e os elementos tão misturado nele, que a natureza pode levantar-se e gritar para o mundo inteiro: este era um homem". Mas que nojo, no primeiro ato, ocupa uma posição secundária em relação a Casio; no terceiro, sua personalidade é compatível com o Antonio; e somente em atos IV e V desempenha um papel dramático de primeiro plano.
Para resolver o problema, alguns pensam que o protagonista real é a idéia que encarnou por Cesar, o caesarism, o autoritário ideal, que o antagonista seria a idéia republicana, representada por defensores da liberdade da Roma antiga. Para outros, no final, todas as dissertações sobre os verdadeiros protagonistas são vaidosos, considerando como os destinos de César e Brutus, de tal forma que Brutus (ato IV, cena 3) são indissociáveis parece-lhe seu próprio destino, seu demônio com cara de César.
A tragédia, com um ritmo atraente, é governada por um inimigo feroz: a primeira parte culmina com a morte de César, o segundo no suicídio dos matadores. No meio há uma pausa, a reunião dos Triúnviros que seções do tumulto trágico, procurá-lo friamente, calculando suas vantagens práticas. O elemento cômico é quase ausente deste teatro romano, bem como Coriolano; Se há riso, é um riso amargo sobre o destino do poeta Cinna, morto pela ingenuidade e a simplicidade da multidão, facilmente conquistado pelos recursos retóricos descarados da oração de Antonio.

Visão geral e Resumo: Hamlet

Escrito e lançado em torno de 1600-1601, esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare chegou até nós em várias redações: "quarto" de 1603, o primeiro "trimestre"; "quarto" de 1604, o segunda "sala"; o "infolio" de 1623. A segunda "sala" representaria o texto original do drama, que seria derivado de outros textos para um maior ou menor grau.
A história de Hamlet foi contada por Saxo Grammaticus em Gesta dos dinamarqueses (livros III e IV, Caps. 86-106), desde o início do século XIII. Chegou a Shakespeare através o Histoires Tragiques de f. de Belleforest e um drama perdido, que provavelmente surgiu em cena em 1587 ou 1589. Existem algumas diferenças importantes entre a narração de Belleforest e drama shakespeariano: na história de francês, Hamlet sabe desde o início como seu pai, morreu por sua loucura fingida tem uma justificação maravilhosa; por outro lado, ele não morre no cumprimento de sua vingança e é capaz de agir com força na hora certa.
Imagine que alguns dos novos elementos foram introduzidos pela tragédia preshakesperiana, designada pelos críticos, com o alemão prefixo Ur-Hamlet, ou "Hamlet primitiva": assim, a morte do protagonista, o espectro do pai, a cena do drama dentro o drama e o duelo final com Laertes, elementos que fazem pensam em Thomas Kyd (1558-1594) como autor. Provavelmente em preshakesperiana a tragédia Hamlet era um vingador agressivo, mas para reajustar a cena da tragédia antiga, Shakespeare deu o protagonista o caráter melancólico, que tornou-se moda no início do século XVII, para justificar o atraso da vingança; Assim, o centro do drama movido de intrigas de reações de Claudio no espírito de Hamlet "melancolia" e pessimista.
Na tragédia de Shakespeare, rei da Dinamarca foi assassinado por seu irmão, Claudio, que usurpou o trono e casou-se, sem respeitar os costumes, com a viúva dos mortos, Gertrude. O espectro do pai aparece para Hamlet na parede do Castelo de Elsinore, preocupações as circunstâncias do crime e chamadas de vingança. Hamlet promete obedecer, mas sua natureza melancólica torna irresoluto e obriga-o a adiar a ação; Enquanto isso ele finge louco evitar a suspeita de que ameaça a vida do rei. Acredita-se que ele turbou a mente dele, o amor de Ofélia, filha de Polônio Chamberlain, que, tendo cortejado anteriormente, agora com crueldade.

Lawrence Olivier em Hamlet (1948)
Hamlet verifica a conta do espectro, fazendo representam um drama (o assassinato de onde), que reproduz as circunstâncias da infracção, perante o rei e o rei não sabe dominar sua agitação. Em uma cena em que grita contra sua mãe, Hamlet é que o rei está escutando atrás de uma cortina e desenha a espada, mas em vez disso, mata polônio. O rei, decidido fazer desaparecer a Hamlet, enviado para a Inglaterra com Rosencrantz e Guildenstern, mas piratas captura de Hamlet e regressou à Dinamarca.
Na chegada encontrar que Ofélia, loucura, dor, afogou-se. O irmão da menina, Laertes, voltou-se para vingar a morte de seu pai polônio. O rei, aparentemente, quer satisfazê-los e leva a Hamlet e laertes para competir, não em um duelo, mas em um jogo de braços que selam o perdão; Mas dar laertes uma ponta de espada e envenenado. Hamlet é perfurada, mas antes de morrer fatalmente feridas Laertes e matar o rei, enquanto Gertrude bebe a taça envenenada para o filho. O drama termina com a chegada da puro Fortinbras, Príncipe da Noruega, que se torna o governante do Reino.
As famosas cenas, o que inclui do monólogo de Hamlet (Ato III, SC. 1), que começa com o famoso verso "ser ou não para ser, aqui é o problema" ("ser ou não ser: Eis a questão"), ou do cemitério, onde o Hamlet faz Yorick, o rei considerações cabeça de bobo da corte. O julgamento de Hamlet, na maioria dos críticos, é reduzido a um juízo sobre o caráter do protagonista, expressamente concebido como viver uma vida do seus próprios e externos ao drama. Este ponto de vista os críticos foram seguidos pelos autores que sacrificar o drama inteiro, cortando sem preocupação, o personagem de Hamlet para representá-lo, cenas desse ponto de vista considerado secundário.
Mas o julgamento de Hamlet é extremamente difícil devido a uma série de problemas que não estão ociosas divagações: seria, por exemplo, Claudio não interrompeu o drama de assim que reproduz as circunstâncias de seu crime, único modo de exibição de pantomima que precede a recitação dos atores? Por que Hamlet utilizado persistentemente com linguagem obscena e insultante de Ofelia? Para tais perguntas, críticos que são colocados em um ponto de vista estritamente histórico contador alegando freqüentam incoerências dos dramas da época: Granville-Barker chega a dizer que "intriga, como tal intriga, é desenvolvida com incompetência escandalosa". Outros críticos argumentam que grande parte do desenvolvimento foi perdida e que o verdadeiro problema de Hamlet seria tentar reconstruí-lo.

Só de Kenneth Branagh levou para filmar toda a obra
em Hamlet (1996), um filme de quatro horas de duração
Assim, enquanto críticos psicológicos explicar a atitude de Hamlet Ophelia como resultado a náusea causada sexual no Príncipe pelo comportamento materno, críticos históricos relacionados com a intervenção de Ophelia no drama original, onde, como na história de Belleforest, só seria um instrumento de tio de Hamlet para seduzir o príncipe. E linguagem que Hamlet usa com ela é precisamente que seriam levados para esse instrumento, embora Ophelia não é uma coisa no drama de Shakespeare. Hamlet poderia ter imaginado por ter ouvido as palavras de Polônio ao rei na segunda cena do segundo ato, verso 162 e GIS: "Em tal hora eu vou perder minha filha para ele" ("Então castigá-lo minha filha"); onde "soltas" não só implica que polônio, que até então proibiu Ofélia que se comunica com Hamlet, vai deixá-lo livre, mas contém uma alusão ao município de cavalos e gado (para que o isabelists usa o verbo).
Certo que Hamlet, posterior (V. 174), chamadas de Polônio "peixeiro" (peixeiro), um epíteto que foi dada para os rufiões e compara a sua filha com uma carniça de"carne" (carniça, mas também, em prostituta Isabelina, gíria). Há, portanto, para imaginar, para explicar a atitude de Hamlet Ophelia, que interpretado ameaçadoramente sua conduta à luz das palavras de polônio, surpreso por ele; Segue, então, como diz Dover Wilson, o que põe em cena a anotação Hamlet "entrar".
Nota central da tragédia é, certamente, que a frase "o matiz nativo da resolução é sicklied ou ' er com o elenco pálido do pensamento" ("a cor natural da resolução torna-se doente com o tom pálido de pensamento", III, 1, 85). Contraste com Hamlet, que encarna essa atitude que tem sido definida como uma doença da vontade, Fortinbras e Laerte, homens de ação. As alternativas de frenesi e aparente apatia do personagem central indicam o ritmo de toda a tragédia, ritmo febril, com seus paroxismos e seu sofrimento, que dá o drama seu fascínio indistinto, tão difícil de analisar, mas sempre sentiu pelo público, mesmo nas reduções e deformações sofridas pelas cenas acima mencionados.

Visão geral e Resumo: Otelo, o mouro de Veneza

Escritos de 1604 e provavelmente representado no mesmo ano, esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare publicou trimestre em 1622, Folio, em 1623 e novamente em quarto lugar em 1630 e 1655. O texto da primeira edição em quarto apresenta diferenças significativas com a 1623, a fim de que era justificada a hipótese de que os editores usado manuscritos diferentes; por esta razão, o texto é definido tendo em conta as duas edições.
A fonte deste trabalho é o sétimo romance do terceiro decanato da Hecatomitos de Giovan Battista Giraldi Cintio, com a diferença que o Capitão mouro e Alferes falta nome em Giraldi. Tenha sido emitida uma hipótese identificando o mouro com o Patrício Cristoforo Moro, quem era o tenente em Chipre, em 1508, e que perdeu a esposa na viagem de volta a Veneza; outros autores acreditam que é "Capitão mouro" (na verdade um Sul italiano) Francesco da Sessa, que foi condenado à forca pelos Reitores de Chipre, 1544 tarde ou início do próximo ano, em Veneza, por um crime não especificado. Não se sabe com certeza se Shakespeare usou a tradução original de italiana ou francês de Gabriel Chappuys, publicado em Paris em 1584.
O mouro Otelo, general a serviço de Veneza, ganhou o amor de Desdêmona, filha de Brabantio a senador veneziano, contando seus feitos e os perigos que aconteceu; e então ele se casou com ela. Porque Brabantio acusa-o de Dux tem encantado e raptaram a filha dele. Mas Otelo explica como lealmente conquistou o coração de Desdêmona, e isso confirma a história dele.
Enquanto isso, vem a notícia de que um ataque dos turcos contra Chipre é iminente e chama a colaboração de Otelo a rejeitá-las. Brabantio, relutantemente, dá a sua filha para o moro, que logo se mudou com ela para o Chipre. Alferes Yago, que foi substituído no papel do Tenente por Casio, sinto um ódio profundo de Otelo; Yago ouviu rumores que a moro permaneceu com Emilia, sua esposa e a empregada de Desdêmona.
Inicialmente, Yago gerencia desacreditar a Casio em Otelo, fazendo Casio está bêbado e perturbado a paz pública. Ele ajuda a Rodrigo, que ama, sem ser correspondido, para Desdêmona. Casio, privado de seu grau, é induzida por Yago então peço a Desdêmona que interceda em nome dele; Yago simultaneamente dá origem à fim de Otelo a suspeita de que sua mulher o traindo com o Tenente infeliz.

Orson Welles em seu Othello (1952)
A intercessão de Desdêmona para Casio parece confirmar as suas suspeitas e cria no ciúme furioso moro. Yago consegue fazer um lenço que Otelo tinha dado Desdêmona, como um precioso vestuário (tecidos coletados por Emilia quando sua esposa tinha perdido) é encontrado na posse de um Casio. Otelo, cegado pelo ciúme, sufoca Desdemona em seu leito de morte.
Mais tarde, Casio, que Rodrigo teve de matar por instigação de Yago, encontra-se ferido. Mas Rodrigo, ferido por Yago para evitar que seu plano é descoberto, são cartas que provam a culpa do Yago e a inocência da Casio. Otelo, atingido pela descoberta de ter sido morto por sua esposa inocente e depois de ter encontrado, no momento do colapso de seu mundo, vigilância, estoicamente matou se para punir.
Esta tragédia, cujo tema dominante são ciúmes, é tão habilmente construído e, assim, arrebatando a atenção que, a menos que um exame minucioso e frio, não percebe a improbabilidade de muitos elementos, as contradições na psicologia dos personagens diferentes e uma inconsistência incurável na duração da ação.
Os críticos têm tentado resolver as várias dificuldades, apresentando o drama. O mais grave deles é a duração da acção: desde o desembarque de Desdêmona e Otelo em Chipre até a catástrofe final leva apenas trinta e seis horas; por outro lado, muitas circunstâncias exigem que a ação tem um desenvolvimento a mais longo e dura pelo menos algumas semanas.
Tentou conciliar essa aparente incoerência de várias maneiras, por exemplo, supondo que a acusação de Yago contra Desdemona refere-se a um tempo antes de chegar em Chipre, desde durante a estadia em Chipre teria havido tempo materialmente para os alegados casos de amor. Mas esta explicação que oporia Yago diz Desdêmona; Assim, no terceiro infidelidade do ato (3.230 e segs.) Desdemona é atribuída a um período posterior da paixão que ela sentia o mouro que durou até pouco tempo antes. Portanto, segundo as palavras do Yago, infidelidade teria ocorrido para fora uma vez.
Contradições também são apreciadas no caráter de Otelo. Por outro lado, Desdemona parece muito obtuso para não perceber que o Otelo é ciumento, quando Casio recomenda que, no momento menos oportuno. Mais tarde, quando já se deu conta do ciúme que o marido, sente-se não descobrir a razão e imediatamente ter uma explicação com isso. Também os outros personagens podem parecer ingênuo para ser enganado por Yago.
Mas as confusões e contradições na psicologia das personagens, bem como soluções de continuidade entre seus personagens e a maneira que você tem que agir, eram da ordem do dia no teatro elisabetiano, que se gabava de efeitos de perspectiva, inevitavelmente, envolvendo deformações que não podem ser vistas na representação. E precisamente neste aspecto, este drama de Shakespeare é talvez um do mais lúcido e clássicos do autor, que explica seu sucesso no continente. Zaira, de Voltaire, em que o personagem Orosmane é modelado de Otelo, é a primeira adaptação francesa da peça de Shakespeare.
Sul da tragédia pela paixão que é o seu argumento (a menos que isso é por que fingir, como Schlegel, ver uma tentativa de estudo cultural e ambiental, que Otelo seria a tragédia do bárbaro mal assimilado no drama), que freqüentemente tem sido representada na Itália, dando origem ao famosas interpretações. Por outro lado, a mentalidade de inglês e puritano, o tema sempre me pareceu bastante repelente, e por este motivo, nos últimos tempos, o público permaneceu com interpretação mórbida atenção esse personagem Paul Robeson preto. É uma tragédia que é urgente e isso dá sem pausa; um fato do Chronicle preto em torno de Shakespeare com a riqueza da sutileza verbal e conceitual do século XVI.

Visão geral e Resumo: Rei Lear

Escrito em 1605-1606 e representado em 1606, esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi publicada em 1608 (primeiro ao quarto lugar, com o título a verdadeira crônica da vida e da morte do Rei Lear e suas três filhas), em 1619 (segundo trimestre), em 1623 (em folio) e 1655 (terceiro trimestre).
A história de Lear e suas filhas, uma das questões que mais tem incomodado os estudiosos das tradições populares, é por Geoffrey de Monmouth (Historia Regum Britanniae, obra composta de 1140), Holinshed (crônica) e uma contribuição de John Higgins (1574), para o espelho para magistrados (trabalho em que, seguindo o modelo da queda dos príncipes de John Lydgate, que por sua vez, imitaram as desventuras de Boccaccio, homens ilustres, geralmente pertencentes a Inglaterra, eles recontagem sua queda). Também é a rainha das fadas, Edmund Spenser (lib. II, canto 10, st. (27-32). Shakespeare usou um drama anterior, Lear. A lenda do Rei Lear tem bases comuns com a Cinderela: Cordelia, filha da figura do Rei Lear, é uma das muitas encarnações do tipo de garota virtuosa perseguido.
A tragédia se desdobrar em paralelas duas ações bastante semelhantes em geral (alguns têm uma analogia com a história do Dirghatamas no Mahebheratae Yayetis foram observados). O primeiro e mais importante são a história de Lear e suas três filhas; a segunda destina-se a eventos de Gloucester e seus dois filhos.
Lear, rei da Grã-Bretanha, velho autoritário e mal aconselhado, tem três filhas: Goneril, esposa do Duque da Albânia; Regan, esposa do Duque de Cornuailles e Cordelia, cuja mão aspire o rei da França e o Duque de Borgonha. Com a intenção de dividir seu reino entre as três filhas de acordo com o carinho que sentem por ele, Lear perguntar a cada um como você deseja. Goneril e Regan fazem protestos de sincero afeto, e cada um recebe um terço do Reino. Cordelia, modesta e digna, diz que te ama como dever manda. Com raiva por esta resposta, o rei divide sua parte do Reino entre as outras irmãs, com a condição que ele, com cem cavaleiros, mantidos por um deles se transforma.
Removido o Duque de Borgonha, o rei da França aceita Cordelia sem dote. O Conde de Kent, que é colocado no lado de Cordelia, é banido, mas ainda o rei sob falsas vestes. Goneril e Regan, só possuem poder, desmascarar os maus espíritos, estão faltando à Aliança estipulada pelo pai negou a escolta de cavaleiros e quando ele indignado rejeita sua hospitalidade odiosa, deixá-lo ele vaga pelo campo durante a tempestade. A piedade de sensação do Earl de Gloucester do velho rei por uma denúncia de seu filho ilegítimo Edmundo, é suspeito de cumplicidade com os franceses, que desembarcaram na Inglaterra, a mando de Cordelia, e é feito cego pela Duke de Cornuailles.
Antes de tentar arruinar o seu pai, Edmund tinha caluniado antes da seu irmão, o Edgard legítimo, forçando-o a fugir da ira de seu pai. Disfarçado como um mendigo louco, Edgard é reduzido a viver em uma casa de campo na zona rural, e precisamente na cabine que procuram refúgio, durante a tempestade, Lear, juntamente com o seu bobo da corte e o Kent leal. Lear, reduzido ao nível de um mero vagabundo, sente-se pela primeira vez em seu coração a angústia do sofrimento humano; o teste é muito duro e perde a razão. Pistas de Kent para Dover e Cordelia lá ele recebe-lo carinhosamente.

Quadro em Ran (1985), de Akira
Kurosawa, baseado em Rei Lear
Enquanto isso, Goneril e Regan vão ter me apaixonado tanto de Edmundo, que se tornou o Earl de Gloucester. Goneril, remover no meio do rival, que, tendo sido viúvo, quer casar com Edmundo, envenena-la; Mas sua intenção de livrar-se de seu próprio marido é descoberta por uma carta, e Goneril removido a vida. Edmundo, acusado de traição, é morto por Edgar em um julgamento de Deus; Mas, vencedor dos franceses, já tinha dado a ordem para pendurar a Cordelia, feito prisioneiro juntamente com seu pai; tarde demais, morrendo, revela sua ordem feroz.
Lear, que sonhava em ser sempre ao lado de sua filha e, portanto, ficou, resignadamente, prisão, parece que eles estrangulá-lo em seus próprios olhos e morrer pela dor. O Duque de Albânia, que não aprovou a forma como Goneril era seu pai, acontece no Reino. Edward, que, sem ser reconhecido, tornou-se guia de seu pai cego e fala com ele removido da mente a idéia de suicídio, é restaurado no título e honras.
O drama, um dos mais poderosos de Shakespeare, parte do esquema quase abstrato de uma fábula alegórica para as profundezas mais recentes das ações humanas e sentimentos. Na primeira cena da divisão do Reino, os personagens parecem os de uma medieval "moralidade"; Não menos linear e simplista podem parecer a maneira que o Edward é traído por seu irmão. Mas o que pode parecer como paradigma na premissa utilizada no desenvolvimento correndo desesperadamente a bondade do problema do mundo, porque embora os ímpios não conseguir no final do drama, bondade tem caído antes vítima de suas intrigas, de forma que a única moral que pode ser removida (se ele pode ser encontrado em qualquer um) está contida talvez nas palavras de Edward ao seu pai cego e desesperado : "Os homens devem ter paciência para sair deste mundo, a fim de entrar: tudo é ser maduro".
Imagem deste mundo triste é a tempestade que domina no centro do drama, arrastando a Lear, que, com seus erros e paixões, assume um significado simbólico: é toda a humanidade que, pela boca do rei louco, eles se desesperam no meio da tempestade, enquanto sua insanidade crescente devido a crueldade dos homens e os elementos é mais trágica em contraste com as roupas grotescas que leva a verdade nas palavras do bobo da corte e com a loucura simulada Edgard que finge ser obcecado. Como observou Schlegel: "Da mesma forma que, em Macbeth , Shakespeare levou terror ao topo, parece que no Rei Lear que esgotado as fontes da piedade".

Visão geral e Resumo: Macbeth

Esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi escrita provavelmente entre 1605 e 1606, realizada em 1606 e impressa na edição de 1623 infolio. O texto é insatisfatório pela evidência de retoque que parece apresentar; Provavelmente existem cortes e interpolações. A fonte do trabalho é a crônica de Holinshed, que para os eventos na Escócia é baseado na versão em inglês feita por John Bellenden do boccia Héctor Scotorum Historiae (1527).
Macbeth e Banco (Banquo) são geral Duncan, rei da Escócia. Retornando de uma campanha vitoriosa contra os rebeldes, está em uma planície de três bruxas que profetizam que Macbeth será "cavaleiro" (escocesa nobre título semelhante ao "Barão", que indica que os companheiros do rei) de Cawdor e rei e que o banco criará reis, embora não é para ser assim. Imediatamente depois vem a notícia de que Macbeth foi nomeado Barão Cawdor.
Tentado pelo cumprimento parcial da profecia e por lady Macbeth, que excita a ambição, de "o leite da bondade humana", Macbeth mata Duncan, permaneceu em seu castelo, secagem enquanto você dorme, mas então é presa de remorso. Filhos de Duncan, Malcolm e Donalbain, fugir, e Macbeth apreende a coroa. Mas ainda há um obstáculo no caminho de Macbeth: as bruxas profetizou que o Reino iria para a dinastia de banco, então Macbeth decide livrar-se dele e de seu filho, Fleance, mas consegue fugir.

Orson Welles em seu impressionante
versão de Macbeth (1948)
Assombrado pelo espectro do banco, que aparece com ele durante um banquete, Macbeth consultoria as bruxas que dizer-te que te salvar de Macduff, o Barão de Fife; Ninguém nascido de uma mulher pode fazer mal a Macbeth; e que só serão superados quando a floresta de Brinam ir Dusinane.
Sabendo que Macduff juntou-se com Malcolm, que está recrutando um exército na Inglaterra, Macbeth assassina lady Macduff e suas crianças. Lady Macbeth, que tinha deixado cair o punhal mão tentando, antes de seu marido, assassinar Duncan e ver por um momento, seu próprio pai, perde a razão e tenta em vão desaparecer de suas mãos, a visão de sangue; Finalmente morre.
Macduff e Malcolm exército ataca o Castelo de Macbeth: atravessando a floresta de Birnam cada soldado corta um ramo e movem-se, por trás desta cortina de folhagem, contra Dusinane. Macduff, retirado do útero antes do tempo, dá morte de Macbeth. A profecia foi cumprida e Malcolm sobe ao trono.
O drama é em parte um ato de homenagem a Jacobo eu (numeração dos reis escoceses no ato IV, cena 1 e outros detalhes). As tragédias de Shakespeare, Macbeth é, sem dúvida, o mais vigorosa. Como disse A. W. Schlegel, bem depois da Oresteia de Ésquilo, "poesia trágica não tinha produzido nada mais grandioso e mais terrível".
Uma atmosfera de raiva governa o drama desde os primeiros versos para o cumprimento da profecia: o feitiço infernal que revela o ambicioso e vitorioso guerreiro através a profecia das bruxas e aspirações não confessadas, fechar na rede inevitável. O guerreiro sucumbe à tentação, mas ainda está rasgado e mantém traços de sua nobreza precoce no meio de todos os excessos que está sendo arrastado.
Pesa sobre os personagens deste drama o mesmo clima da desgraça que pesava sobre a casa dos filhos de Atreu; a ação se desenrola talvez em vários anos, mas qualquer consideração de tempo desaparece antes do show, cujo ritmo é medido sobre o horror e a dor. Uma sensação de mistério e irracionalidade mesmo (foi o crime de Macbeth realmente necessário?; não é um salto no vazio precipitado por uma sugestão fatal?) emana esse drama; domina a noite, com freqüentes invocações para a escuridão e a evocação dos desajeitado furtivas e predatórias criaturas das trevas; sufocante atmosfera de medo e dúvida; por esta razão, a palavra "medo" ("medo") muitas vezes aparece ao lado de imagens de violência e sangue. A própria vida é vista como "uma história contada por um idiota, cheia de som e fúria, significando nada", em um famoso e muitas vezes citado versos (esc. 5, 26).

Visão geral e Resumo: Marco Antônio e Cleópatra

Esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi provavelmente escrita por volta de 1606-1607, certamente estreou em 1607 e publicado em 1623 infolio. Fonte é, sem dúvida, a vida de Marco António das vidas paralelas de Plutarco, na versão do Norte. Shakespeare também usou a história romana de Apiano e poderia consultar outras obras inglês sobre este assunto.
O drama apresenta Antonio em Alexandria, escravo da beleza madura de Cleópatra. Reivindicada pela morte de sua esposa, Fúlvia e os acontecimentos políticos, Antonio retorna a Roma, onde acaba com o antagonismo entre ele e Octavio Cesar com seu casamento com a irmã de César, Octavia, evento que provoca o ciúme de Cleópatra.
Mas esse casamento não dura: Antonio deixa a Octavia e retorna para o Egito, onde a cadeia de volúpia retorna para prendê-lo. Ele atende seu espiritual, apenas interrompida no final da tarde, decomposição por impulsos generosos que se assemelham o guerreiro do passado, como quando com sua generosidade confunde pena Enorbarbo, tinha abandonado e que agora você mata desprezando-se.
Após a batalha de Actium, Anthony é perseguido por César de Alexandria e lá, depois de um sucesso de curta duração, sofrendo a derrota final. Após a falsa notícia da morte de Cleópatra, primeiro Eros pede seu capanga para matá-lo, mas Eros não aceita e é morto em vez de cruzamento de Antonio. Antonio, seguindo seu exemplo, é deixado cair a espada. Levado para o Mausoléu, onde eles se refugiaram Cleopatra, expira nos braços dele. Cleópatra, para evitar o constrangimento de aparecer no triunfo de César, decidiu truncar a sua vida com a mordida de uma página ASP; Carmiana e as outras donzelas são mortas com ela.
Antônio e Cleópatra é a tragédia do homem de ação, cuja vontade definha e desaparece na espiral de uma luxúria que percebido indigno, mas irresistível. E nunca uma tragédia semelhante foi conseguida com tintas tão luxuosas e encantador. Muito do fascínio vem do caráter de Cleópatra, representada pelo poeta em toda a sua mobilidade e facetas da sedutora; verdadeiramente moderna e capaz de imprimir um ritmo que vivo, rápido, caprichoso, para certos diálogos, sabor fresco, em comparação com os pedaços de pedantes das rainhas do teatro da corte do século XVI.
Mas a atmosfera de luxo barroco e a alegria de cores iridescentes e imagens exuberantes, lançadas por todo o drama, fazem de um pouco distante da produção shakespeareana. No outro lado, a velocidade e a estranheza das mortes, a veemência da algumas imagens cruéis (como, por exemplo, quando Cleópatra já é mostrada para o povo romano Warbled e grita: "antes nua na lama do Nilo e deixe esse rio cobrindo-me verme moscas me fazer algo impuro"), a insistência sobre a questão da serpente (Antonio conta a história de Cleopatra (, acariciá-lo: "Onde está minha serpente do Nilo velho?" e Cleopatra, semelhante a uma cobra em seus elogios e enganos, é morto com um ASP) dar o drama um sabor de perdição encantador e perverso que já parece quase romântico.
Em todo o Oriente jóias e sinistra que atrairá uma Gautier e um Flaubert é já ao invés evocado na peça de Shakespeare. Mas não só a atmosfera de volúpia pródiga e letal de Antônio e Cleópatra foi coletada pelos românticos; em algumas cenas de interrogatório e ressentimentos misteriosos (IV, 3) agora é um modelo da atmosfera de ansiedade evocada em tantos dramas de Maurice Maeterlinck.

Visão geral e Resumo: a tempestade

Escrito em 1611 e estreou no mesmo ano, este drama em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi publicado no Folio de 1623, que precede todas as outras partes.
A fonte deste trabalho consta a commedia dell'arte italiana; algumas intrigas similares ao seu têm sido descritas por diferentes estudiosos. Estes elementos italianos Shakespeare combinados detalhes do naufrágio nas Bermudas de senhor George Somers (25 de julho de 1609). Outros considerados como uma fonte provável da tragédia a novela espanhola a grande conquista do exterior.
Neste drama, escrito no final de sua carreira e o sonho de uma noite de verão, escrito no início, Shakespeare usa o sobrenatural, recorrendo ao maravilhoso mundo dos duendes e fadas, admiravelmente fundindo suas ações com a aventura humana, com o que ganham em graça e profundidade.
Próspero, Duque de Milão, foi destituído do poder por seu irmão Antonio, posto em um barco e entregues à mercê das ondas com sua filha Miranda. Próspero, desembarcado em uma ilha deserta que tinha sido banido da bruxa Sycorax. Graças a suas artes mágicas, Prospero libertou vários espíritos aprisionados pelo mágico, incluindo Ariel e apresentá-las às suas ordens. É agora ao seu dispor para o filho da Feiticeira, Caliban, um monstruoso, abjeto e ingênua criatura, que é o único habitante da ilha.
Próspero e Miranda viveram assim por 12 anos. Um navio em que viaja o usurpador Antonio e seu aliado, o rei de Nápoles Alonso Fernando, filho deste último, naufragou na costa da ilha através de encantos do Prospero. Neste momento começa o drama: Shakespeare está condensada na exposição do drama, na segunda cena do primeiro ato, o plano de fundo, ocupando três atos no conto de inverno.
Passageiros vão salvar, mas acredito que Fernando tem afogado, enquanto Fernando pensa que os outros tem-se afogado. Ferdinand e Miranda são, se apaixonam assim que eles são e a promessa. Ariel, por ordem de Prospero, prepara alguns sustos para Antonio e Alonso. Antonio é esmagado pelo terror e Alonso se arrepende de sua crueldade, reconcilia com Prospero e recupera seu filho Fernando.
O navio é salvo pela força dos feitiços e Prospero e outros preparam-se para deixar a ilha depois de Prospero renunciou ao mágico livrar-se de sua varinha mágica. A ilha é realizada por Caliban; as muitas cenas em que surge com o Esteban, um administrador de borrachín e com o jester Trinculo, manter o selo do commedia dell' arte, que constitui sua principal fonte; Ele também tem um cheiro de commedia o cômico contraste entre a perfídia do usurpador que perdeu o ducado a prosperar e a trama de Caliban, que promete a Esteban e Trínculo o domínio da ilha se matam seu mestre odiado. Por outro lado, a triste impressão que poderia produzir o grupo de náufrago pérfido é mitigada pela franqueza do bom velho conselheiro Gonzalo loquaz.
Apesar de cenas cômicas abundam neste drama, embora não na medida em que existem em Doutor Fausto , de Marlowe, o general de impressão, como que produz o drama de Marlowe, ele não é determinado pelo elemento da farsa. A atmosfera de A tempestade como é purificada por um furacão. Sua formação é o lado solitário de uma ilha no meio do mar; um pacífica, harmoniosa, a luz é difundida em toda parte; o ar, saturado com luz e doçura, ressoa com vozes sobrenaturais. A graça do céu com seus sprays tocou nas margens da ilha do mundo, e essa influência celestial macia parece que está se desenrolando diante dos nossos olhos, no curto espaço de poucas horas (entre os dramas de Shakespeare, A tempestade é o único que está em conformidade com as famosas unidades de lugar, tempo e ação).
Mesmo que pode-se dizer quase com certeza que Shakespeare fez não ler o purgatório, o clima deste drama lembra-se muito na costa da ilha imaginada por Dante. "tremolar della marina", a purificação do frescor do orvalho ou as vozes dos espíritos são encontrados em ambos os poemas. Homens naufragaram na costa mágica e desembarcam na terra estranha para se arrependerem e expiar. E próspero aparece como um ancião Santo, não muito diferente de Cato nas margens do purgatório. Visão de Shakespeare o último revelar afinidades com a visão de Dante e também com o mistério sagrado de As Eumênides , de Ésquilo. Em cada um dos três grandes poetas justiça é restaurada através de um ritual de expiação; o tom de seus poemas principais é a mesma, formada de ternura e gravidade ao mesmo tempo, um tom de perdão. Eles chegaram a uma visão de mundo que se expressa em termos de ordem e harmonia, música de Ariel, hinos cantados por almas que se purificarem ao som da lira de Apolo, tudo acalma-lo.
Após Hamlet, A tempestade é o drama shakespeariano que tem dado mais amplo combustível hipóteses e interpretações. Em determinados momentos, os poemas de Ariel e as palavras de Prospero, o poeta de si mesmo, pela boca de seus personagens, tem como alvo o mundo e exprime o seu conceito de vida, assim que a tempestade é o mais pessoal de seus dramas e às vezes, parece refletir o pensamento do dramaturgo mais profundo: "nós somos da mesma substância de que são feitos os sonhos ", e nossa breve vida é cercada por um sonho" (IV, SC. 1).
O aspecto sobrenatural da tempestade foi em parte usado por Alexander Pope (1688-1744) em roubado onda, onde Ariel é o chefe dos silfos, que tem o trabalho de servir as senhoras; o caráter de Caliban Robert Browning inspirou seu poema Caliban em cima Setebos , em que se expressa de um pensamento selvagem sobre a criação do mundo e o divino.

Visão geral e Resumo: Vênus e Adônis

Este poema em estrofes de seis versos de William Shakespeare foi publicada em 1593 e dedicada pelo poeta a Henry Wriothesley, Conde de Southampton, como "a primeira desova de minha inteligência": tudo permite, portanto, assumir que é o primeiro livro publicado por Shakespeare. Vênus, no amor com o jovem Adonis, retraído é retornado para o jogo e tenta seduzi-lo, sem sucesso; Ele pergunta quem são no dia seguinte, mas Adonis quer ir à caça de javali. Em vão a deusa tenta dissuadi-lo. Dia de chegada, Venus ouve ladrar cães de Adonis, e cheio de terror, vai em busca do amado, morto pela besta.
O trabalho tem um ar de família com o contemporâneo herói e Leander de Marlowe (1564-1593) e Scillaes metamorfose do Lodge (fazer 1558? - 1625), que pode ter sugerido medidor de Shakespeare (estrofe de seis poemas com rima ababcc). Está em tudo e tudo infundido com o sabor do tempo. Sua série de dados voluptuosa postovidianos dirigia-se para um público bem definido de cortesãos "italianizada". Um muito meticuloso e ar de alejandrinismo conceptualist emerge este trabalho do Adonis de Marino (1569-1625): ambos usam pelas mesmas razões, como o javali que não pretende machucar o lado de Adonis, mas apenas beijá-lo, motivo que se repete no pseudoteocriteo muito pequeno poema sobre o Adonis morto.

Visão geral e Resumo: o estupro de Lucrécia

Este poema de William Shakespeare foi publicada em 1594 e dedicado a Henry Wriothesley, Conde de Southampton. O poema narra uma razão da tradição: estuprada pelo sexto Tarquino, Lucrecia pede a seu pai e marido Colatino que vingá-lo e comete suicídio. O poema, em estrofes de sete versos, termina no momento em que bruto e Colatino são arranjados para transportar o cadáver da Lucrécia por Roma, para incentivar os romanos para expulsar Tarquino. Enquanto em Vênus e Adônis , um jovem casto foi seduzida por um perito, aqui, uma mulher casta foi estuprada por um libertino.
O trabalho visa o mesmo público cortesão para quem outros países o Veronese e Ticiano tinham pintado lindos e lânguidas mulheres nuas no sonho e convite amoroso. Domina a Praça licenciosa: através dos olhos de Tarquino, que levanta as cortinas da cama, ver dormindo Lucretia, visão da brancura do pó de alabastro só sombreado por veias azuis. Personagens executadas, implorar e imprecan, mas entre a cintilação da retórica não é alcançado para notar que foi um grande gênio trágico.

Visão geral e Resumo: Henrique VI

Este drama histórico em três partes de cinco actos, em verso com fragmentos em prosa, foi escrito por Shakespeare no período 1590-92. A segunda parte apareceu anonimamente em 1594, tomando como um título de luta entre as duas famosas casas de York e Lancaster. A terceira parte apareceu em 1595 e foi intitulado a verdadeira tragédia de Ricardo Duque de York e a morte do bom rei Enrique VI. As três partes foram publicadas em 1623, no first Folio de Shakespeare; nesta edição, a segunda e terceira partes apresentam alterações parciais no texto.
O drama é baseado nas crônicas de Holinshed (1577), mas também Halle, Fabyan, Grafton e Stowe poderiam ter sido consultado. A primeira parte é as guerras da França nos primeiros anos do Enrique VI, da libertação de Orléans por parte dos franceses e a expulsão de quase todos os ingleses da França. Os franceses são guiados por Juana de Arco, representado como as tropas inglês poderiam vê-lo: dos desenhos animados violentos, meio-bruxa e meia-prostituta. O herói inglês, que se opõe a ele é Talbot, que, até à sua morte, perto de Bordeaux, deixa na sombra, com os outros capitães.
Os eventos que ocorrem na Inglaterra são as diferenças entre os nobres e o início da luta entre York e Lancaster. A segunda parte coloca em casamento importante de cena de Henry com Margarita de Anjou, as intrigas da facção de York e outros episódios históricos, incluindo a revolta de Jack Cade, a batalha de St Albans (1455) e a morte de Somerset. A terceira parte compreende desde a demissão de Henry para a sucessão do trono a favor do Duque de York e a rebelião da rainha Margaret para a ser deserdado o seu filho até a batalha de Tewkesbury, em 1471. Henrique VI é assassinado por Richard, Duque de Gloucester, o futuro Ricardo III, cujo caráter é já descrito aqui.
Juventude, Henrique VI dificilmente difere, por seu estilo, os dramas contemporâneos, então, ofereceu um jogo fácil para o divisionista de Shakespeare, que queria descobrir a mão de Marlowe, Kyd, Peele, Geene, Lodge ou Nashe além de Shakespeare, que seria apenas o revisor de um trabalho existente. Não excluindo esta hipótese, deve ser mantido em mente, no entanto, que um estilo de iniciante é sempre eco de ações e outras frases. Muitos dos procedimentos retóricos que são tão característicos do Richard III também estão aqui, mas em menor escala, em meio a grandes áreas desprovidas de decorações.
Os personagens, que são muitos, já mostrando sinais de caracterização robusta e algumas cenas são de alta eficiência, como aquele em que o rei visite o Cardeal que, no final de sua vida, é assombrado pelo remorso, breve cena que Schlegel julgado sublime. No episódio da rebelião Cade a mistura de terror e ridículo oferecendo embriaguez sem lei da multidão está bem pintada.

Visão geral e Resumo: muito barulho por nada

Traduzido frequentemente como Muito barulho por nada, esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi escrita na forma em que podemos aguentar em 1598, mas provavelmente tinha um primeiro rascunho da juventude do autor. Ele foi impresso em 1600 e 1623.
O motivo central dramático, do amante levou a decepção por meio de uma pessoa que adota a semelhança de sua amada (antiga que já está nas aventuras de Quereas e Calírroe, de Afrodisia Chariton), extraído de Shakespeare os romances de Matteo Bandello (romance XXII), na versão do François de Belleforest (Histoires Tragiques, III 1569) e o Orlando Furioso de Ludovico Ariosto (história de Ginevra e Ariodante). Discussões afiadas de Beatriz e Benedito parecem inspiradas no Gaspare Pallavicino e Emilia Pia em o cortesão , de Baldassare Castiglione, traduzido pelo senhor Thomas Hoby em 1561.
O Príncipe de Aragão, Dom Pedro, cuja comitiva inclui Claudio e Benedict, vem visitar Leonato, governador de Messina, pai do herói e tio de Beatriz. Claudio apaixona-se com o herói e seu casamento está acordado. O alegre e aguda Beatriz e Bento, espirituoso e impenitente solteiro, é encarnizan no ataque, com sua provocação; amigos decidem fazer que caem no amor e fazê-los então Benedict surpreso uma conversa em que o Príncipe e Claudio falam de um suposta amor secreto de Beatriz para ele e surpresas Beatriz uma confiança semelhante sobre o amor que Benedict parece que alimentá-lo em segredo.

Kenneth Branagh e Emma Thompson (Beatriz)
(Benedict) na versão cinematográfica
dirigido pelo próprio Branagh (1993)
Então amigos Imaginem para ser arquitetos da derrota dos adversários do casamento; Mas assediar já está no que foi o germe de uma inclinação secreta. Don Juan, o irmão bastardo Príncipe e recentemente se reconciliou com ele, é um soberbo e perverso; inveja do favor que Claudio hotel está perto de seu irmão, imagine uma decepção para destruir esse casamento: Borrachio, seu servo, será apresentado à noite sob a janela do herói e a janela que pairarão, vestida com a roupa do herói, Margaret, a empregada de herói do empresa, que é apaixonado por Borrachio; o Príncipe e Claudio participam do Colóquio de longe.
Este é o caso com a cumplicidade involuntária de Margarita, que, curativo em herói, acha que ceder a um baile de máscaras inocente. Claudio e o príncipe são profundamente impressionado, e o dia do casamento revelam o comportamento do jovem na igreja. Herói desmaia. Conselho de Frei Francisco, o que é certo da inocência de Hero, Leonato espalhar o rumor que a jovem tenha morrido e Benedict, estimulado por Beatriz, desafia a Claudio por ter caluniado um herói.
Enquanto isso, Borrachio, bêbado, confessa a decepção de um companheiro e é ouvida pelos guardas da noite redonda, comandada por dois oficiais grotescos da polícia, rosas selvagens e Verges, dando origem a algumas esquetes com suas bobagens e sua incompetência infantil. Borrachio é preso e revela-se com o Príncipe e Claudio de artifício que foram vítimas.
Claudio ofertas reparar Leonato e recomendou-o para casar com um primo de herói em vez dos supostos mortos. Na época do casamento, a esposa descobre ser herói em pessoa. Bento e Beatriz também é casado, e sua acuidade petulante não abandona-los mesmo diante do altar. Don Juan, que tinham fugido de Messina, é preso e será punido.
Mesmo que o herói-Claudio entrelaçamento visivelmente é o tema principal do trabalho, com a cena melodramática da igreja e o efeito final dos mortos fingiu que gera (repetida, juntamente com outras características desta comédia, no conto de inverno), isto não constitui a parte viva do trabalho. Tal um aspecto da trama é um tanto enfraquecido pela circunstância de que as paixões despertadas devem harmonizar com o clima de uma comédia; Então, por exemplo, fingiu a cena do Colóquio, vislumbrada para desonrar o herói, é referido apenas brevemente, a personagem sinistro de don Juan é só apontou e Claudio, em vez de ser movida com um desespero relembram a Troilo em tal situação (a ir a menos que eles vêem o amor do Simpósio da mulher amada que torna traição) É mecânico e desumano em sua mudança de caráter para a trama exige.
As cenas de vida verdadeiramente são aqueles desenvolvidos entre Bento e Beatriz, que muito se assemelha a par de Biron-Rosalina em trabalhos de amor perdidos. Enquanto seus humorísticos frases não são típicas do gosto moderno, seu brio nos conquista; Não são todos os personagens de quadrinhos, como a devoção de Beatriz pelo herói e sua indignação e a diligência com que Benedict está empenhado em servi-lo desafiando Claudius, emprestam aquela porção de seriedade que é suficiente para representá-los seres humanos completos. São cenas também muito engraçadas, cujo caráter é farsa líquida, no qual são colocadas em ridículos policiais; uma frase de rosas selvagens, que se queixa que o funcionário não colocou em seu relatório que um dos detidos tem chamou o rabo, tornou-se proverbial: "hoi, se ele estivesse aqui para escrever o que eu sou um idiota!".

Visão geral e Resumo: como Você Gosta

Esta comédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi provavelmente escrita em 1599 e publicada no infolio de 1623. A fonte é a novela Rosalinda ou o legado de ouro de Eufue (1590), Thomas Lodge (fazer 1558? - 1625), que por sua vez deriva em parte o Conto de Gamelyn, atribuída a Geoffrey Chaucer (1340-1400/45).
Frederico usurpou o domínio de seu irmão, o Duque, que, com seus filhos, retirou-se para a floresta das Ardenas (o Homonymy quase com a floresta de Arden em Inglaterra fez a Shakespeare, criando o ambiente, achei especialmente neste). Celia, filha de Frederico e Rosalind, filha do Duque banido, que, pelo grande afeto que une isto à Celia, tem permissão de estadia no tribunal, assistir a uma luta na qual Orlando, filho de sir Rowland de Boys, derrotar um campeão de luta livre; Após a partida, Rosalind e Orlando se apaixonou.
Orlando, até a morte de seu pai, foi confiada a seu irmão mais velho, Oliver, que o abandonou, forçando-o a viver entre a parte inferior e, finalmente, foi expulso de sua casa. Frederico, em vez de felicitar o vencedor da luta, descobre que ele é o filho de um amigo o banido Duke, entra as suspeitas e Orlando é forçado a fugir.

Laurence Olivier, Sophie Stewart e Elisabeth Bergner
na versão cinematográfica de como quiser (1936)
Também Rosalind, banida por Frederico, se afasta, e Celia acompanha; o primeiro é disfarçado de aldeão e leva o nome de Ganimedes, o último finge ser sua irmã Aliena. Na floresta das Ardenas são com o Orlando, que se reuniu com o exilado Duque e ganha o fingido de Ganimedes, a confiança de Orlando. Oliver vai para a floresta com a intenção de matar seu irmão Orlando, de acordo com a instituição de Frederico; Mas salvou de uma leoa por intervenção de seu irmão, ele experimenta remorso por suas intenções cruéis; Ele se apaixona por Aliena e decide se casar com ela.
Ganimedes, por seu turno, promessas para Orlando para ir (através de suas artes mágicas) Rosalind Então tomá-la como uma mulher. Quando os casais estão reunidos na presença do Duque banido para celebrar casamentos (também são Phoebe e Silvio, típico casal pastoral e a aldeia de Piedradetoque bobo Ruda Audrey), Celia e Rosalind abandonam o disfarce. Entretanto, vem a notícia de que Frederick, enquanto foi com forças armadas para eliminar o Duque exilado e seus capangas, encontrou uma eremita venerável que tem induziram-na arrepender-se e para retornar o ducado a seu irmão, se retirando do mundo.
O enredo é simples e a psicologia dos personagens principais nesta comédia é mal desenhada, com exceção o contemplativo Jacques, que combina a astúcia e melancolia e o bobo da corte Piedradetoque. Mais do que personagens, são Estados de espírito, todas as nuances da paixão de amor que pode ser objecto de comédia, sobre o fundo escuro da floresta. Drama é como um tapete verde cheio de cenas de floresta próspera e figuras humanas são subordinadas ao grande espírito da floresta. Nesta atmosfera de Park está presente em todos os episódios e destaques nos poemas encantadores contendo o trabalho.
As convenções de pastorais de italiano do século XVI e obrigado e truques das conversações culturas adquirem frescor não utilizado no ambiente natural, que é profundamente sentido pelo poeta. Os homens deixaram atrás deles, na cidade, a ambição, inveja, ganância, todas as paixões baixas que infectam a vida da corte, por apenas amor. Juntos no círculo mágico da floresta, os ímpios (Oliver e Frederico, ferozmente contra seus respectivos irmãos) são ganhas por arrependimento e bondade. Assim, neste drama encantador insinuou uma razão pela qual será o tema central de A tempestade: a natureza parece conspirar com as forças do bem para domar os homens ferozes e fazê-los cair mãos espadas fratricida.

Visão geral e Resumo: noite da Epifania

Com este título e, também, a décima segunda noite tem sido tradicionalmente traduzido do trabalho de noite de reis ou o que quiser (décima segunda noite, ou o que você quer). Esta comédia em cinco actos e em verso e prosa foi escrita para os anos 1599-1600, representado talvez na noite da Epifania da 1600 e publicada na infolio de 1623.
John Manningham, que viu a comédia representada na celebração anual dos advogados no templo por Candelária de 1601, comparou-o em seu diário para um drama italiano de golpes. Presume-se que é o Dupes do acadêmico entronizado (1537), que é a fonte de Bandello, Novelle, II, 36 (traduzido por Belleforest, Histoires tragiques, IV, 59), que por sua vez derivada do conto "Apolônio e Sila" adeus à profissão militar de Barnabe Riche (1581). Shakespeare provavelmente foi definido no último por causa do naufrágio. O enganou foram traduzidos para o francês por Charles Estienne intitulado Les Abusés (Lyons, 1543). Os dupes são Malevolti e Fabio, nomes que podem ser aproximadas respectivamente à Shakespeare Aguecheek e Fabian. A razão para a senhora disfarçada como uma página, bastante usual, aparece em outras obras que Shakespeare pode ter visto; por exemplo, Parismus de Emanuel Forde (1598), onde o naufrágio e os nomes de Olivia e violeta.
Dois gêmeos parecidisimos, Sebastian e Viola, são separados por um navio naufragado a costa da Ilíria. Viola, levado para a praia em um barco, é usado como uma página com o nome de Cesario, junto com o Duke Orsino, no amor com a Condessa Olivia, rejeitando, no entanto, seu amor e vidas isoladas devido ao luto pelo seu irmão.
Orsino é confiada a Viola-Cesario e envia-lo para interceder em seu nome perto de Olivia, com grande tormento, por outro lado, porque Viola tem caído no amor com Orsino. Olivia, por sua vez, se apaixona com Viola-Cesario. Entretanto o Sebastian, que durante o naufrágio tem sido ajudado por um navio comandado por Antonio, vem com isso de Illyria.
Junto a sentimental e romântico intriga desenvolve outro satírico, que se originou no círculo da Condessa Olivia: a rivalidade entre o prefeito Malvolio, puritano, austero e soberbo e a empresa Boêmia de sir Toby Belch, tio da Condessa, borrachín duro e espadachim; Senhor Andrew Aguecheek (o nome pode corresponder, como lhe foi dito, o Malevolti nos dupes), vaidoso, litigantes e covarde, cavalheiro, que aspira à mão da Condessa; A pequena Maria, a dama de companhia, de estatura, mas cheio de sagacidade e bobo Feste, que zomba de tudo, até mesmo o luto da Condessa.
Este último, a mando de Maria, para passar uma brincadeira para Malvolio enviando-lhe uma falsa carta de amor da Condessa, portanto Malvolio afeta as atitudes e sequestro estranho, acreditando assim por favor seu amante; Mas consegue o efeito contrário e está trancado como um louco em um quarto vago.
Viola-Cesario, desafiado por sir Andrew por iniciativa do senhor Toby (um desafio que ambos os contendores competem ter medo), é salvo de conflito por Antonio, alterá-la por Sebastian. Antonio, preso por causa de um rancor sente por ele que o Duke Orsino, Viola-Cesario solicita um saco que ele confiou para Sebastian e acusado de ingratidão ao seu amigo alegado, o que obviamente não sabe nada do saco.
Olivia, uma reunião com Sebastian, tomado por Cesario, convida-o para sua casa e oferece o seu amor e, com o consentimento do Cesario, casa-se com ele. Orsino vai para visitar Olivia; Antonio é levado à sua presença acorrentada e argumenta que Cesário é o jovem salvo por ele, enquanto Olivia argumenta que ele é seu marido. O Duque, indignado, destitui o curso hipócrita Cesario e Olivia quando da chegada de Sebastian esclarece o mal-entendido. O Duque, para perceber o amor de Viola, que abandonou o terno masculino, direciona sua afeição e eles se casam.
A intriga, o fundo e a atmosfera alegre e satírica comédia tem muitos pontos de contato com o que quiser e ainda mais assim com a comédia dos erros. O incidente (naufrágio, irmã de irmão e irmã idêntico e com raiva dos homens, chamado traje que seja fechada), é uma recapitulação deliciosa de Shakespeare em quadrinhos questão e contém algumas das cenas mais brilhantes do dramaturgo, como do segundo ato, onde o cômico e o mix emocional com o requintado sabor e equilíbrio e, depois de ter insinuado a tragédia (amor de Olivia por Viola-Cesario) Cai a farsa completa (provocação para Malvolio).
Destaca-se especialmente a cena entre Viola e Orsino, com sua atmosfera de paixão ardente e tímido que exalta em um sonho impossível, e que Shakespeare já tinha delineado nos dois hidalgos de Verona. Três últimos atos, mas não participa na atmosfera cênica do segundo, do ponto de vista cênico têm a capacidade das melhores farsas de Molière.
Entre os personagens, alguns são pré-fixados, incentivado pelo mestre Shakespeare, como o Duque de Orsino, no amor com amor, lânguida e bajulação, o clássico "dor" ou a Condessa Olivia, também um sentimental, tomando atitudes de irmã inconsolável e rendimentos para o primeiro tremor de simpatia. São também Senhor taxa fixa Toby, senhor Andrew, bobo da corte e, em certo sentido, Malvolio, quem gostou tanto no século XVII que Carlos salientei na edição como o mais importante personagem do drama; Mas a figura da Viola é a grande criação desta obra de Shakespeare.

Visão geral e Resumo: Richard II

Este drama histórico em cinco actos, em verso, cujo título original é A tragédia do rei Ricardo II, talvez foi escrito em torno de 1595-96, publicada no em-cuarto em 1597, 1598, 1608 e 1615 e eu Folio em 1623. Sua principal fonte é Holinshed crônica em sua segunda edição (1587), porque a quarta cena do segundo ato usa uma passagem que não está incluída na edição de 1577. Outras fontes são a crônica de Hall, Daniel S. guerras civis e a tradução em inglês (de Berneray) crônica sobre a traição e a morte de Ricardo II de Inglaterra, atribuída a Jean Le Beau.
Até algum tempo atrás, acreditava-se ver a influência de Christopher Marlowe (1564-1593), a propósito de usar as crônicas neste drama. A revisão mais recente acredita, por outro lado, a segunda e a terceira parte do Shakespeare Do Henry VI precedem Marlowe Edward II (1592); para que Shakespeare teria sido o primeiro a começar este tipo de drama e Marlowe, embora tivesse alguma influência sobre ele, neste caso recebeu sua influência, levando a idéia de dramatizando as crônicas. É no entanto verdade que o personagem de Ricardo II oferece analogias com o Eduardo II.
O drama é os principais episódios no governo de Ricardo II. O rei Ricardo banishes arbitrariamente para Henry, apelidado de Bolingbroke, filho de Juan de Gante e Thomas Moebray, Duque de Norfolk; Se neste caso o fraco rei satisfeito em suas atitudes e intoxicado no exercício do poder, pouco tempo depois, aos apelos de Juan de Gante, atenua a frase de Bolingbroke, querendo se gabar do soberano magnânimo.
A notícia da doença de Juan de Gante revela um outro aspecto do caráter do rei: Ricardo é esmagar o cérebro para ver como conseguir mais dinheiro com seus súditos, e a morte de João oferece-lhe uma magnífica oportunidade para trazer um registro de confisco e ficar com os bens do falecido.
Enquanto o rei está na Irlanda, Bolingbroke invade Inglaterra com as forças rebeldes. O rei retorna, destrói em imprecações contra seus inimigos e rastrear um augusto ideal um retrato de caráter soberano, como superior a inconstância das instituições humanas, ser protegido de céu instrui seus anjos para lutar por ele; Mas tem vista para o aviltamento de exaltação, de acordo com o teor das notícias que você obter. Finalmente, retira-se no Castelo de Flint, posando como vítima dos traidores.
O Earl de Northumberland, vindo a Parlamentação, assegura-lhe que Bolingbroke só pede o que lhe pertence, e o rei concedeu uma entrevista, que vem à tona e sujeitos. Bolingbroke entra triunfalmente em Londres, proclamado rei sob o nome de Enrique IV. Na cena famosa de deposição (ato IV, cena l), Ricardo é igualado com Cristo. É verdade que, como observado por Walter Pater, esta cena tem toda a solenidade do ritual da missa e todo o drama certamente está investido de significado simbólico: a agonia e a morte de Deus, sacrificado no altar. Confinado no Castelo de Pomfret, Ricardo é morto.
O drama, bem como uma revisão viva dos acontecimentos políticos, mais sutilmente do que outros dramas históricos de Shakespeare, é o estudo de uma alma que parece já anunciar que de Hamlet. Com os fracos e fascinantes soberanos contrastes o hábil, nada sentimental Bolingbroke, que, enquanto ele finge querer apenas proteger os direitos de herança, já comporta-se como um rei, mostrando as qualidades da sabedoria, a moderação e a resistência que deve fazê-lo do trono. Este contraste eficiente, o drama sempre foi muito bem sucedido e é digno do criador de Hamlet e Rei Lear.

Visão geral e Resumo: Henry V

Este drama histórico em cinco actos e em prosa e verso de William Shakespeare foi representado em 1599, imperfeitamente publicado em 1600 e corretamente no Folio de 1623. É baseado na crônica de Holinshed e a última parte da famosas vitórias de Henrique quinto. Durante o quinto ato (v. 31) é a referência somente direta de Shakespeare para eventos contemporâneos (expedição de Essex para a Irlanda, 27 de março-28 de setembro de 1599).
Henrique V claramente é o herói favorito de Shakespeare; É decorada com virtudes reais e cavalheiresca, mostra-lhe honesto, corajoso, cortês e, no meio dos feitos heróicos, sempre inclinado a qualquer malícia inocente que recorda sua juventude do Príncipe de Gales, companheiro de Falstaff. O evento só notável na vida deste rei foi a invasão da França; Mas a guerra, como só observou Schlegel, prefiro é questão de que o drama épico.
Foi você, porque Shakespeare ao invés de tornar-se um acontecimento dramático, mostrando a derrota moral da cena. Colocar em contraste a leveza impaciente de generais franceses, já vitoriosos se consideravam antes da batalha de Agincourt (1415), com a firme atitude do rei inglês e seu exército, reduzido a um fim desesperado, tomar a resolução de morrer com honra.
Contrastando o caráter de ambas as nações com parcialidade manifesta, Shakespeare Obtém um efeito dramático pretendido para entusiasmar o público Inglês, enquanto os episódios em quadrinhos também conspirou para o objetivo patriótico, mostrando sob as bandeiras de Enrique um galês, ardente irlandês e um escocês lento pedante, mas cheio de honra, cada um dos quais fala deformando os ingleses com suas respectivas características dialectais. E para excitar a imaginação dos espectadores são líricos prólogos (chamados "coros") para cada ato, que especificamente descreve a aparência de ambos os campos antes da batalha.
No guerreiro episódio concentra-se todo o interesse do drama, sendo os outros episódios, sua preparação (triunfo sobre os obstáculos que se interpõem na carreira de Enrique V; detenção de lord Scroop, senhor Thomas Grey e o Earl de Cambridge por traição) e conseqüências (Henry, para consolidar suas conquistas em França, decide se casar com uma princesa francesa e Catherine Woo da França (, episódio que é tingido em ironia, uma vez que o fruto do casamento foi o fraco Enrique VI, sob o qual os assuntos públicos foram de mal a pior).
Entre os episódios em quadrinhos devemos lembrar que esse fanfarrão pistola exige o irascível Galês Fluellen comer alho-poró (emblema galês), que teria tornado escárnio (daí a frase proverbial "comer o vazamento", recebendo um insulto). A morte de Falstaff é narrada pela senhora rapidamente. Henrique V é um drama único na carreira de Shakespeare. Nacional mais épico do que drama, esplendor retórico é sua principal característica.

Visão geral e Resumo: as alegres Comadres de Windsor

Esta comédia em cinco actos, em prosa, com algumas peças em verso, de William Shakespeare, foi escrita provavelmente em 1598, publicado em edições "in quarto", em 1602, 1619 e 1630 e na edição "Fólio", em 1623. O texto de 1602 é incompleto.
Segundo uma tradição, a obra foi escrita em quinze dias, a pedido da Rainha Elizabeth, que desejavam ver no palco a Falstaff no amor. No entanto, parece não ser uma mera improvisação, por Shakespeare usou uma comédia já existentes no repertório da sua empresa. É a comédia o ciumenta, representado em 1593 e baseado em uma narração italiana (o segundo do primeiro livro do Il Pecorone), onde a razão para o amante escondida em uma peça de mobiliário, comum no romance italiano, assume a forma de homem "escondida sob uma pilha de roupa suja".
Em vários de seus personagens têm queria ver caricaturas de pessoas realmente existentes. Assim, retratos de Abraão superficial e estúpido juiz Delgado sobrinho poderia ter por modelo de Sir Thomas Luey de Charlecote, perto de Stratford, o que, acredita-se, que tenham exercido a Shakespeare quando era jovem por tem caçado furtivamente em suas terras, cuja veracidade é questionável.
Comédia é o link para duas razões: a Falstaff que corteja dois ricos burguês de Windsor que zombar dele e Anne Page, que os pais querem se casar. Falstaff, sendo a falta de dinheiro, decide cortejar as mulheres da Ford e Page, burguês de Windsor, uma vez que eles governam o fluxo de seus maridos.
Falstaff envia cartas galantes idênticas às duas esposas, que decidem vingar-se dele. Por outro lado, Nym e pistola, os cúmplices de Falstaff, despechados porque é tem sido removido, por favor, informe sobre os maridos. Página não está se movendo, e Ford é feliz com a possibilidade de captura "em flagrante" sua esposa.
Falstaff é primeiro visitado pela senhora rapidamente, servo do doutor Cajus, responsável por interpretar o papel de parede festa de duas senhoras; Isto assegura a Falstaff que ambas as mulheres não querem, mas por favor. Ele então recebe a visita de Ford disfarçado com as roupas do Ribeiro, que está fingindo ser louco amor pela Sra. Ford e Falstaff promete uma recompensa esplêndida se isso te ajuda a conquistá-la. Falstaff revela que ele tem um compromisso com a Sra. Ford e promessas, em seguida, atribua o site para Brook. Durante a simulação citação Ford é apresentado com uma multidão de amigos para testemunha o adultério e Falstaff para escondê-lo rapidamente e correndo em uma grande cesta de roupa suja e em seguida é lançada com todas as roupas para os sedimentos do rio.
Em uma segunda nomeação Falstaff está vestida como uma mulher gorda e como tal fortemente espancados pela Ford. Também o marido ciumento é gozado duas vezes, mas finalmente eles descobriram a trama e dar um Falstaff citado ontem na floresta de Windsor, onde afirma que ataque ele e pitada empacotados e Pixies e, finalmente, que ele é desmascarado por Ford e página.
O enredo secundário representa o namoro de Anne, filha da página, por três pretendentes, o médico Camilo, médico francês; Delgado (um nome que poderia ser traduzido por "Emagrecido" ou "Enclenque"), sobrinho de bobo do juiz superficial (cujo equivalente seria "Light"); e Fenton, um jovem extravagante, amado por Anne. Madonna rapidamente (como dizem Lady "rapidamente e funcionando"), fazer de mediador entre os três e isso incentiva-los iguais. Sir Hugh Evans, Galês padre, fica em favor de Delgado e é desafiado por Caius, mas as hostilidades são reduzidas que maltratam o idioma inglês, um galês e francês.
A última nomeação dada a Falstaff na floresta, Page, favorecendo Delgado, tem este raptar sua filha, o que vai vestir branco, enquanto a página de Lady, que protege o médico, tem sua filha vista verde, e ser sequestrada pela. Mas quando chegar a hora os dois pretendentes são mãos um disfarçado como um menino, enquanto a real Anne fugiu com Fenton, com quem ele quer casar.
Alguns têm queria ver nesta comédia, uma espécie de "fabliau" encenado com todas as características do gênero um pouco Shyamalan: retratos realistas, desajeitados maneiras, falta de respeito para o casamento, prazer burguês em maltratar um Patrício mulherengo... Talvez porque estes elementos mais continentais do que o inglês e, sobretudo, a base do tema sensual e a caricatura de corno, esta comédia que não há muita contrariedade entre os críticos de inglês do século XIX; Enquanto em nossas cenas, desenvolvendo temas brilhantes do romance italiano, é divertido e fácil cuidado. Peça hábil, porém sofre sua composição apressada, muitas vezes compensada com um brilho extraordinário.

Visão geral e Resumo: Coriolano

Esta tragédia em cinco actos, em verso e prosa, de William Shakespeare foi escrita em 1607-1608, provavelmente representada no início de 1608 e impresso em 1623 infolio. A fonte é a vida de Coriolano nas vidas paralelas de Plutarch, Shakespeare Leia a tradução de Thomas North (1579), fez sobre o francês de Jacques Amyot.
Cayo Marcio, soberbo general romano, devido as maravilhas da coragem na guerra contra os Volscos e tomar a cidade de Corioli, recebe o apelido de Coriolano. Em seu retorno a Roma, o Senado pretende ser nomeado cônsul, mas atitude arrogante e desdenhoso em direção a população torna impopular e, apesar dos esforços de Menenius Agrippa, os tribunos obter seu exílio.
Seu inimigo acérrimo; casa de Tulo Aufidio, geral dos volscos, endereços É calorosamente recebido e colocado na cabeça dos volscos para vingar-se dos romanos. Coriolano alcançar as paredes da cidade e os romanos, para salvá-lo da destruição, enviada para seus companheiros velhos amigos com raiva, que instigam a concordar, mas em vão. Finalmente, a mãe de Coriolano, Volumnia, sua esposa Ana e seu filho vai implorar-lhe para salvar a cidade. Rende-se a suas súplicas, conclui um tratado favorável para os Volscos e retorna com eles para a cidade de Anzio. Lá, o general dos volscos acusa-o de ter traído os interesses do povo e, com a ajuda de conspiradores, faz você matar em praça pública.
Shakespeare seguiu fielmente as fontes, no argumento, no estilo (semelhanças e expressões do texto do Norte são os versos de Shakespeare) e na caracterização do protagonista. O caráter de Aufidio é também encontrado no Plutarch; Shakespeare atribuída a arte Volumnia da dissimulação e baseia esta razão segundo terceiro ato, bastante famosa cena em que tenta convencer seu filho a isso oculta para o consulado. Virgilia e Menenius quase inteiramente são criações de Shakespeare.
O dramaturgo concentra todo o interesse no protagonista, enriquecendo-se com muitos detalhes a história plutarquiano e destacando este personagem em contraste com a multidão, cuja loucura e inconstância representa, para transformar um episódio histórico que terminou a luta dos princípios em caricatura e amarga oposição entre uma alma de patricio foi fechada pelo orgulho e suscetível a alma vazia e em massa.
Mais do que tragédia, Coriolano é um drama histórico, mas um gênero muito particular; O elemento do satírico e grotescos (como na cena em que Coriolano tem que implorar aos votos dos plebeus e arrebatando-os com uma atitude de rebeldia, ao invés de humildade) tem um grande alívio, e este aspecto, bem como a figura do zumbón Menenius, faz pensar que o drama de ambíguo que Troilus e Cressida, onde conflitos internos dos protagonistas não são pintados.
Na realidade não há conflito em Coriolano (rendimentos para as orações dos amados sem luta interna: como recolher a momentâneo de um mundo que refazer em breve na sua coesão), mas é um evento histórico que serve para ilustrar a vaidade e a loucura dos homens, cujas ações e reações parecem ter algo automático que os torna simultaneamente risível e sinistro. A impressão que nos deixa drama está contida em poucas palavras de Menenius (ato V, SC. 4): "quando andar (Coriolano) move-se como uma máquina de guerra..." "Sua voz é uma sentença de funeral, o murmúrio de um rolo de bateria". É um drama áspero e estridente, pobre cor e calor e no entanto, robusto e "Romana" em sua amargura.

Visão geral e Resumo: Timon de Atenas

Este drama em cinco actos, em verso e prosa, foi escrito por Shakespeare provavelmente em 1608 e publicado no infolio , de 1623; Não há nenhuma memória que foi representada durante o reinado de Jacobo eu. A concepção do drama é verdadeiramente Shakespeare e existem passagens que mostram afinidade com Rei Lear, mas tais cenas não devem ser consideradas pela mão de Shakespeare na forma em que temos recebido.
O drama é tomado diretamente leme por Luciano, que lá foram não há versões em inglês; Houve, no entanto, um italiano e um francês Filbert Bretin (1582). Suas afinidades com um drama acadêmico inglês, leme (cerca de 1581-1590), deveria lhes explicar como motivado pelo uso da mesma fonte de origem lucianesque, desde que leme manuscrito inglês manteve-se e não parece provável que Shakespeare poderia vê-lo. É possível que a origem é italiana, mas não é o leme de Matteo Maria Boiardo nem de Galeotto del Carretto.
O enredo do drama é simples e está dividido em diferentes seções. Nas primeiras cenas leme mostra liberal, esplêndido, amando a alegria e é cortejado pela adulação de seus favoritos, cujos dons devolve com recompensas extravagante. Em vão o Flavio, mordomo, esforça-se para atrair a atenção de seu Senhor, para expor seu deplorável estado financeiro.
Preso em dívidas, comandos de leme convidam pérfidas parasitas para um banquete de ontem e quando eles já acreditam que suas exigências por dinheiro não eram mais do que um artifício para testar sua amizade, leme dramaticamente descobrir os pratos, cheios de água quente, e cobrindo-os com insultos lança-los no rosto. Amaldiçoando a cidade, leme, retira-se para viver uma vida solitária e misántropa em uma caverna e quando Remove o chão para encontrar raízes que nutrem, encontra um tesouro.
Desprezando a ouro, entrega de Alcibíades, que se haviam rebelado contra Atenas para ter esta mostrado ingrato para seus serviços (caso semelhante da ingratidão do favorecido por Timon), para que com isso você paga os soldados destinados a destruir a cidade. Dá além disso parte do tesouro para as cortesãs Phyrne e Timandra assim que infectam com seu contágio para a juventude de Atenas, os bandidos que matam, e finalmente a sua fiel mordomo Flavio, o único que permanece fiel, viver longe do consórcio de homens.
A amargura de leme desahoga em um diálogo com o cínico Apemanto: ambos rivalizam em misantropia, mas o filósofo responde ao leme foram abraçado pela necessidade para o tipo de vida que ele voluntariamente escolhido. Os senadores de Atenas, sob a ameaça das tropas de Alcibíades, vir a implorar ao leme para trazê-lo de volta para a cidade, que promete reparar os danos que ele causou. Mas Timon ludibria-los oferecendo-lhes a árvore ao lado da caverna que eles ser enforcado nele. Finalmente, depois de ter seu epitáfio, ele morre. Alcibíades, quando os dois entraram em Atenas como o vencedor, promete pagar a honra a seu túmulo, nas margens do mar.
O drama tem uma simplicidade e um perfil de representação medieval. O personagem do leme é um mero paradigma, a partir de uma alegoria; cenas de adulação primeiro, em seguida, repúdio e, finalmente, invectiva, multiplicar com medieval uma monotonia e asseio. Mas o significado do drama é só na sátira de costumes e de ingratidão humana, de acordo com a nova moda satírica que triunfou na Inglaterra sob Jacobo eu e encontrou seguidores entre os dramaturgos como Ben Jonson (1572-1637) e J. Marston (1576-1634).

Visão geral e Resumo: Troilo e Créssida

Este drama em cinco actos e em verso e prosa foi escrito por Shakespeare em torno do ano de 1602. Impresso no quarto apareceu no ano de 1609 e no eu Folio de 1623, cuja lista de obras não listado título; o texto está localizado após a dramas históricos e tragédias antes. A descontinuidade entre as cenas Troianas e o campo grego e o contraste entre o estado de guerra que caracterizou a primeira e a trégua pressupunha por este último, ter dado um pretexto para alguns críticos que acreditavam ver diferenças de estilo, mostrando a diversidade das mãos ou datas.
Direta ou indiretamente este drama baby em quatro fontes: o poema Troilus e Cressida de Chaucer; John Lydgate (1373-1451?) o site de Tróia ou as histórias da coleção Troy de William Caxton (fazer 1422? - 1491), ambos derivados da história de Tróia de Guido delle Colonne, para as partes que se referem às cenas de guerra; O testamento de Criseida Henryson; e finalmente o Homer (a menos que pode especificar como Shakespeare deve conhecer o conteúdo do poema homérico) para a caracterização dos heróis gregos e a introdução de Tersites.
Da mesma forma que Chaucer, mediante o cínico e sensual Filostrato, remonta à fórmula medieval do amor cortês, Shakespeare, através da cavalaria e sentimental Troilo e Créssida de Chaucer, remonta ao espírito do Filostrato. Com suas fundações medievais, os fragmentos do classicismo grego e sua fachada típica do século XVI, drama de Shakespeare, é a mais variada de todo o seu teatro.
Dá o título para o drama a bem conhecida história do amor do jovem Troilo pela consumar paquera Cressida (Criseida), que, mais inclinados a intriga, pretende dar-se com grande desgosto por insistência de seu tio Pándaro e mais tarde, enviou seu pai Calcante entre os gregos, em uma troca de prisioneiros, não tem nenhum escrúpulo conseguir paquerar então Diomedes.
Ulisses-guiada, Troilo surpreende loja decalques, ao lado do simpósio no quais rendimentos Cressida para instâncias de Diomedes, ao ponto de dar o mesmo vestuário de amor recebeu o. Na batalha, Troilo tenta desesperadamente e em vão para matar seu rival; no final do drama nos mostrado xingando Pândaro.
Cenas sobre esta matéria não representam apenas uma parte do drama. É uma sucessão de imagens em que o épico é vista com olhar desencantado e implacável. Descrições de pomposas, arengas dos heróis, todos serviram para destacar a causa fundamental e insignificante da guerra e a dissolução de estendê-lo. Ou Agamenon com sua suprema autoridade, nem Menelau com memórias de profanação montada, nem Nestor, com sua experiência e Ulisses com sua sábia arte de governar pode modo não fazendo eventos continuar no caminho certo.
Finalmente, quando eles organizaram um combate singular entre o linguarudo AJAX e Hector, este último deixa o duelo por não prejudicial para o AJAX, que é seu primo. Aquiles é apresentado à luz menos favorável que você pode imaginar. Depois de tomar o tempo para rezar fora sua inércia (animada pelo jester Tersites), resorts de decepção quando se trata de encontrar contra Hector, fazendo com que seus mirmidões cercam e matar desarmado guerreiro troiano.
A morte é onipresente nesta quase-tragédia: mas a tragédia não tem o sotaque franco e direto das grandes tragédias de Shakespeare, a morte não mostra-nos nunca seus franco e cara dura de severa musa heróica, mas apenas plana bestialidade de seu perfil indecisos e traidor. É em todos os lugares, tais como corrupção e podridão insidioso, como perder o sutil; É a desintegração da vida, como em Hamlet, a tragédia do mesmo templo, escrito a uma curta distância de Troilo e Créssida. Amor cortês (Troilo) é contaminado e levou à rápida decomposição pelo hálito de lupanar emanando Pândaro; a honra de cavalaria (que tal é guerra, Hector e Shakespeare) é manchada e desfeita pelo cinismo de Tersites. O acampamento grego é o novo mundo que emergiu no século XVI: não procura glória e honra, mas o poder, alcançado a todo o custo; Maquiavélico mundo governado por inteligência, não a paixão.

Visão geral e Resumo: medida por medida

Este drama em cinco actos, em verso e prosa era composta de aproximadamente em 1604 Shakespeare, lançado no mesmo ano e impresso na infolio de 1623. O inglês fonte de measure for measure é o drama de Promos e Cassandra (1578) de George Whetstone (fazer 1544?-1587?), que mais tarde traduzido dela Heptaméron do discurso civil na quinta história da oitava década do Hecatonmitos de Gian Battista Giraldi Cinzio (1504-1573), que havia inspirado o drama junto com a tragédia de Epitia do mesmo (impresso em Veneza em 1513 Giraldi (, mas isso provavelmente já antes circulando manuscrito).
O tema do juiz a quem a esposa ou irmã de uma pessoa condenada implorar, que promete o perdão se essa mulher é dada e que, depois de ter, é enviado para executar a sentença, foi muito difundida na literatura e tratados muitas vezes dramaticamente; Além de ser ele por Giraldi e Whetstone, foi por Claude Rovillet no pedantesca tragédia Latina Philandia (publicado em 1556), que, no entanto, é de uma versão diferente, em um drama representado em Besançon, no verão de 1548 e tive problema pelo "julgamento do Duke Charles". Essa lenda também é encontrada em Nápoles e refere-se ao "Justiça exemplar" feita lá por Isabel de Aragão. Entre o moderno foi inspirado por seu pai, Alexandre Dumas em casamento no cadafalso. A mais notável inovação introduzida por Shakespeare no argumento refere-se ao carácter da irmã da pessoa condenada.
O Duque de Viena, sob o pretexto de uma viagem fora de seus Estados, confiou seu governo com o Angelo, seu juiz, que até então tinha por homem de probidade exemplar. Angelo, em seguida, sentença de morte de Claudio, culpado de sedução de Julieta. Claudio informa sua irmã Elizabeth, novato em um convento e pede-lhe para interceder por ele com o Angelo. Fundamentos de Isabel falharem obter o perdão, mas sua beleza faz com que o juiz uma ternura que não tinha sentido por mulheres; Então em uma segunda conversa com ela, oferece-lhe salvar a vida do irmão se ela sacrificou a sua honra.
Recusa de bravo, Isabel, e em uma cena famosa na prisão (Ato III, cena eu) coloca par essa proposta ao seu irmão; Este aqui, que, em primeiro lugar parece aceitar serenamente a morte, agarram-se então, de repente, a esperança vergonhosa. "O mais doloroso e odioso existência idade, dor, pobreza e prisão podem infligir a natureza humana é um paraíso comparado com o que temos medo da morte."
O Duque, que não deixou Viena, disfarçado de frade e aprende do infame comportamento de Angelo e imagina um chamariz para salvar Claudio. Ordenando a Isabel que consente em ir à casa de Angelo à meia-noite e chegar a Mariana, que é apaixonado por Angelo (que ela renegou por razões de interesse), tomando o lugar de Isabel. Escambo dá resultado, mas apesar disso Angelo ordena que Claudio execução segue ao amanhecer.
O Duque tem que, em vez da cabeça de Cláudio, a ser executada ao Angelo de um malfeitor ajusticiado; Depois de abandonar o traje e simulando um súbito retorno, ouça o apelo de Elizabeth e a Mariana, e nega a Angelo, que nega a verdade das histórias das duas mulheres. A pedido destes, Angelo, eventualmente confuso, é perdoado e Unido no casamento de Mariana, enquanto o Duque declara seu amor por Elizabeth. Claudio é perdoado; Lucio, uma pequena maldiciente que falou mal do Duque para o próprio Duque disfarçado, é condenada a casar com uma prostituta.
O enredo é sustentado pelo thread sutil de um excesso de fantasias que comprometer a coerência do trabalho. E enquanto é verdade que o Duque simboliza ilustrado ético e cristão, não é moral ou Christian continuar escondendo Isabel Claudio vidas. Sua figura de silenciosa e intrusiva santon, frade da meia-noite que organiza uma substituição de concubina, certamente não é muito sagrada. Medida por medida, na verdade, tem perplexo sempre críticos, de Coleridge (quem achou um drama "doloroso") para o mais recente. O único personagem capaz de cativante simpatia parece ser a Mariana abandonada. Mesmo embora as figuras dos atores no drama são desenhados com mão invulgarmente hesitante em um Shakespeare, é, em vez disso, decisiva impressão que nos liga a desconfiança e aversão em relação aos homens. Qualquer abjection para viver, a fim de satisfazer o apetite libidinoso: é a abster-se que se destaca no contexto desta comédia ranzinza.

Visão geral e Resumo: sonetos

154 sonetos de William Shakespeare foram escritos sobre antes de 1600, e os manuscritos eram (a menos que você tenha selecionado uma edição 1602 foi perdida) até 1609, quando publicou o editor Thomas Thorpe com uma dedicatória a um misterioso Sr. W. H., que é designado como "a única inspiração para seguintes sonetos" ("o onlie que engendra estes sonetos insuing"). Uma vez que os sonetos parecem esclarecer mais do que seu dramas da vida íntima do homem Shakespeare, críticos trabalharam arduamente para descobrir quem era o misterioso Sr. W. H., no entanto a muito positivos.
De acordo com uma opinião generalizada, os sonetos são dedicados para o Conde de Southampton, protetor de Shakespeare (W. H. que as iniciais invertidas de Henry Wriothesley, o nome de Earl). Outros, que não acreditam que possível que um editor se atrevia a nomear um membro poderoso da aristocracia com o single "Mr. W. H.", pensaram de William Hall, um tipógrafo que tinha adquirido o manuscrito ("que engendra" pode ser interpretada como "Advogado", além de como "inspirador") embora não confiou a você a impressão do mesmo. O problema da identificação sugerida que Oscar Wilde o elegante história o retrato de w. H.
Outro problema que fervorosos críticos é a identificação do poeta rival, referido em sonetos 78-86; Barnabe Barnes (1569-1609), George Chapman (1559-1634) e outros têm sido sugeridos. No entanto, consultas sobre ambos isto e a senhora Morena ("a Dark Lady") de um outro grupo de sonetos, conseguiram aumentar o que já sabíamos sobre os detalhes da vida privada de Shakespeare.
O Tom dos sonetos, que, além da Convenção de certos motivos, exala cansaço e pessimismo e pode preludiar Hamlet e as tragédias seguintes sombrias, parece revelar um profissional sorte muito diferente de Shakespeare a cena emergente de documentos biográficos áridos chegou-nos. Porque, sim, convencional, como abundam nos inúmeros livros do período inspirou diretamente ou indiretamente a Petrarca. Bem, a razão para a imortalidade protegida por versículo, tópico horaciano que os poetas da Pléiade; moda o tema da aparência noite do amado; ou os jogos de conceitos, em que os olhos e coração entram em conflito.
Mas a maioria dos sonetos de Shakespeare distinguem os cancioneiros contemporâneos por sotaque apaixonado da experiência vivida, ao ponto que William Wordsworth define como "a chave com a qual Shakespeare nos abriu o coração" (apesar de outro grande poeta, Robert Browning, respondeu a isso com a famosa frase "se tão, Shakespeare anões"). Em sonetos do tipo chamado "Elizabetano" ou "Shakespeariano" (três quadras de rimas alternadas e um dístico final: abab, cdcd, efef, gg) distinguem-se dois ou três motivos que certamente dizem respeito a situações da vida real. Seu significado é claro; Só preciso da chave de alusões.
O Songbook de Shakespeare tem um desenvolvimento dramático que em vão procuram em outras coleções, geralmente desprovido de um único sotaque bem definidos. Naturalmente, há menos característico de sonetos, mas eles estão espalhados durante todo a coleção, de acordo com uma lei da economia comum até às maiores obras; um volume em que a composição inteira era uma obra-prima seria anormal, artificial. Esta lei da economia explica a presença de sonetos medíocres muito melhores do que qualquer teoria que apresentam o Songbook Shakespeare como um trabalho coletivo.
E quanto mais sonetos de Shakespeare para o leitor moderno é o Tom da clarividência do poeta e a precisão de sua análise, partindo dos esquemas habituais do gênero da literatura. Clarividência, muitas vezes desesperada, como quando o poeta percebe sua humilhação, de abdicação de sua dignidade de ser indigno; "odi et amo" que renasce com já perto de nossos acentos de sensibilidade.
Em seguida, a confissão tem um novo, como na intimidade do soneto 30: "quando os tribunais para o pensamento silencioso doce chamado a lembrança das coisas passadas..." e que por vezes atinge a profunda amargura de um cristão, como o sermão do famoso soneto 129: "desperdício de espírito em um deserto de desgraça é o desejo em ato; e até é não agir o desejo é perjúrio, homicido, sangrenta, cheia de culpa, selvagem, extreme, rude, cruel, indigno de confiança: só apreciado, agora despreza; Procurei loucamente e como possuída, violentamente odiada, como isca engolida, intencionalmente, tendiam a ir louco leva-lo a isso; louco na perseguição e então na posse... Mais cedo, um fantasma de gozo; mais tarde, um sonho. Todo mundo sabe Mas ninguém sabe como evitar o céu que leva os homens a este inferno".
De qualquer forma, sua visão corrosiva não impede que as notas de imprensa de poeta que são o mais puro e fresco em lyric Elizabethan tão rico em frescor e alado, como no soneto 18 canções: "Deve se comparar a um dia de verão...", ou 54: "Oh, quanto mais bonita parece beleza por motivo de doce que dá pureza". Até quando deixou arrastar, como tornou-se então na moda entre os metafísicos da escola de John Donne, nuances e conceitos, sempre se sente viva profundidade de inspiração, dando ressonâncias universais de formas e modos de tempo: assim em soneto 53, brincando com os significados de "sombra": "o que é a substância que lhe é feitas. , que milhões de estranhas sombras seguem, desde que cada homem tem uma sombra e você, que não sois mais do que uma pessoa, você pode escurecer as coisas... ", ou 87, quando aplicado ao amor de terminologia jurídica:" Adeus, você é muito caro então eu te possuo... os títulos que eu de você caducaram todos... "." Dois sonetos publicados em 1609 (138 e 144) já tinham sido publicados de forma um pouco diferente do volume intitulado o peregrino apaixonado.
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