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Pinturas de Diego Velázquez

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Diego Velázquez, "pintor do rei", tinha a vocação para a pintura desde a infância. Em Madrid, ele ganhou o carinho de Felipe IV e trabalhou quase exclusivamente para isso, instalou-se como um grande senhor e criando uma série maravilhosa de retratos que o tornou famoso. Duas viagens à Itália, em 1629 e 1649, colocá-lo em contato direto com a arte deste país, especialmente com pintura veneziana. Imponente e auto-confiante, ele desenvolveu a sua arte de acordo com uma curva evolutiva que tornou-se uma magnífica lição de pintura, e que vai do realismo puro de sua primeira atividade, a aristocrática e elegante e, finalmente, realismo profundo de maturidade. Nesta exposição virtual, em que as obras são ordenadas cronologicamente, você pode acompanhar a evolução do seu trabalho.




Pequeno-almoço

A 1618
Lona. 1,07 x 1.01
Museu do Hermitage, principalmente.
Diego Velázquez, bem como vários personagens de cortesãos, retratando deixaram várias cenas retratando os costumes locais por pessoas comuns. Neles, tornou-se claro seu amor para as pessoas e sua concepção profundamente humana da vida.
No café da manhã, preservado no Museu Hermitage, a artista nos mostra dois jovens alegres, que, aparentemente, foram convidadas para um velho, um vagabundo talvez. O enredo e os personagens recorrem frequentemente na obra do pintor.
Velázquez destaca os jovens gesticulantes, cheios de vida e ousadia, cuja atitude contrasta com o pouco tranquilo e ainda velho que, ao ouvir a conversa da juventude, está mostrando sinais de possuir grande experiência. A comparação entre a juventude e a velhice é uma delicada e com muito tato.
Fortes contrastes de luz e sombra magistralmente organizaram o espaço pictórico. Com grande habilidade é usada luz para realçar o rosto, toalha de mesa branca, o vidro de vinho, pão, prato com comida e frutas. A artista presta atenção em todos os detalhes. Cada objeto é admiravelmente desenhado, e toda a obra transmite grande realismo.


San Juan Evangelista na ilha de Patmos

A 1618
Lona. 1.35 x 1,02
National Gallery, Londres.
Preservado na Galeria Nacional, esta imagem pertencia ao convento das passarelas carmelitas de Sevilha e pintado até Velázquez mudou-se para Madrid. Na caixa, são João está sentado escrevendo revelação, com seu símbolo, a águia, ao seu lado. Olhe para a visão de uma figura feminina alada com um dragão, no canto superior esquerdo da tela. Esta luz de cena noite emana a visão.
Velázquez usa o formato tradicional para o assunto, mas em vez de nos mostrar san Juan como um homem velho, como ele foi quando ele escreveu o Apocalipse, pintando o Santo como um homem jovem. A cara é particularizada; Ele mostra sem idealização e com o bigode é tipicamente Espanhol.
É claro que o Velazquez estava trabalhando com um modelo, embora as cores usadas neste quadro são diferentes daqueles que servir na fase sevilhano. O forte contraste entre luz e escuridão, lembra que o estilo de El Greco foi visionários eventos.


A adoração dos Magos

1619
Lona. 2,03 x 1.25
Museo del Prado, Madrid.
Velázquez, do tenebrismo caravaggista mais rigorosa fase de Sevilha, encontrado no Museu do Prado, um retrato e esta soberba, adoração dos Magos, datado em 1619, em plena juventude do autor, traduzindo muito bem as preocupações brilhantes e prieto e realismo quase escultura em seus primeiros anos de modelagem.
A gama de tons de cor, marrom, com sombras espessas e traços luminosos de grande intensidade; Paisagem de Crepúsculo, baixo tons com memória de bassanesco verdadeiro e então rostos individuais e concretos, retratos sem dúvida, parecem maravilhosamente definir seu estilo de primeira.
Na delicada, mas cara real e imediata da Virgem e a criança encantadora, tão verdadeiramente Infante Jesus, deve ver, como ele foi dito repetidamente, uma homenagem carinhosa a sua esposa e seu filho, nascido no mesmo ano.


Cristo na casa de Maria e Marta

Em direção a 1620
Lona. 0,60 x 1,03
National Gallery, Londres.
Esta imagem pertence ao tempo sevilhano de Velázquez, antes de se mudar para Madrid. Cenas em que existem naturezas ou cozinhas e bares eram muito populares em Sevilha. Tons e pinceladas densas que descrevem a textura dos objetos e a pele bronzeada dos aldeões são típicas desta fase de velazquena.
Plasma de Velázquez maravilhosamente brilhante molhado flocos de peixe e a força e o caráter metálico de argamassa. A influência de Caravaggio é grande, tanto no tema como no tratamento, mas a vida ainda e os personagens em primeiro plano e uma segunda vista em segundo plano, com personagens religiosos, vêm os pintores flamengos, particularmente de Pieter Aertsen, que trabalhou em Sevilha.
A cena de fundo é retirada de Luke e destina-se como uma imagem dentro da imagem ou, talvez, como um reflexo em um espelho, mas é mais provável que é uma cena que ocorre em um quarto adjacente, visto através de uma abertura na parede. Também é difícil decidir qual é a relação existente entre essa cena e figuras em primeiro plano, a velha e o cozinheiro. Talvez se tencionava estabelecer algum tipo de relacionamento moral.


Filipe IV

A 1626
Lona. 2,01 x 1,02
Museo del Prado, Madrid.
Este retrato do jovem rei Felipe IV, pintado por volta de 1626, é um excelente exemplo do estilo de Velázquez em seus primeiros anos de Madrid e ao mesmo tempo, um teste de como a artista retornou várias vezes em suas telas, que tinham sempre diante dos olhos, nas paredes do Alcázar.
Retrato primeiro foi composto na tradição do século XVI, criado por Antonio Moro, com as pernas abertas a bússola, a atitude dos três quartos e apoiada por uma mão firme. Mas alguns anos mais tarde ele decidiu mudar a silhueta, juntando as pernas, com qual figura notavelmente ganhou em magreza. É ainda visível a olho nu (e ainda evidenciado por raio-x) o fornecimento original.
Velazquez usado aqui o tenebrismo de Sevilha anos violento e dirigido iluminação, tornando mais clara a intensa expressão de melancolia e o gesto arrogante da mão segurando o memorial. Os tons são terrosos ainda a castanha da primeira fase, mas em segundo plano e as sombras no chão já estão um pouco cinzento que será seu grande recurso e sua magia suprema, e que é certamente ainda mais estressado para retocar a imagem, talvez de 1629.


Bêbados

De 1629
Lona. 1,65 x 2,25
Museo del Prado, Madrid.
Los borrachos ou o triunfo de Baco foi pintado em 1629 em Madrid, no ano seguinte da viagem de Rubens ao tribunal espanhol, e quem sabe se esta primeira composição mitológica de Velázquez não responde a uma sugestão do grande flamenco.
Mas não há nada mais contra a concepção do pintor Antuérpia pomposa e sensual do que pessoal, simples e todos os dias então interpretam a cena, quase como imagens de sexo, o que tem feito às vezes penso se o pintor pretendeu expressar o mitológico, copiar uma cena de beber, ou fazer piada dos deuses antigos.
Baco é um corpulento musculosos, dos lábios sensuais, que descascou quanto a zombaria e seus companheiros são rogues ou soldados dos terços, vistos na sua realidade mais imediata. A técnica é seus anos de Sevilha, com forte ênfase em contrastes de luz e uma modelagem apertada e naturalista. No entanto, cinzas são introduzidas na paisagem e as pinceladas são um pouco mais leve do que em suas obras anteriores.


A forja de Vulcano

1630
Lona. 2.23 x 2,90
Museo del Prado, Madrid.
Durante sua primeira viagem à Itália em 1630 Velázquez pintou dois colegas de telas, que representa o ponto mais "acadêmico" de produção. Ele impressionou, sem dúvida, o artista pintura do classicismo de Bolognese, que estava no topo da sua produção tem como seu caminho através de Cento, onde havia o Guercino, se encontra. Uma destas pinturas é a túnica de s. José, mantendo o El Escorial; o outro, este Forja de Vulcan, nobre friso de belos corpos nus, em equilíbrio harmonioso de composição visto e estudado.
O tema mitológico um pouco áspero (a revelação para Vulcano por Apolo do adultério de sua esposa Venus) é sugerido com uma contenção delicada que contrasta com a sensualidade travessa colocar neste e em outros episódios do mito dos pintores flamengos. A paleta foi clarificada; qualquer vestígio de tenebrismo e cor é harmonizada em uma escala de cinzentos e castanhas de extraordinária elegância que no futuro será mais típico.


Vista para o jardim da Villa Medici, Roma

1630 / 1650
Lona. 0,48 x 0,42
Lona. 0,44 x 0,38
Museo del Prado, Madrid.
Paisagens maravilhosas e minúsculas, pintadas por Velázquez copiando dois cantos do Roman Villa Medici tem, além de sua excepcional beleza e modernidade técnica, o charme misterioso de suas imprecisões cronológicos. Em sua primeira viagem à Itália, de 1629 para 1631, Velázquez, graças a recomendação do embaixador espanhol, viveu na cidade, que, por sua elevação e os seus jardins, foi o lugar mais legal de Roma durante a onda de calor.
Sem dúvida, poderia então, calmamente, para prazer de pintura, ar de plein, estes efeitos vibrantes do sol através das folhas. Alguns críticos acreditam que eles efetivamente que namorou e atribuída a leveza magistral do toque à falta de preocupação, porque é um ponto e não um trabalho terminado. Outros críticos preferem ver estas paisagens na obra de seu segundo Roman permanecer em 1650, evocando, com não sem lirismo melancólico, a cena de seus meses romanos já remotas e primeiros.
De uma maneira ou de outra, essas pequenas pinturas são um dos aspectos mais evocativos da arte de Velázquez. Transparência de luz ar, vibração de luz sutil, que não vamos encontrar ao Impressionismo e essa atitude de sensibilidade melancólica natureza em abandono, fazem estas pequenas telas o mais moderno de toda a pintura espanhola do século XVII.


Retrato de Filipe IV

A 1631-1632
Lona. 1,95 x 1,10
National Gallery, Londres.
Rei Felipe IV assumiu o trono com a idade de dezesseis anos e tornou-se pintor oficial de Velázquez, de vinte e quatro anos de idade. A relação entre os dois foi amigável e duradoura de tal forma que o pintor foi nomeado porteiro da câmara em 1627, seguido por outras acusações e cavaleiro de Santiago em 1659.
Velázquez era o único retrato do rei, e quando, em duas ocasiões, a artista estava ausente para a Itália, ninguém fez retratos do monarca. Este retrato em tamanho natural mostra o rei com bigode, com vestidos de esplendor incomum (geralmente usando cores escuras) e com o velo de ouro pendurada em uma corrente de ouro.
O quadro foi pintado depois da primeira viagem de Velázquez à Itália (1629-1631). A artista pintou diretamente para a tela, então que, em algumas de suas obras pode perceber alterações. Traje bordado é feito com pinceladas leves e grande sutileza da cor. Velázquez considerou que este retrato era importante, a maneira que você assinou o papel carregando o mesmo rei na mão direita.


Cristo crucificado

A 1632
Lona. 2.48 x 1,69
Museo del Prado, Madrid.
Este Cristo é um dos velazquenas mais populares e, sem dúvida, um da inspiração mais feliz. Pintado por volta de 1632, após a viagem para a Itália, diz respeito a sua nobre e sereno nua com as citações em Itália, e é um dos poucos quadros religiosos pintado na fase de corte. Ele responde a uma atribuição expressa do rei para o convento de San Placido e tem sido associado com uma bonita lenda do verdadeiro amor.
Na composição do Cristo, sereno, com quatro unhas e a cabeça baixa, há um lembrete de que, em várias ocasiões, ele pintou seu sogro Pacheco, cujo eco também atinge Alonso Cano. Modelagem, macio e solto, perdeu a precisão escultural dos anos da juventude, mas sua luz, borrada e sem mal colar de cor, técnica criam um corpo esponjoso da luz, mas não por que motivo menos real.
Por sua serenidade e seu mistério indefinível tem sido esta tela de ponto de partida de meditações literárias. Lembre-se apenas o poema tempo teológico de Miguel de Unamuno que leva seu nome.


Pablo de Valladolid

1633
Lona. 2.09 x 1,23
Museo del Prado, Madrid.
O post de câmera do pintor quis dizer, aparentemente, a obrigação de retratar não só os reis e magnatas, mas também os "vermes do palácio", o mundo da loucura de anões, bobos e homens do prazer que abrigava o rei em seu palácio e parte de sua corte.
Velazquez deixou muitas vezes, perante esses seres deformados, um patético, humano e profundo, impressionante testemunho de objetividade inquestionável, mas também uma iguaria especial no tratamento do deformado e uma evidente ternura pelo salvageable destas personalidades frequentemente sub-humano, em patente contraste com fria indiferença com que outros artistas naturalistas do seu tempo Ribera, por exemplo, se aproximou de tipos semelhantes.
Paul (ou Pablillos) de Valladolid, pintado em 1633, foi chamado às vezes "o ator" pelo seu gesto declamatório. É uma das realizações mais surpreendentes da perspectiva aérea velazquena. A figura permanece firmemente plantados em seus pés, que contam com uma superfície criada apenas com luz e sombra, pois não existe inferior ou mais suave geometria de referência espacial que marcam o chão ou parede.


San Antonio Abad e Paul, primeiro eremita

Cerca de 1634-1635
Lona. 2,57 x 1,88
Museo del Prado, Madrid.
Comissão real para o altar da capela de San Pablo nos jardins do Buen Retiro, esta linda tela foi pintada em 1634-1635. É também um dos poucos telas religiosas da longa fase Court de Velázquez. A composição, muito simples, parece ser inspirado do começo do renascimento ou impressões medievais. Magistral absolutamente é o tratamento da paisagem ampla, com uma leveza de toque e uma unidade de Tom chapeado absolutamente moderno.


Don Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares

1634-1635
Lona. 3.13 x 2,39
Museo del Prado, Madrid.
Pintado sem dúvida em data ao lado dos retratos equestre real do Palácio de Buen Retiro, 1634-1635 e sem dúvida com a mesma paleta, este Conde Duque de Olivares, também a cavalo, responde a um esquema um pouco ostentoso, pomposo e teatral. Talvez também (pelo menos uma vez no sóbrio Velazquez) lisonjeiro e disimulador de imperfeições, porque o gesto, de um ímpeto arrogante, belicoso nunca o Conde Duque, tinha habilmente esconde costas carregadas e o nada gracioso de rolamento do todo-poderoso governante que protegeu o pintor.
A lona, como pintura pura, tem desde então mestre. Consulte a suculência da cor, que harmoniza o tom marrom, cavalo com prata brilha de saída e o verde cinzento, dominante frio a distância. A pintura para o próprio Conde Duque, certamente juntaram-se no século XVIII nas coleções Royal compra o Marqués de la Ensenada.


A rainha Margarita de Áustria, esposa de Filipe III

1634-1635
Lona. 3,01 x 3,14
Museo del Prado, Madrid.
Este retrato equestre foi parte de Felipe III, Felipe IV, Doña Isabel de Borbón e infante Baltasar Carlos, a decoração dos reinos Hall de Buen Retiro. Mas assim como as de Felipe IV e o infante Baltasar são inteiramente mão velazquena, leste de Doña Margarita e Felipe III e Doña Isabel um problema ainda não totalmente resolvido.
É evidente que Velázquez era incapaz de executar as armadilhas detalhadas e monótonas e mantos bordados destes retratos, mostrando além disso (e limpeza marca na oficina do Museo del Prado mostrou) bandas de tecido adicionado para ambos os lados de cada composição, enquanto a superfície inteiramente retocada por uma mão segura e vibrante podem não ser mas que de Velázquez.
A interpretação lógica é ver Velazquez, aprimorando e adaptando algumas pinturas existentes ao seu lugar no grande salão e completando a decoração com pinturas inteiramente seu aqui. É provável que retratos pré-existentes foram obra de Rodrigo de Villandrando, seu antecessor em determinados lugares palatais e técnica do artista ainda mais próximo de Pantoja de la Cruz, como a exibição dessas fotos.
É neste retrato de Margarita da Áustria, a primeira esposa de Filipe III, onde a participação de Velázquez adverte com mais provas. A paisagem é inteiramente sua. Nas bordas laterais é tratada com leveza de aguada, como pintura decorativa, quase sem preparação prévia. O rosto da rainha e o manto luxuoso e pesado de vestido de gala, outro pintor, são animados por um leve chuvisco que avivam o conjunto de modo insuspeito. Mas é no cavalo onde Velázquez, excelente intérprete do reino animal, deixou o melhor de si mesmo. Com toques de liberdade soberana, deu vida a este animal inesquecível, Majestade e inteligência verdadeiramente real.


Lanças ou a rendição de Breda

1634-1635
Lona. 3,07 x 3,67
Museo del Prado, Madrid.
Para a decoração do Hall de Buen Retiro reinos, no qual também trabalham os dois mais velhos cortesãos artistas (Carducho, uma Caxés, Maino) e o mais jovem (José Leonardo, Pereda) promete, Velazquez feito de 1634 uma de suas obras de beleza, que também se tornaria um dos mais populares: A rendição de Breda ou Las Lanzas.
A lona é sem dúvida uma das capitais da pintura universal que tentamos expressar um militar contemporâneo. Composição, sereno equilíbrio clássico, contrasta com os gestos dos protagonistas, Victor e vencido, em elegante harmonia: Victor sereno e cordial; com desempenho decente se demitiu os vencidos.
Velázquez conhecia muito bem o rosto de geral Ambrosio Spínola, porque ele tinha feito sua primeira viagem à Itália com ele e talvez ouvi-lo pessoalmente comentar as armas famosas fato ocorreu em 1625. Os personagens que acompanham são mais do que desfiles, porque tanto o grupo de espanhóis e os holandeses são estritamente individuais.
A paisagem no fundo do inesquecível uma luminosidade e transparência, nos dá a medida do "pintor do ar" Velazquez. Registaram-se numerosos fundo para a composição de franceses e flamengos, muitas vezes medíocre, gravuras que Velázquez foi interpretado com o objetivo de verdade que faz seu estilo, a história da arte simplesmente pictórica mais.


Príncipe Baltasar Carlos

1635-1636
Lona. 2.09 x 1,73
Museo del Prado, Madrid.
O mesmo conjunto do salão dos reinos, mas já inteiramente pintada por Velazquez, vem este delicioso retrato do Príncipe infeliz, com sua jaca no Corvette recorte no fundo prateado das montanhas de Guadarrama com neve, onde fica o pico do malicioso. A criança é sem dúvida uma das figuras mais simpáticos de todos a Galeria da representação de caracteres.
O efeito um pouco ingrato do animal, visto frontalmente é um pouco rígido e desproporcional, corrigido tendo em conta que foi pintado para acima a porta, com visão abaixo, acima, que lhe dá toda a sua vivacidade e ousadia do barroco encurtado, Velázquez técnico foi, sem dúvida, ver em mestres flamengos gravados de exaltação militar, conhecido e ainda popular em seu tempo.


Retrato equestre de Felipe IV de Espanha [detalhes]

1634-1635
Lona. 1,26 x 0,93
Museo del Prado, Madrid.
Preservada no Museu do Prado, em Madrid, este trabalho talvez foi enviado para Florença para servir como um modelo para o escultor Pietro Tacca, quem deveria esculpir um monumento equestre de Felipe IV com destino a Madrid. Cores vivas e brilhantes, claro desvio veneziano, mas interpretada em tons de prata, de acordo com o gosto de Velázquez, constituem o modelo cromático de coleção de inúmeras pinturas e talvez moderno, apesar da frescura e da velocidade com que a tela foi feita.


Caça javali real

1635-1640
Lona. 1.82 x 3,02
National Gallery, Londres.
A obra representa uma caça e foi contratada para decorar a torre de paragem, para o qual Rubens também realizou algumas imagens mitológicas Velázquez. Certas figuras e a paisagem em segundo plano podem não ser a mesma obra de Velázquez; Já pensou sobre o chicote de fios do pincel.
Esta forma de caçar javalis selvagens era caro e complicado, como tinha que fechar a área onde eram animais selvagens com uma cerca que consiste de tecido ou lona (contratela). O rei e seus companheiros foram depois com animais de forcados (alguma reserva pode estar descansando em uma árvore), cães cansado de javalis e caçadores furtivos disparou contra eles, como você pode ver no lado esquerdo.
Ao lado do rei, à direita, em primeiro plano é o Conde-Duque de Olivares, e os outros dois cavaleiros podem ser os irmãos do rei, assim como a senhora no carro alegórico pode ser sua primeira esposa, Isabel, embora sua identificação exata é difícil. O mesmo se aplica a muitas das figuras que estão fora da cerca, alguns dos quais são claramente retratos.


Retrato do Conde-Duque de Olivares

1637 1638
Lona. 0,67 x 0,54
Museu do Hermitage, principalmente.
O Conde-Duque de Olivares, o personagem retratado nesta foto de l'Hermitage, foi a favorito do rei Felipe IV e durante quase um quarto de século exerceu uma influência ilimitada na monarquia. É extremamente surpreendente realismo com que Velázquez transmite as principais características do protagonista. A imagem reflete o caráter grave do Conde-Duque e simultaneamente revela aspectos que são descobrem engenhosidade e tenacidade incomun. Diferentes tons de cor modelo cara com maestria e pinceladas desiguais melhorar a formação de facções. O trabalho é um exemplo acabado de extraordinário realismo alcançado pelo artista brilhante.


O bufão Calabacillas

1637-1639
Lona. 1,06 x 0,83
Museo del Prado, Madrid.
Erroneamente conhecida para o Bobo de Coria, que é o nome moderno, esta tela patético que representa o bufão Calabacillas, que possuem Velázquez retratada-se novamente com um papel em seu moinho de mão. Com seu sorriso estúpido e sua temível do gesto animal sitiado, é certamente o mais chocante de todas as séries. Admiráveis é a harmonia de tons pretos e marrons e leveza do pincel, onde alguns fragmentos, como a face, atingindo os fins que encontraremos novamente apenas em obras mais recentes.
Acreditava-se este abocetada que Bill fez seu trabalho da velhice do pintor, mas houve a pintura antes de 1639, em que consiste o modelo morrido. É possível, no entanto, que ele retocase isso ou intensificados anos mais tarde, como fez em tantas outras pinturas, no palácio sempre permaneceu sob os olhos e o escopo de seus pincéis.


Esopo

1639-1640
Lona. 1,79 x 0,94
Museo del Prado, Madrid.
Exceto a inscrição que acompanha a figura, nada pensaria que esse mendigo digno de rua pintado tão suculento no realismo fabulista grego antigo. A tela, como um companheiro do filósofo Menipo, pintado com traços similares, foi realizada para a torre de paragem, Palácio de caça e recreação na floresta de Pardo, entre 1639-1640.
A idéia de representar os antigos filósofos como personagens vulgares e modelos retirados da rua não era nova; Ele tinha feito isso antes, talvez com mais rudeza, Ribera, e os artistas napolitanos estavam fazendo. Velazquez colocou aqui (junto com o sentido pessoal de nobreza, mesmo dentro do desgastado da figura), seu domínio técnico e o cofre de seu estilo mais maduro e pinceladas soltas.


Auto-retrato

1643
Lona. 1,01 x 0,80
Galeria de Uffizi, Florença.
Dois auto-retratos de Velázquez, um dos medios e o outro, aqui reproduzido, em pouco mais de metade do corpo são preservados na Galeria Uffizi. É fácil reconhecer a grande arte e engenho rápido de sua escova na empresa, quase ousadia, emoldurando os tons quentes de pardos e negros e a intensa expressão do rosto. Velazquez interpretado e recriada com personalidade as cores de Ticiano e o brilho de Caravaggio, atingir os efeitos ambientais, onde a luz modela os objetos com grande naturalidade.


O bobo da D. Diego de Acedo, "El Primo"

No sentido de 1645
Lona. 1,07 x 0,82
Museo del Prado, Madrid.
Nesta pitoresca efígie de D. Diego de Acedo loco lá como uma paródia do mundo dos genealogistas e catadores remoção de subidas que enxameavam na Espanha de seu tempo. Grossos fólios são o cenário para este personagem curioso, que parece saber dentro de pedigrees e executória da nobreza. Roupas pretas graves e até mesmo Tom ausente a dignidade de seu rosto foi torná-lo talvez a mais grave e série de bobos da corte. Como pintura pura, maestria de negros e cinzentos e a realidade palpável da vida ainda torná-lo parte de primeira ordem.


Vênus ao espelho

A 1649-1651
Lona. 1.22 x 1,77
National Gallery, Londres.
Mulheres nuas são um tema bastante incomum na pintura espanhola. Apesar de Velázquez é só tinha uma foto de nu, é conhecido que ele pintou de pelo menos três outros. O primeiro registro deste trabalho vem de 1651, na coleção do Marquês de Carpio, que era filho do primeiro-ministro do rei.
A imagem poderia ser pintada antes da segunda viagem de Velázquez à Itália (1649-1651) ou na Itália, de onde ele seria enviado para a Espanha. O artista criou a sua própria imagem da deusa Venus, mas a idéia de descansá-la e apresentá-lo de costas, com Cupido segurando um espelho, vem de Tiziano.
Ao invés de mostrar fortes contrastes de luz e sombra e prepare-se com textura de superfície de objetos de fidelidade meticuloso para criar uma ilusão de realidade, Velázquez chega aqui para pintar o que vêem os olhos. Cores fundem-se com os outros, os contornos não são realçados e detalhes são sugeridas mas não descritos. O reflexo da deusa não é real, o espelho não pode buscar a face de Vênus desta posição. Uma faixa adicionada na parte superior da tela indica que a inclusão do Cupido com o espelho foi logo após a primeira realização.


Retrato da infanta Margarita

1653-1654
Lona. 0,70 x 0,59
Musée du Louvre, Paris.
O Louvre continua a ser um grave retrato sem concessões de Mariana a rainha, ao lado do que o retrato da infanta Margarita, que inspirou o artista, muitas vezes pequeno é uma graça encantadora. Mesmo que esta praça foi completada por Mallet, genro de Velázquez, é um bom exemplo de uma ousada e com a mesma técnica económica, de vez que dentro de um projeto de lei livre descreve os detalhes e evoca a qualidade dos objetos reais, ao mesmo tempo que usa um toque moderno que antecipou que o primeiro impressionista obras de Renoir.


Las Meninas

1656
Lona. 3.18 x 2,76
Museo del Prado, Madrid.
Pintado em 1656, a lona que é chamada "a família" em uso e inventários reais tem consagrado como Las Meninas é mais do que apenas um conjunto de retratos. Na ocasião, a "teologia da pintura" foi chamada e nunca realmente como ele tem sido um pedaço de pintura pura, abstração do ar e as relações espaciais das coisas em uma atmosfera animada e um espaço concreto e mensurável.
Um baixo virtual do velho Alcazar de Madrid, paredes brancas cobertas de pinturas, a família real reuniu-se então o pintor de câmara retrata os reis. O infantita, mais servidores de imediatos, os anões, o Mastiff, são igualmente tratados como elementos de plástico puros, elenco tudo no ar quase palpável que dora luz sob tectos altos. Os reis, idealmente localizados onde hoje se ergue o espectador refletem sua imagem pintada no espelho em segundo plano, o pintor e o olhar (vemos) com o mesmo nível e profundidade.
O eixo de plástico da caixa, para que as duas "meninas" que trazê-lo a beber num vaso de barro, inclinando-se fresco é a infanta Maria Margarita, futura Imperatriz da Alemanha, para mais de cinco anos, cheios de graça de crianças e com algumas bajulações já feminina no terno de corte complicadas e rígidas. A técnica de pintura é muito leve quando em turnê o vislumbre das sedas de seu terno e as meninas, anões e proprietários, todos os nome e biografia conhecida. O hit do sol da parte inferior e janelas dianteiras de poeira brilhante fazer a imagem bastante nítida, com a realidade imediatamente surpresa.
Mas ao mesmo tempo, com certeza lá na caixa alegórica e talvez política, ainda não são suficientemente claras intenções. A caixa, também tem o interesse de mostrar-no mais seguro efígie do pintor que mantemos. Cinqüenta-sete-ano-velho, aspecto sereno, nobre e porte fleumático, como seus biógrafos descrevem, tem representavam no seu trabalho de pintor da nobreza. A Cruz de Santiago, que foi concedido em 1659, foi adicionada à tela, talvez após a morte de Velázquez.


Os spinners

A 1657
Lona. 2,20 x 2,89
Museo del Prado, Madrid.
O trabalho dos últimos anos do pintor, os spinners foi jogado por um longo tempo como imagens de sexo, a simples visão de uma oficina da fábrica de tapeçaria real; algo inconcebível na Espanha de seu tempo para tal gráfico de grandes dimensões. Hoje sabemos que a imagem representa na verdade uma passagem mitológica: o concurso de pás e Aracne sobre suas habilidades no tear, que conclui com a maldição de Palas, o suicídio de Aracne e sua transformação em uma aranha.
Como em suas outras pinturas mitológicas, Velazquez iludiu todos grandiloqüência e tem ampliado as alusões à vida diária, contida no mito, ambiente neste caso fechado e fabricação do tear. A técnica tornou-se maravilhosamente solta e toque impressionista sugere e congela a realidade em toda a sua vivacidade. Segurança e a maestria de Velázquez para capturar o transitória tem aqui, talvez, sua realização mais perfeita. O ar circula e quase ouvir formigamento torno de fiar.
A tela foi pintada para um colecionador particular, Dom Pedro de Arce e não entrou até o século XVIII nas coleções real, então a sofrer algumas adições de importância no topo e no lado esquerdo, o que mudou (deve ser dito que com habilidade extraordinária) suas proporções originais.


A infanta Doña Margarita de Áustria [detalhes]

Por volta de 1660
Lona. 2.12 x 1,47
Museo del Prado, Madrid.
Este retrato é, talvez, o último trabalho que Velazquez colocar as escovas, e ainda é possível que, como afirmam alguns críticos, a lona foi concluída por seu genro, Martínez del Mazo, que herdou sua posição como pintor de casas.
Velázquez, que, nos últimos anos de sua vida devido a pintura em breve e apenas retratos oficiais, ocupou seu tempo por outras tarefas da sua crescente importância na vida do palácio, deixou vários retratos magistrais desta princesa destinada a ser a Imperatriz da Alemanha, alguns dos quais são hoje a gala do Museu de Viena.
Aqui o pintor estendido a harmonia de tons com rosa salmão dominante e prata de fantasias de Court bombástica e talvez atingiu o ponto mais alto no processo de desmaterialização da sua técnica, aqui feita o brushstroke ar puro e luz de espuma. Veja, por exemplo, quase implausível transparência do lenço do laço ou brilhante crepitante da mão e a rosa.
Publicado para fins educacionais com permissão de: Biografías y Vidas
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O que é demisexualidad | Conceitos de Psicologia.

O que é demisexualidad?Desde o final do século XX, a sexualidade tornou-se um muito menos tabu e colonizou todas as esferas da vida. Sexo na arte, ciência sexo, sexo na família e até mesmo na escola. Afinal, não há nada de errado: Se você falar mais de sexo, mais se sabe, vai ter menos preconceitos e é muito mais saudável e responsável.Os seres humanos são seres sexuais desde o nascimento até a nossa morte e, portanto, a sexualidade é parte de todos os aspectos de nossa personalidade. A sexualidade é muito mais do que atração sexual e relacionamentos, portanto, mesmo se uma pessoa não experimentar desejos sexuais de qualquer tipo, é um erro chamar assexuada e que, além de não sentir atração sexual, a pessoa continua a ser um ser sexual.
Mas vamos deixar de lado a assexualidade chamada e se concentrar por um momento sobre a demisexualidad. Sobre o que é isso? É uma condição física? Será que a orientação sexual? Ou o que?
O que é exatamente o demisexualidad?O demisexualidad não é …

Sammu-Ramat e Semiramis: A inspiração e o mito | Origem e História

por Joshua J. Mark Sammu-Ramat (reinou 806-811 A.C.) foi a rainha regente do Império Assírio, que ocupou o trono para seu filho Adad Nirari III até que ele atingiu a maturidade. Ela também é conhecida como Shammuramat, Sammuramat e, principalmente, como Semiramis. Esta última designação, "Semiramis", tem sido a fonte de controvérsia considerável para mais de um século, como estudiosos e historiadores discutem se Sammu-Ramat foi a inspiração para os mitos relativos a Semiramis, se Sammu-Ramat governou até a Assíria e se Semiramis existiu como uma personagem histórica real. O debate vem acontecendo há algum tempo e não susceptível de ser conclui uma maneira ou outra num futuro próximo mas, ainda assim, parece possível que sugerem a possibilidade que as lendas de Semiramis eram, na verdade, inspirado o reinado da rainha Sammu-Ramat e tem sua base, se não em seus atos reais, então pelo menos na impressão ela fez sobre o povo de seu tempo.

Semiramis, recebendo a pa…